Mirar, escribir, escuchar (blog de Pablo Gorlero)

Primeras Damas del musical

2011-12-12T05:25:00.022-11:00

PRIMERAS DAMAS DEL MUSICAL

15 DE DICIEMBRE, EN EL GRAN REX

Florencia Peña Ana María Cores Vicky Buchino y Julia Zenko

Gran parte del staff de Primeras Damas Natalia Cociuffo, Ivanna Rossi, Vanesa Butera, Marcelo Kotliar

Laura Conforte y Julia Zenko Magalí Sánchez Alleno, Gaby Goldman y María Rojí

Las chicas Chicago: Paoli, Cociuffo, Radano, Guida y Lenoir Las Velmas: Sandra Guida y Melania Lenoir

Vanesa Butera y Josefina Scaglione Natalia Cociuffo y Magalí Sánchez Alleno

Florencia Peña y Ana María Cores, en la conferencia de prensa Alejandra Radano y María Rojí

Sandra Guida, Vicky Buchino y Laura Conforte Marcelo Kotliar, Gaby Goldman, Pablo Gorlero y Ricky Pashkus

15 de diciembre, en el Gran Rex

Primeras Damas del musical es un evento que reunirá por primera vez a las “divas” del musical argentino. Es un concierto que pretende glorificar tanto a este género que crece a pasos agigantados como a aquellas intérpretes talentosas que protagonizaron los principales títulos de la Argentina. En este show, cada una interpretará distintas canciones pertenecientes a comedias musicales. No sólo que las hayan caracterizado a ellas, sino también inéditos, además de muchas sorpresas.

Hoy en día puede afirmarse que la Argentina es uno de los epicentros del teatro musical a nivel mundial. No sólo aquí se ven los más famosos títulos del género sino que, además, es importadora de talentos. Las numerosas escuelas de formación integral del artista en actuación, canto y baile, comenzaron a aflorar en 1991 y, a partir de allí, decenas de argentinos fueron contratados en otros epicentros musicales como Broadway, Londres, Madrid, París y México. Ejemplos de eso son nombres como Elena Roger, Sandra Guida, Alejandra Radano, Josefina Scaglione, Marcela Paoli, Gerónimo Rauch, Julia Zenko y Juan Pablo Di Pace.

En la Argentina hubo una comedia musical propia, que afloró en los años 20 y 30, evolucionando en las décadas del 40 y 50. Por aquel entonces, el tango y las temáticas locales prevalecían y sus grandes nombres fueron Francisco Canaro, Ivo Pelay y Enrique Santos Discépolo, entre los creadores; y Tita Merello, Libertad Lamarque, Elena Lucena, Tito Lusiardo, Aída Luz y Beatriz Bonnet, entre las luminarias. Desde fines de los años 50 los títulos de Broadway y Londres fueron inundando nuestras marquesinas con clásicos como Mi bella dama, Hello Dolly!, Mame, El violinista en el tejado, El novio, El hombre de La Mancha o Hair. Luego, en las sucesivas dictaduras militares, el género menguó, hasta que fue recuperando fuerzas durante las últimas dos décadas del siglo XX. Su punto de inflexión fue 1991, concretamente con el estreno de Drácula, de Pepe Cibrián Campoy y Angel Mahler. Sus entradas económicas y la enorme capacidad del Luna Park lograron que el primer megamusical de factura nacional consiga lo que no habían podido conseguir otros: fanáticos. Miles y miles de fans de la obra y del género fueron gestando un nuevo público que hoy es el consumidor de la treintena de títulos que se estrenan por año en Buenos Aires.

Y gracias a ese crecimiento comenzaron a surgir estrellas propias del género. Son divas que, en algunos casos, no trascienden las pantallas televisivas y los escándalos, pero son primeras figuras en los escenarios. Ellas son Elena Roger –un milagro que sin aparecer en TV llena teatros-, Sandra Guida, Karina K o Laura Conforte, sólo por citar algunos ejemplos. Se les suman otras provenientes de la música popular, como Lucía Galán, Julia Zenko o Valeria Lynch.

Ellas son las divas de nuestra gran comedia musical, de la que podemos sentirnos orgullosos. De todo ese enorme abanico que conforman aquellas intérpretes que protagonizaron musicales, junto con Ricky Pashkus armamos una primera selección, para esta primera edición de Primeras Damas del Musical, que subirá a escena el 15 de diciembre, en el Gran Rex.

Ellas son Beatriz Bonnet, Vicky Buchino, Vanesa Butera, Candela Cibrián, Ana María Cores, Natalia Cociuffo, Laura Conforte, Lucía Galán, Sandra Guida, Karina K, Melania Lenoir, Florencia Otero, Marisol Otero, Marcela Paoli, Florencia Peña, Elena Roger, María Rojí, Ivanna Rossi, Magalí Sánchez Alleno, Josefina Scaglione y Julia Zenko.

La idea y dirección es de Ricky y mía; la dirección musical de Gaby Goldman; la producción ejecutiva de Tommy Pashkus y Nicolás González; la producción general de Alfiz; el coro de 40 personas, está dirigido por Gabriel Giangrante; el "staging" y puesta coreográfica de Gustavo Wons; y la adaptación de las canciones, de Marcelo Kotliar.

No se lo pierdan, ojalá que sea una noche inolvidable.

PABLO GORLERO

RICKY MARTIN

2011-08-22T14:05:00.008-11:00

(Entrevista realizada para el diario La Nación, en junio de 2011.)

CON LIBERTAD Y HONESTIDAD

Por Pablo Gorlero

Puede mirarte fijo para confesar algo, lagrimear de emoción cuando habla de su pareja y sus hijos, inflar el pecho cuando habla de su disco y su concierto o desparramarse en el sillón cuando la entrevista ya se vuelve charla. Así es Ricky Martin, a meses de cumplir 40. Descontracturado, sincero, macanudo, libre. Mucho más que antes. La historia la saben todos.

Llegó a la Argentina hace unos días no sólo para presentar su disco Música+Alma+Sexo (fue disco de oro en una semana) sino para encontrarse con sus fans, mezclarse con ellos y dejar el terreno calentito para cuando regrese en septiembre. Anteanoche él mismo anunció que sus conciertos serán entre el 6 y el 22 de ese mes, en Córdoba, Corrientes, Mar del Plata, Rosario, Buenos Aires (en River), Neuquén y Mendoza.

-Te convertiste en el rey del Twitter y muchos famosos siguieron tu ejemplo.

-Es que ya no es futuro; esto es ahora. Y el que lo sabe utilizar, gana. ¡Con un botón llegás a 3 millones de personas!

-Hablás de esta gira en forma especial...

-Es mi favorita. Esto trae otro rollo. Es bien teatral, provocativa; la música tiene mucha alma y mucho sexo. Presentamos un poquito del comienzo de mi carrera, jodemos un poco con un look algo underground londinense y luego nos vamos a algo más acústico, para pasar a un momento de fetiche, en el que hay cosas muy sensuales y sexuales. Después pasamos a una atmósfera de carnaval carioca y afroantillano, fiesta y terminamos en esa frecuencia, luego de una hora y 45 minutos. Nos llevó seis meses poner todo en orden. Es bien limpio, bien teatral. Giorgio Armani diseñó todo el vestuario

-¿ Música+Alma+Sexo es tu disco más personal?

-Sí, creo que la música por obvias razones es el alma. El proceso espiritual por el cual he pasado estos últimos tres años ha sido bien interesante. Incluso el proceso creativo también fue bastante espiritual. Y el sexo es porque es parte de un todo. Además, esa palabra le trae picardía al título y hace que la gente se sorprenda. No sabes la cantidad de gente que me pidió que lo llame Música y alma únicamente. La doble moral. Esa palabra tan divina trae tanta incomodidad...

-¿Cuál es el condimento que hizo que amaras especialmente a este trabajo?

-Creo que es por todo lo que pasé. Por todo ese proceso de fortalecimiento, de autoestima, de las conversaciones que tuve con los productores, con los directores, así como la dinámica que hubo. De pronto, estaba escribiendo una letra intensa y mi hijo corría por el estudio diciendo "hola" o "adiós". Son toquecitos de buena vibra que lo hicieron diferente a los demás.

-Encima te lanzaste a escribir con decisión...

-No tuve temor de escribir porque todo, en este último año, fue transparencia. Entonces, no me dio miedo hablar de cosas. Hablo un poco de mi trabajo filantrópico con Cántame tu vida , sobre la explotación sexual infantil, un niño que está siendo utilizado para cargar armas. Eso también fue parte de este último trabajo. Ahora está mi puño y letra; aquí no hay filtro; no hay terceras personas.

-En tu carrera tuviste momentos soñados por cualquier artista, pero da la sensación de que estás viviendo "el" momento. ¿Es así?

- Pues yo creo que sí, aunque también espero que vengan mejores momentos incluso. Hay que pedirle más a la vida.

-Cuando uno libera caminos...

-Sí, definitivamente. Yo voy caminando, voy por la vida; todo fluye... y así como tú, muchos me dicen que me ven diferente. Mi prioridad y mi mantra en el día de hoy es éste: quiero y tengo que estar bien. Por mí y por mis hijos. Es un decreto de atracción.

-Puntualmente, ¿qué te abrió más el espíritu, el camino: la paternidad, tu confesión o ambas cosas?

-Para ser padre, yo estaba clarísimo con mi naturaleza. Entonces, la paternidad reconfirmó lo maravilloso de estar en contacto contigo mismo y no manipular emociones. Cuando encontré la manera de compartir mi naturaleza y decírselo a todo el mundo a través del Twitter fue grandioso. Cuando lo pensaba, no sabía si sería a través de una canción, de una entrevista o de una conferencia de prensa? ¿Adónde lo voy a hacer? ¿Cómo lo voy a hacer? Y apareció Twitter. Es aquí. Si hubiese sabido lo bien que me iba a sentir, lo habría hecho hace rato. Pero todo el mundo tiene que pasar por su propio camino.

-Entonces, de algún modo, la fama significó una celda para esta necesidad tuya.

-Sí, puede ser; está en mi libro Yo . Pueden ser mil cosas, hermano. Hoy en día, hay niños y niñas que, en su adolescencia, dicen: "Este soy yo y no me importa lo que pienses". ¡Qué maravilla! ¡Qué suerte de tener ese cráneo! Pero otros salen del closet a los 20, algunos a los 30 o a los 40, pero muchos mueren y nunca pasaron por ese proceso de aceptación. ¡Qué triste y qué trágico! ¿Por qué? ¿Por la religión, por la fe? Probablemente. ¿La sociedad? Probablemente. ¿La familia? Probablemente. ¿Dignidad, autoestima? Hum? creo que por ahí va.

-Igualmente, habría que establecer que lo tuyo fue una confesión; ya te habrás aceptado hace mucho?

-Esto de confesión me suena a pecado. No me gusta "confesión".

-¿Confidencia?

-Hay que buscar un buen sinómino. Creo que compartir, exponer, plantear, regalar... Compartí mi naturaleza, mi todo.

-Eso que contás me lleva un poco a tus hijos.. el ser padre te conduce al grado de amor más inmenso.

-Es fuerte. No hay comparación.

-Y eso te lleva al amor a vos mismo...

-Totalmente. Tengo que estar bien para que mis hijos tambien lo estén. Y yo tengo que ser sincero conmigo mismo y con todo el mundo para que mis hijos no tengan que mentir por mí. Eventualmente, ellos van a ir a la escuela y les van a preguntar. Porque siempre se dijo, nunca se confirmó. Quiero que mis hijos vayan a la escuela y sientan que esa pregunta posible es absurda. Al fin y al cabo, ésa es la nueva generación. Son más sabios. La información les llega, no la buscan. Pues, dichosos los de esta generación y los de las generaciones que vienen porque no tendrán tanto rollo existencial.

-¿Lograste la familia?

-La logré, claro que sí. Pero el concepto de familia es diferente para cada uno.

-¿Qué es "familia" para vos?

-Para mí, "familia" es comprensión, amor, la aceptación de seres humanos que viven bajo el mismo techo.

-Vos estás compartiendo tu hogar con alguien. ¿Eso no es una familia?

-Sí, hace tres años que estoy con mi pareja. Es una familia, cierto. Lo que pasa es que tomé la decisión de ser padre antes de conocer a mi pareja. Hay familias que tienen mamá y papá; otras que tienen sólo una maná o un solo papá? o dos mamás, o dos papás. En la mía, yo soy el papá.

-El es el padrastro.

-¡Sí, es el padrastro! El adora a mis hijos y mis hijos lo adoran. Cuando me siento a ver esa relación, esa dinámica, se siente maravilloso. (Se le llenan los ojos de lágrimas.) Mira, se me aguan los ojos. ¡Qué bonito encontrar esto! Sí, mi familia está sólida y estable el día de hoy. Y seguimos adelante y caminamos un día a la vez; tratamos de dar pasos lo más sólidos posibles y seguimos descubriéndonos. Porque todos los días hay necesidades nuevas y hay que estar dispuestos al cambio.

-¿Cómo soñás a tus hijos dentro de 15 años? ¿Solés hacer eso?

-Sí, viejo? La verdad que sí, pero mi ideal a lo mejor no es su ideal. Me encantaría que fuesen buenísimos en el deporte; que les gustaran mucho las artes y la música; que tocaran más instrumentos musicales que yo; que se embarraran en pintura y que encontraran un canal en el que pudieran desahogarse; que pudieran encontrar un desapego de la locura de la sociedad. Quiero que sean felices.

-¿Te acompañan a los conciertos?

-Sí, van a todos lados conmigo. Esta es la primera vez que no estamos juntos.

-¿Los vas a traer en septiembre?

-Sí, totalmente. Ahora teníamos cinco días antes de irnos a Europa y quise que estén un ratito en casa con su abuela, a quien aman.

ENTRE EVA Y CRISTINA

Entre los múltiples compromisos que el cantante puertorriqueño tuvo en Buenos Aires figura la visita que le hizo a la presidenta Cristina Fernández de Kirchner, en la Casa Rosada, el miércoles. Parece que las figuras de las primeras damas le generan interés, ya que también interpretará al Che (una suerte de relator) en Evita , en Broadway, junto a nuestra Elena Roger. "Hoy estuve con Elena. Es divina y súper talentosa, además de tener un gran tesón. Le pedí consejos porque hizo la obra en Londres. Intercambiamos ideas ya que debutaremos juntos en marzo. Estuvimos dos años trabajando esa idea y ya se concretó", cuenta. "Me gusta mucho la disciplina y el enfoque militar con la que trabajan los creativos de Broadway. Para mí es un honor revivir este clásico donde se habla del amor, de la justicia social y del feminismo, entre muchas cosas."

-Hablando de eso, ¿qué impresión te causó nuestra presidenta?

- Le he dicho: "Estoy a sus órdenes. Cualquier cosa que usted necesite, me gustaría trabajar". Hablamos mucho de derechos humanos. Con mi fundación (The Ricky Martin Foundation) tengo muchos años trabajando en contra de la esclavitud sexual infantil. Y ella ha hecho muchísimo por los derechos humanos. También hablamos de la comunidad LGBT y de lo que su gobierno ha logrado a nivel igualdad.

-¿Estuviste atento a la promulgación de la ley de matrimonio igualitario?

-Desde mi casa de Miami seguí el momento de la votación cada minuto por Internet. Fue emocionante, viejo. "¡Un voto más, un voto más!", gritaba. Y cuanto todo el mundo se tiró a la calle escribí en Twitter algo así: "Argentina, país pensante que no discrimina a sus ciudadanos y cree en la igualdad". Es maravilloso para toda la región.

-¿Te gustaría casarte si tuvieras la posibilidad?

-Claro que sí. Pero no lo veo ahora como una posibilidad. Para algunas familias firmar ese papelito es importante, y para otras no lo es tanto. Yo crecí en una familia de este segundo grupo. Pero reconozco que tengo una pareja y hay que llegar al compromiso, a la negociación que ambos necesitamos hasta arribar a un punto en común. Pero el hecho de que se pueda es fantástico. Tú dame a mí la opción y una vez que la tenga, te digo si quiero o no. Eso es lo importante. No me gusta eso de sentarme en la fila de atrás porque otros pueden y yo no. Es sentido común, man.

-¿Te interesa la política?

-Tengo muchos años lidiando con política en mi carrera. Existe la política en esto. Pero así como para postularme en algún momento... No debo decir que de esa agua no beberé. Aunque en este momento creo que aún me falta tanto por hacer como artista... Pero no es parte de mi personalidad decir "nunca" o "jamás".

-Compatriotas tuyos, con gran compromiso político, como Calle 13, tienen mucho éxito aquí. ¿Qué opinás de ellos?

-¡Me encantan! René dice cosas que muchos no saben decir. ¡Dale, sin filtro! Me gusta mucho su trabajo, es un tipazo y trabaja mucho por la gente. Está en su proceso de ebullición y ha hecho muchísimo. Cuando hierva... Puff... Llegará muy alto.

-A pesar de los estilos diferentes, ¿te animarías a compartir escenario con él?

-¡Claro que sí, por supuesto! Pero pregúntale a él si se atreve.

-¿Son pesadilla los paparazzi?

- Estoy en esto desde los 12 años y sé que la fórmula es aceptar que la fama es así. Aceptación y serenidad..

MARILINA ROSS

2011-08-22T13:47:00.003-11:00

Marilina antes de despedirse de los escenarios

Por Pablo Gorlero

(Entrevista extendida de aquella realizada en La Nación, en diciembre de 2010, antes de su recital en el Opera, en el que estuvo acompañada en escena por Julia Zenko, Sandra Mihanovich, Patricia Sosa, Claudia Puyó, Claudia Almerares, Miranda! y Lucía Galán.)

Dicen que no suele dar entrevistas. Es verdad. Pero este último tiempo dio muchas. Dicen que tiene bajones profundos. Es verdad. Pero esta vez decidió una vez más salir a ponerle el pecho a las balas. Dicen que no sale mucho. Es cierto. Su salud la volvió muy casera. Ya desde hace tiempo. Sólo eso se dice de ella. Lo demás, lo dijo ella misma siempre: en sus canciones. No hace falta conocerla mucho más porque Marilina Ross siempre fue una de las artistas argentinas más transparentes.

Cuando abre las puertas de esa casa soñada que tiene la tranquilidad del campo en medio de la gran ciudad uno la encuentra a ella, sin verla todavía. Paz, música de fondo, buen gusto, naturaleza. Y luego allí aparece ella, todavía con cierto aire años 60, la misma de esas canciones que pintan su alma y su historia. Dulce y valiente al mismo tiempo. Sensible y sensata. Encuentra su propia poesía hasta en las cosas más sencillas como acurrucar a su perro o levantar una flor que se cayó en su jardín.

Es la de “Puerto Pollensa”, “Casi sin querer”, “Escaleras mecánicas”, “Soles”, “Como mis padres” y “Mis hijos naturales”, entre tantas canciones. Todos esos temas y otros más, hasta contar 30, serán el repertorio de Uno + Uno, un homenaje a su trayectoria que compartirá con grandes intérpretes el 8 y 9 de diciembre en el Opera. Ese es el motivo principal por el que decidió volver a abrir la puerta de su casa. Se quiere despedir.

“Esto se le ocurrió a Sandra Mihanovich, que me veía sin hacer nada. Me impulsó a hacer algo y lo organizó. Convocó a Patricia Sosa, Julia Zenko, Claudia Puyó y Paula Almerares, todas acompañadas por Angel Mahler para cantar mis canciones. Sandra y yo también cantaremos. Yo, pocas. Repartidas entre tanta gente talentosa me tocan cinco. Me quedé con ‘El payaso del amanecer’, ‘Se puede’ y, entre todas, haremos ‘Puerto Pollensa’, ‘Soles’ y ‘Danza’”, explica Marilina con una discreta felicidad en esos ojos enormes. Claro, es fácil de entender que esas gigantes de la canción melódica comprometida, todas juntas, se llevarían muy bien con los decires de este símbolo del mundo artístico argentino que aúna música, cine, teatro y televisión. “Cada cual eligió la canción que quería. Bueno, hubo peleas por ‘Puerto Pollensa’. Todas querían hacerla –comenta muerta de risa-. Pero lo resolvimos repartiéndola entre todas”.

Es que ese clásico que cuenta la desenfrenada historia de amor que alucinaba a un gordito de gafas es de esas letras difíciles de olvidar desde el comienzo hasta su final. En su último disco-libro Más que un sueño se atrevió a adaptarla a ritmos flamencos.

“Para mí es una alegría muy grande escuchar mis canciones bien cantadas. Me da mucho placer escucharlas. Ya lo hicimos en La Plata y nos quedamos con ganas de volver a hacerlo, por eso lo repetimos en Buenos Aires”, explica.

-¿Le costó convencerte a Sandra?

-Un poco. Porque, desde hace años, me estoy retirando de a poquito, sin que se note… en realidad para que yo no me de cuenta.

-¿Por qué esa retirada a paso lento?

-Por problemas de salud. Tengo enfisema y eso dificulta mucho mi desempeño. Ya no disfruto tanto estar sobre el escenario porque no llego con el aire, no me puedo mover, tengo que sentarme… por mil cosas, no lo disfruto como antes. Entonces ya decidí irme silbando bajito.

-¿Pero se extraña?

-Sí, mucho.

-¿Cómo hacés para tapar ese vacío?

-A través de mi blog (http://marilinarossoficial.blogspot.com). Escribo mucho. Además, edito los videos y los posteo yo misma. Ahora me ocupo casi exclusivamente a eso. Lo hago sentada, no me canso y está muy bueno.

-¿No pensaste en un libro con todos esos escritos?

-No sirvo para eso. Escribo lo necesario. Y mi vida ha sido tan contada… En cuanta canción mía está mi vida. Ahí no miento. En algunos reportajes tampoco miento. En algunos –recalca-. Ya no podría aportar demasiadas novedades.

-¿Ya no pensás en canción entonces?

-Siempre compuse porque tenía una gran necesidad de hacerlo. Eso ya no me está pasando últimamente. No me viene esa urgencia de dejar hecha una canción. Pienso más en cómo se hace un karaoke, me pongo, lo saco y lo subo al blog. Me gusta más ir hacia cosas distintas, nuevas. La búsqueda, más que lo recorrido. Eso de durar y transcurrir no nos da derecho a presumir.

-No salís mucho…

-Es verdad, estoy muy casera. Me agobia ya salir. No me puedo mover mucho, me fatigo y me tengo que sentar enseguida. Eso es bastante incómodo. Tengo la mitad de los pulmones funcionando. Lo mejor que me puede pasar es que el enfisema no avance, que se detenga aquí donde está. Hasta ahora lo estoy deteniendo. Tengo lo que tenía Sandro.

-¿Tenías una relación estrecha con él, verdad?
-No nos veíamos muy seguido, pero sí teníamos relación. El estaba mucho peor que yo. Pero se tomaba todo en joda. Me decía: “no tenés nada, dejate de embromar”.

-¿Cómo ves a la Argentina hoy?

-Creo que estamos pasando por un muy buen momento en el país. Se están llevando adelante los juicios, de buena manera, con altura y con seriedad. Era algo que estaba pendiente y era necesario que sucediera. Estoy muy de acuerdo con este momento del país. Sufrí mucho la muerte de Néstor Kirchner. Era bastante seguidora de él y lo soy de Cristina. Estoy muy de acuerdo con sus formas de gobierno.

-¿Te sentís atacada por ser oficialista?

-Siempre habrá alguien que nos critique, pero yo soy peronista de toda la vida. Esto no es nuevo y es bien conocido por todos. Y los Kirchner son peronistas.

-¿Cuál es tu refugio?

-Esto: mi casa, ver películas, escuchar música o charlar. Las charlas me gustan mucho. Suelo invitar amigos a comer.

-Bueno, no estás sola…

-No, para nada. Además, estoy con una relación muy linda de pareja desde hace un par de años.

-¿”Un par” son dos o estamos disimulando más?

-Bueno, sí un poquito más… tal vez diga “un par” para quitarle importancia.

-¿Te casarías ahora que se puede?

-No, no, no… A mí los compromisos me ponen muy nerviosa. Me sacan urticaria. Ningún compromiso. El aquí y ahora es lo más importante que tenemos. El lazo es el corazón.

-¿Qué pasa con la actuación?

-Siento que cerré los puntos suspensivos...

-Cerraste la puerta...

-¡Me la cerraron de un portazo en aquellos años! Cuando regresé me dediqué a la música porque me hace mucho más feliz.

RECITAL UNO + UNO

Recital homenaje a Marilina Ross. Con Marilina Ross, Patricia Sosa, Julia Zenko, Sandra Mihanovich, Claudia Puyó y Paula Almerares. Dirección musical y arreglos: Angel Mahler. Músicos: Dolores Stabilini, Carlos Di Palma, Emanuel Mahler, Daniel Cesano y A. Mahler. Producción: Leo Cifelli. En el Opera. Ayer y anteayer. Duración: 130 minutos.

Meter las narices en Uno + Uno , el show que ayer y anteayer hizo Marilina Ross con un seleccionado de voces femeninas de la música popular, fue como ser voyeur de una fiesta de amigas cantantes. Allí, sobre el escenario del Opera, a un costado, un living, con mesita, vino, agua, panderetas, algunos otros elementos de percusión y micrófonos desparramados por todos lados. En él, descontracturadas, como en su casa, hacía lo que quería un grupo de locas divinas que se reunieron para celebrar la poética de una hermana mayor. Ellas son Sandra Mihanovich, Julia Zenko, Patricia Sosa, Claudia Puyó y la soprano Paula Almerares. El conjunto hizo que las más de mil personas que vieron cada show se sintieran bendecidas por tanta espontaneidad y "buena onda", de la mano de tanto talento.

Treinta canciones y algunas yapas compartió Marilina con sus colegas, además de interpretar ella solita unas pocas, con su jerarquía intacta. Allí estuvo Julia Zenko, con esa afinación perfecta combinada con una simpatía superlativa, para interpretar "Quereme, tengo frío", "Voy a hablar de mi amante" y "Aquí y ahora". Y Sandra Mihanovich, con esa voz potente, vestida de dulzura, que embelleció "Un domingo lluvioso", "Puente invisible" o "Mis hijos naturales". Las dos son bellas sobre el escenario, en personalidad y talento. Pero sus compañeras marcharon por la misma senda de excelencia. Patricia Sosa impuso su marca y su estilo en un puñado de temas y sensibilidad en esa bellísima canción que es "Señores, se cierra". Pero el dúo con Claudia Puyó en el "Blues del encuentro" fue de los mejores momentos del show. A su vez, esta última le puso el tinte rockero a la noche con una espléndida versión de "Basurero nuclear".

Paula Almerares fue la figura de la lírica que se atrevió a "intervenir" este living escénico de primeras figuras de la música popular en "Con el agua en la boca" y "Este amor, mi amor". Aunque demostró que es una de las mejores voces argentinas, se la veía claramente como la "invitada" en ese grupo de mujeres a quienes realmente se veía divertirse y morirse de risa entre ellas.

"¿No éramos nosotras solas?", bromeó Sandra Mihanovich cuando Ale Sergi y Juliana Gattas, de Miranda!, intervinieron el "Quereme..." de Julia Zenko. También hubo otra figura invitada que compartió intimidad y emoción con Marilina: Lucía Galán. Compartieron "Carta a papá" y una hermosa versión de "Como mis padres". Hubo más dúos (inolvidable el "Casi sin querer" que compartieron Sandra y Marilina) y coros impecables (el comienzo con "Danza" fue estruendoso). Esas voces repartidas en "Soles", "Honrar la vida" o jugando a que se pelean por cada frase hermosa de "Puerto Pollensa" son dignas de ser escuchadas más de una vez.

Por su parte, Angel Mahler conoce muy bien a estas damas y supo hacer los arreglos adecuados para cada tesitura y, sobre todo, para cada personalidad.

Uno + Uno fue un homenaje afectivo a una figura de la canción, una fiesta con toda la alegría que implica esa frase y, sobre todo, una caricia al alma tanto de Marilina como de todos los que allí estuvieron presentes.

La topadora Disney, en Broadway

2011-04-13T17:29:00.012-11:00

Scarlett Strallen y Adam Fiorentino, como Mary y Bert

La división teatral de la megacompañía se unió con Cameron Mackintosh para llevar a escena la historia de la niñera mágica de Londres

(Nota publicada en La Nación, el 2 de agosto de 2009.)

Por Pablo Gorlero

Enviado especial

NUEVA YORK.- Los efectos especiales en el teatro musical se fueron afianzando de a poco. En 1981 el público se sorprendía con el neumático que ascendía hasta "el edén sideral", en Cats ; cinco años después aplaudía a rabiar la araña de El fantasma de la ópera ; y en 1989 se impresionaba con el helicóptero que aparecía en escena, en Miss Saigón . Pero tenía que irrumpir la topadora Disney para dejar a todos pequeñitos en su ambición. A principios de los años 90, la compañía creó su división teatral para lanzar una artillería de artilugios escénicos y efectos especiales con La Bella y la Bestia . Tan espectacular como barroca, fue un éxito que comenzó en 1994, estuvo 11 años en Broadway y hoy en día tiene 5 compañías en el mundo. El siguiente proyecto que cobró vida de esa fábrica de ideas es el mejor: El rey león , en 1997. El ingenio de Julie Taymor plasmó en escena una de las obras musicales más impresionantes. Hoy continúa en cartel y es la tercera obra más vista en Broadway, está en los primeros puestos de Londres y tiene ocho compañías en América, Europa y Asia. Le siguieron El jorobado de Notre Dame (1999), en Berlín; Aída (2000), Mary Poppins (2004), Tarzán (2006), La sirenita y High School Musical (2007). Lo interesante de Disney es cuando todo ese artilugio lo pone en función del hecho artístico y es lo que ocurre en Mary Poppins , uno de los mejores montajes que pueden apreciarse hoy en día en esta ciudad.

Esta gran comedia musical es el primer espectáculo que coproducen Disney y Cameron Mackintosh, algo así como el emperador del musical en materia de producción ( Los miserables, El fantasma de la ópera, Cats , etc.). Es una vieja idea de Mackintosh que le llevó 25 años plasmar. El libro de Julian Fellowes no está basado en la película de Walt Disney, sino en las historias originales de P. L. Travers, la escritora británica que creó el personaje en 1934. Así fue que Mackintosh decidió tomar algunas de esas historias que Travers escribió e incorporarles las canciones que los hermanos Richard M. y Robert B. Sherman hicieron para la película de 1964 (film que no la convenció del todo). El productor logró combinar estas historias para volver a las conocidas canciones más funcionales al hecho dramático, en sentidos distintos a los de la película. El libro fue escrito por Julian Fellowes, y el productor le encargó nuevas canciones a George Stiles y Anthony Drewe. Se tardaron tres años en concebirlo, pero apenas se estrenó en el West End, el público británico la amó. A Broadway llegó en noviembre de 2006 y, aunque no es una de las obras más requeridas del circuito, podría decirse que está consolidada.

Tomó el escenario que reabrió El rey león , en 1997 (hoy en otro teatro): el Amsterdam Theatre, uno de los más hermosos de Nueva York. Barroco y rococó por donde se lo mire, en él todavía se respira la vitalidad que durante muchas décadas supo darle el gran Florenz Ziegfeld, padre de la revista norteamericana. Mary Poppins es una obra que pueden disfrutar de igual modo chicos y grandes. Pero aquellos que quieren encontrar una versión teatralizada de aquel clásico cinematográfico, tal vez se desilusionen un poco. El argumento, en líneas generales, es el mismo, pero las situaciones, las diversas subtramas y algunos personajes son muy distintos. Aquí los chicos Banks son mucho más rebeldes que los ingenuos de la película; su padre, el señor Banks, se debate entre ayudar a un acaudalado banquero a prosperar en sus negocios o a un pequeño emprendedor que no ofrece garantías; y Winifred no es una dama sufragista sino un ama de casa rica que no sabe muy bien cómo ser una buena madre y esposa.

Pero están las canciones más conocidas: "A Spoonfull of Sugar", "Supercalifragilisticexpialidocious" (con coreografía para aprenderse), "Chim-chim-cheree", "Feed the Birds" y "Jolly Holiday"; y hay otras preciosas como "Practically Perfect" o "Anything Can Happen". La espectacularidad está puesta en la escenografía y en los vuelos. La mansión de los Banks puede elevarse o descender para mostrar el cuarto superior de los chicos, la planta baja, el sótano o el techo. A su vez, uno de los cuadros que despierta mayor admiración es el baile de los deshollinadores ("Step in Time"), con unos virtuosos arreglos musicales. El tap y la percusión allí son más hermanos que nunca, la coreografía ruge y el público se queda perplejo cuando Bert camina por la pared y termina su "gracia" zapateando y cantando cabeza abajo. Y la emoción está puesta cuando Mary Poppins acaricia el alma de los espectadores volando, tierna, sobre sus cabezas.

Scarlett Strallen es encantadora como la mágica niñera y enriquece esa imagen que uno tiene de Julie Andrews, y Jane Carr compone a una nana tan odiosa como graciosa. Pero aunque el australiano Adam Fiorentino sea talentoso como bailarín y cantante está a kilómetros de distancia de la gracia que tenía Dick Van Dyke. Las comparaciones son inevitables.

HUGO MIDÓN

2011-03-25T09:02:00.007-11:00

Hoy es un día muy triste

Murió Hugo Midón

Por Pablo Gorlero

“Al agua, pato-pato, como los patos-patos. Al agua, pato-pato, al agua, pez”. Y a bañarse. “Me miro en el espejo, me quiero conocer. Saber qué cara tengo y de qué color la piel”. Y a peinarse. “Soy como una rueda que va por la vereda, doy vueltas y vueltas, rueda que te rueda”. Y a pasear.

Son muchas canciones que los de cuarenta y tantos llegamos a abrazar para aprender y jugar, gracias a Hugo Midón. Ir a ver sus obras era llenarse el corazón de cultura y jugar a lo loco. Todavía recuerdo firme esa imagen de Berugo Carámbula vestido de deshollinador, en La vuelta manzana, cantando la canción de “La nariz tiznada”, con una chica de rulos simpatiquísima (Ana María Cores). Después, firme de la mano, mi viejo me llevaba tarareándola, haciendo equilibrio por el cordón de la vereda, por Santa Fe, a la salida del Regina.

Luego esas canciones, esas enseñanzas se legaban a los más chicos. Y ellos eran la excusa para poder ver Vivitos y coleando en sus diferentes versiones, o El salpicón o Stan & Oliver o Derechos torcidos ya siendo un adulto de muchas afeitadas. Es que Hugo no le hablaba sólo a los chicos que habitaban un cuerpo chico, sino también a los chicos que habitan un cuerpo grande, y a los grandes de cuerpo grande que ya perdieron casi todo lo de chico. Porque te recordaba lo que debías recordar. Era el duende que te hacía cosquillas para que te rías aunque hubieras tenido la peor semana de trabajo. Entonces, sin darte cuenta, mirabas a los chicos de alrededor y te encontrabas igual, a su altura, a su tamaño. “Cantamos el mismo himno, con el mismo corazón. Tenemos las mismas leyes, la misma Constitución. Pisamos la misma tierra, tenemos el mismo sol. Pinchamos la misma papa, con el mismo tenedor. Yo no soy mejor que nadie. Y nadie es mejor que yo, por eso tengo los mismos derechos que tenés vos”. Lo decía en Derechos torcidos, con la música del gran Carlos Gianni.

En muy poco tiempo nos dejaron huérfanos. Nos quedamos sin María Elena y sin Hugo. Es mucho.

CHITA RIVERA

2011-03-21T09:42:00.007-11:00

Nota publicada en La Nación, el 26 de noviembre de 2004

Chita Rivera y Pablo Gorlero, en Buenos Aires -----------------Chita Rivera y Gwen Verdon, en Chicago

Una estrella que brilla con sencillez

Por Pablo Gorlero

Llega a las 7 de la mañana, después de nueve horas de viaje, sonriente y sin el menor rastro de cansancio. Inmediatamente, y sin conocer a casi nadie previamente, reparte besos y abrazos -de esos que aprietan- y accede a charlar con quien se le acerque. Sin soltar a su amiga Valeria Lynch, que la invitó para participar, con una charla, en su 3er Congreso Internacional de Musicales y Operas Rock, en el Hard Rock Café, Chita Rivera demuestra que las verdaderas estrellas son capaces de demostrar humildad. "Estar en la Argentina es un regalo, un remanso", afirma.
Se conocieron en Nueva York, cuando Valeria fue a ver El beso de la mujer araña, antes de su estreno en Buenos Aires. Chita nunca vino al país, pero vio a la artista argentina en videos y no se cansa de elogiarla: "Se adueña del escenario, nunca pasa desapercibida y es magistral".
Hija de puertorriqueños, es una de las grandes luminarias de Broadway y trabajó desempeñando importantes papeles en los principales musicales: Amor sin barreras, Bye, Bye, Birdie, "Chicago", Sweet Charity, El beso de la mujer araña y Nine, entre muchos otros. A su vez, trabajó con los mejores coreógrafos y directores: Gower Champion, Jerome Robbins, Bob Fosse y Harold Prince.
-¿Es consciente de que forma parte de la historia de la comedia musical?
-Eso que me decís es inspirador. Cuando lo que estás haciendo es verdaderamente lo que amás, te resulta increíble haber tenido la suerte de haber sido parte importante de la historia. Aparecí siempre en el momento adecuado en esta carrera. Eso sí, trabajé mucho para lograr todo, ya que nunca nada me cayó de arriba. Pero cuando me veo en algún video, no lo puedo creer porque uno avanza y se olvida de lo que hizo. Habitualmente, se piensa en lo que se está haciendo y lo que se va a hacer.
-Pero a muchos les gusta ese viaje ególatra...
-(Lanza una carcajada) El sentirte parte de la historia es un sentimiento muy reconfortante: un premio.
-¿Se siente un referente?
-Cuando veo a algún artista talentoso bailando en alguna obra y después me lo encuentro a la salida y me dice que hizo todo eso porque lo inspiré o porque quiso ser como yo, me siento grandiosa. Pero a mí también me pasó. Hace muchos años, estaba haciendo un show en California con Liza Minelli y vinieron a vernos Gene Kelly y Fred Astaire. Me quise morir. Estuve muy nerviosa porque no podía creer que hayan venido a verme a mí. Uno no piensa en sí mismo como un gran artista.
-Usted trabajó con los más grandes...
-Sí, pero todos ellos nacieron talentosos. Y algo más importante: todos salieron del coro. Claro, cada uno tiene un estilo diferente que lo distingue. Jerome Robbins fue casi un profesor de actuación que aplicaba el drama al ballet. Era la combinación exacta que precisaba Amor sin barreras. Michael Kidd era más atlético y había que ser acróbata para bailar con él. Fosse era muy intenso, muy prolijo, estilizado y sus movimientos eran muy chiquitos. Te disecaba y le daba vida propia a cada parte del cuerpo. En realidad, su coreografía podría traer problemas de espaldas. (Se ríe.)
-¿No cedía en el momento de la creación?
-Yo le pedí libertad en alguna escena porque me gustaba volar. Así montó mi segundo cuadro en Chicago, el de la silla, que fue mucho más complicado que el de la versión actual. Era un escenario alto y oblicuo, así que las patas delanteras de la silla eran largas y las de atrás, más cortas. Pensé que me lastimaría la espalda, pero me dio absoluta libertad.
-¿A qué atribuye los grandes fracasos actuales de Broadway: a una pérdida del rumbo o a una búsqueda de nuevos lenguajes?
-Es una buena pregunta que me encantaría poder responder. No lo sé. Hay muchos revivals. Los productores no se arriesgan y eso nos conduce a la pérdida de autores y compositores que se dedican a hacer cine o TV. Hay buenos intentos: yo hice uno, The Visit, que se estrenó en Chicago, y en la que participaron nombres como John Kander, Fred Ebb, Terrence McNally, Ann Reinking, Frank Galatti, John McMartin y yo. Era una obra oscura, pero fantástica. Fue un gran suceso, pero de pronto aconteció el 11 de septiembre y todo se detuvo. En definitiva, no se arriesga en el teatro.
-¿Cuál es la razón?
-El dinero. Es vergonzoso. Los productores dicen que si una obra no funciona de maravillas en una gira, no es comercial. Creen que la gente quiere ver estrellas. Están equivocados. No entiendo por qué no renuncian a ganar tanta plata y hacen buenas obras originales. Lo necesitamos.
-¿Se puede hacer un musical sin una gran producción?
-Claro que sí. Se pueden hacer cosas con un número decente de gente, si la música y el libro son buenos. Su regreso
En 2005 estrenará un nuevo espectáculo autobiográfico escrito por Terrence McNally, con ocho bailarines y un grupo de músicos, dirigidos por la coreógrafa y directora argentina Graciela Daniele. Allí repasará su vida, desde su niñez hasta ahora. "Era muy machona; me trepaba a los árboles y rompía todo. Por eso, mi mamá me llevó a estudiar danzas", rememora.
-¿Cuál de sus trabajos recuerda con mayor cariño?
-Es como si tuviera diez hijos y me preguntases a cuál prefiero... No se puede responder. Fue grandioso compartir un escenario con Dick van Dyke (Bye, Bye, Birdie), pero también lo fue con Antonio Banderas (Nine) o con Brent Carber (El beso...).
-Pero en cada nota siempre recuerda con mucho afecto a El beso de la mujer araña...
-¡Qué obra grandiosa! Me encantó porque es una historia de amor fascinante, con textos fabulosos. Fue muy inteligente el modo en que se le hacían ver al espectador las diferencias entre las personas y cuánto se puede aprender de ellas para transformarnos en gente más comprensiva. ¡Qué mejor que tener dos hombres que se mueven en un espacio muy pequeño, donde deben protegerse siendo tan distintos! Es la mejor descripción de una historia de amor. Observé cambios en la gente al ver esa obra.
-¿Harold Prince es el mejor director en la actualidad?
-Creo que es un arquitecto: tiene una visión abarcativa de cómo va a quedar el escenario. Una vez que hacés la escena, observás la foto y te quedás boquiabierto.
-¿Cómo fue su experiencia en la obra argentina Venecia, de Jorge Accame, que hizo en Broadway?
-¡Qué bien me hace que me lo preguntes! Me gustó mucho, pero no duró lo suficiente. Me enorgulleció hacer ese papel de la vieja. Es un texto muy imaginativo y la gente lloraba muchísimo sobre el final. El fracaso de esta magnífica obra fue una de las dos grandes decepciones de mi vida. La otra es La casa de Bernarda Alba. Tuvieron grandes críticas, pero la gente no vino.
-¿Cómo hace para sostener la humildad, siendo una estrella?
-Sabiendo que no podés vivir ni hacer nada sola. Necesitás todo lo que te hace saber que estás vivo. Y lo más importante es que hay alguien más grande y supremo: Dios. Una vez llegué a Vancouver por la noche y estaba todo oscuro. Por la mañana, corrí las cortinas y me encontré con un lago azul, árboles y montañas enormes con picos nevados. Me sentí muy chiquitita. No recibís nada, si no das.
Chita Rivera

Rob Ashford, en Buenos Aires

Entre los participantes en el 3er Congreso Internacional de Musicales, que organizan Valeria Lynch y Mariana Letamendia, se encuentra el coreógrafo estadounidense Rob Ashford, ganador de un premio Tony.
Cuando vino por primera vez a la Argentina, en 1996, para coreografiar El beso de la mujer araña, se enamoró del país y de su gente. Volvió cinco veces. "Descubrí gente apasionante y tengo grandes amigos como Valeria y Sandra Guida. También tengo otros amigos argentinos que ahora viven en Nueva York. Casualmente anoche, estuve con Gustavo Wons, que trabaja en El violinista en el tejado".
Ashford trabajó en musicales como Anything Goes, Crazy for You, Kiss Me, Kate, Seussical y fue el coreógrafo de Thoroughly Modern Millie y The Boys from Syracuse. "Me gusta que el baile sirva para contar una historia, no solamente para crear el ambiente adecuado. Es decir, si sacás el baile, la historia no tiene sentido. Muchas veces, los coreógrafos sólo crean una atmósfera en lugar de contar historias", afirma.
Tiene muchas ganas de quedarse en la Argentina para dirigir o hacer coreografías. "Lo estoy hablando con Valeria. Deberíamos hacer Víctor-Victoria". Como su compañera Chita, también arremete contra los productores: "Muy pocas obras de Broadway son piezas de arte. Todos tienen en mente la parte comercial. Esto no es bueno. Hay musicales más experimentales en el circuito off que son muy buenos. Estoy trabajando en Smarty, una historia simple y dulce que no requiere nada grandioso y no necesita de estrellas. El dinero está matando al arte", explica.

Algunos de sus trabajos
Can-Can (1953), dirigida por M. Kidd, como reemplazo en el coro.
Mr. Wonderful (1955), coprotagonista, con Sammy Davis Jr.
Amor sin barreras (1957), como Anita, dirigida por J. Robbins.
Bye, Bye, Birdie (1960), protagonista, con Dick Van Dyke.
Sweet Charity (1967), protagonista en gira, dirigida por B. Fosse.
Chicago (1975), como Velma Kelly, dirigida por Bob Fosse.
El beso de la mujer araña (1995), dirigida por Harold Prince.
Nine (2003), con Antonio Banderas, como Liliane LaFleur.

Directo a las emociones

2011-03-05T11:31:00.014-11:00

LA POESÍA PUEDE ESTAR EN EL AGUA

O: EL CIRQUE DU SOLEIL EN LAS VEGAS

Pablo Gorlero

Enviado especial

LAS VEGAS.- Eso de que el teatro es irrepetible, que ninguna función es igual a la otra, que no es sempiterno como el cine es real. Sin embargo, algunos espectáculos son tan potentes, tan efectivos, que difícilmente se borren de la memoria de sus espectadores. Quedan sellados para siempre, aunque sea en instantes, en imágenes, en sensaciones. Es lo que, sin dudas, puede provocar O , uno de los más bellos espectáculos del Cirque du Soleil.
Esta ciudad que se asemeja a un gran parque temático con mucho tránsito tiene en el Bellagio uno de sus más imponentes y lujosos hoteles. No es temático como muchos de ellos. Su concepto podría decirse que es el lujo extremo. En su interior, uno de los siete espectáculos que el Cirque du Soleil tiene en Las Vegas: O . Fue el primero de la compañía quebequense en Las Vegas y el décimo de su producción (se estrenó en 1998). Se dice que el hotel invirtió 100 millones de dólares en la construcción del teatro de 1800 butacas que alberga a O (sonido fonético de la palabra "agua", en francés), con un escenario de muchos metros de profundidad, que al abrirse deja al descubierto una enorme piscina de casi seis millones de litros de agua.
O es una ilusión constante. Desde el segundo en que comienza, la parafernalia creada por Guy Laliberté pone un halo de fascinación, sobre el público, del cual es difícil salir. Imposible sostener el foco de atención en una sola cosa. Permanentemente ocurren situaciones, en todo el arco de visión del espectador. Gente que "vuela", unos que simplemente se deslizan por el aire, otros que parecen flotar, algunos que caminan, corren o bailan, y muchos que se sumergen, bucean, desaparecen y emergen para, sencillamente, caminar sobre el agua.

Extraña, hipnótica, esta propuesta tan brutalmente teatral conduce hacia un mundo onírico en el que cada uno de sus componentes destella poesía. En esa dimensión surrealista se mueven acróbatas, músicos, nadadores, clavadistas, cantantes y actores. El montaje trabaja en forma permanente varios planos, siempre con un foco de atención central. Sólo que lo periférico puede ser casi tan o más fascinante que cada acto protagónico. Porque si ese galeón casi fantasma que se mece por el aire y sobre el cual corren, saltan y se deslizan una docena de acróbatas es sorprendente, no lo son menos esas náyades que trazan figuras en el agua, crean texturas y sacuden el alma. En O , un piano puede aparecer desde la profundidad para volver a desaparecer en ella, o un grupo de sombras que deambulan en un ritual mortuorio, con una cortina de música étnica, pueden crear esa sensación de correr sobre el agua, o un lector de la realidad puede quemarse durante un largo rato para seguir leyendo y caminando cubierto de fuego. Y qué decir de los payasos de O que sin palabras, con gags tan dulces como efectistas, logran decir que con afecto se puede abatir hasta la peor tormenta.
Si algún día tiene la suerte de pasar por Las Vegas, prohíbase no entrar a ver este espectáculo. Y si no tiene esa suerte, siempre está esa ventanita amable que puede ser YouTube.

Raúl Domingo Gorlero

2011-02-17T03:33:00.015-11:00

Mi viejo nació hace 89 años, un 17 de julio, en un Buenos Aires joven, reluciente y pretencioso. Era del Centro. Primero en la calle San José, luego a Talcahuano y Corrientes. Sus zapatos guillermina corrieron detrás de pelotas de trapo por los empedrados que circundaban a las plazas Lavalle y de los Dos Congresos. Era hijo de Maruja, una inmigrante gallega, muy gallega, de una pequeña aldea llamada Fene. De esas gallegas luchadoras que, con esfuerzo, logró regentear un pequeño hotelito. Raúl, su padre, pertenecía a la aristocracia porteña, hijo de inmigrantes genoveses. Primero un transgresor enamorado que se atrevió a casarse con la gallega pobre; luego, un cobarde que huyó bajo las faldas de los dictámenes familiares. Pero mi abuela se las arregló y lo crió sola. Como buena gallega fuerte.
Así creció mi viejo, primero de pupilo en un colegio hasta que su madre pudo abrazar un pasar económico estable; luego, como un buen estudiante del Otto Krause, amante de la química industrial, actividad en la que se desarrolló luego. Mamó de chico la sencillez y no pensaba demasiado lo que iba a decir. A veces la embarraba, otras veces esos decires tenían una dulzura inocente, instintiva. Asi, en 1952, conquistó a Fina, una tucumana hermosísima, algunos cuantos años menor que él. Aunque en su primera cita se presentara con un traje a rayas, un sombrero y unos zapatos que no combinaban. Y lógico, la flor en el ojal. A ella le gustó su simpatía, su sonrisa... e imaginó esa presencia de galán de barrio en un traje más "ubicado".
Era un caballero. La cercanía con los teatros, los cines y todos esos sitios que hacían de Buenos Aires una París moderna lo impulsaban a llegar siempre a su casa con dos entradas en la mano. Podía aparecerse con flores o una caja de marrón glacé. Luego, de riguroso traje, llevaba a Fina a tomar un copetín a la Jockey, a la Richmond o al Chantecler. Esos copetines de antes, con unos veinte platitos que podían contener desde caracoles hasta papas fritas. Luego, al cine o al teatro. Y, finalmente, a cenar… y si era posible, con orquesta típica.
Una vida linda. Se casaron y tuvieron una hija, María Elena, mimada por sus padres y su abuela. Se agregaba un integrante a la familia, pero los rituales seguían siendo los mismos. Para quienes lo conocieron, Raúl era el tipo más generoso del mundo. Tanto que a veces se gastaba buena parte de su sueldo en regalos y, parte del mes, había que restringirse al máximo.
Aunque quisieron tener unos cuantos hijos más, no pudieron. Pasó el tiempo, unos 13 años del nacimiento de María Elena, y llegué yo. Así por milagro. El año en que Raúl tuvo la pena más grande de su vida: la pérdida de su amada madre.
Allí su pelo se volvió blanco. Así lo conocí siempre.
Viajaba mucho. Por eso aprendí las ventajas y las desventajas del “extrañar”. Cada regreso era de una felicidad indescriptible. Quería estar todo el tiempo con él. En cada regreso, un libro. Por eso, a fuerza de voluntad, me hizo aprender a leer y a escribir a los 5 años. Recuerdo que estaba con él y mi madre, en la mesa de la nuestra cocina, cuando escribí mi primera palabra: “Celusal”. Claro, fue por copiar la marca de la sal de mesa, pero a partir de ahí, él mismo me ayudó a comprender el abecedario.
Cada vez que regresaba del trabajo me traía una golosina y, casi siempre, era un chocolatín Jack. A él le encantaban las sorpresas. Entonces, cada tanto, me desconcertaba y traía algo distinto.
Tengo un día imborrable. A los cuatro años, yo estaba en nuestra cocina con Fina y él llegó del trabajo, con esa sonrisa enorme y esos dientes “conejito” que lo hacían adorable. Me entregó un paquete en papel madera, mucho más grande que mis manitos. Lo toqué con cuidado y su forma era irregular. No lo rompí enseguida (una de las virtudes que adquirí de mi viejo fue desconocer la ansiedad). “¿Qué es?”, le pregunté con mi vocecita de pito. “Rompelo”, me dijo. Ahí fue cuando clavé mis dedos en el paquete de papel madera y, de él, cayeron decenas de muñequitos de cada uno de los personajes de Walt Disney. Se tomó el trabajo de comprarlos a todos. Desde Mickey, Minnie y Donald, hasta el Capitán Garfio, Bambi y Tambor (mi favorito). Eran decenas. Jugué con ellos por siempre. Conservo aún algunos. Fue el regalo más lindo que me hicieron en mi vida.
A veces jugábamos a los bolos en el largo pasillo de casa; o me llevaba a andar en patines o en bicicleta a Palermo (en la “nueva” línea D de subte). Pero no era muy de sentarse al piso a jugar conmigo. Él se preocupaba por que tuviera todo lo que me hiciera feliz y me sirva para desarrollar mi imaginación y mi educación. Si veía que se me terminaban los crayones o los lápices de colores, ahí iba por más. Asimismo era el proveedor constante de hojas en blanco para que pueda escribir o hacer mis cientos de dibujos diarios.

Afiligido por mi amor a los animales y la imposibilidad de tener un perro o gato porque mi vieja no quería, me trajo a Nicky, mi primera mascota: un conejo. Ese mismo año, en el jardín, tenía que actuar de conejo. Yo quería ser un conejo verde y mis padres me dieron con el gusto. Fui un conejo verde. Lógicamente, mis compañeritos (todos impecables conejos blancos) se rieron de mí. Incluso algunas de sus madres. Mi viejo me dijo: "No te preocupes. Eras el conejo más lindo. Todos los demás, eran iguales".
Fue el gran “acompañador”. Siempre de la mano, al colegio, al club, a natación, a guitarra, a la plaza, al teatro… ¡al Luna Park! Sobre sus hombros, en el gallinero del Luna, vi la pelea entre La Momia y Karadagián, en 1972. Él hizo que mi amor por el teatro crezca más y más. “La jirafita azul”, en el San Martín… los títeres de Mané Bernardo y Sarah Bianchi…
Te llevaba caminando a todos lados. Le encantaba caminar cuadras y cuadras. A mí me encantaba hacer trámites con él por todos lados. Salíamos de hacer uno y yo le preguntaba: “¿Y ahora a dónde vamos?”. Y seguíamos nuestro rumbo. Me sentía importante haciendo trámites. Y más importante cuando me llevaba al trabajo (ese bello palacio de Obras Sanitarias, de la avenida Córdoba) y me convertía en la atracción, en “el hijo de Gorlero”.

Había algo de él que me avergonzaba. Cuando iba por la calle, cantaba. Pero cantaba en voz alta. Casi siempre, tangos, o alguna otra canción de su época. Sino, en casa, inventaba canciones. Uno decía una palabra y, de esa palabra, inventaba una canción y robaba alguna melodía. Le encantaba cantar. Cuando cocinaba cantaba, cuando preparaba esos desayunos que nos traía a la cama y cuando iba a hacer las compras. De chico me daba un poco de vergüenza pero, de inmediato, me engañaba y me sumaba a la causa. De pronto, nos encontrábamos los dos cantando alguna canción de María Elena Walsh. Hoy en día me parece tan lindo haber tenido un papá que cantaba por la calle en voz alta sin importarle qué decían los demás.
Odiaba su gusto por las películas de vaqueros, de romanos y musicales. Pero las veía todas, para hacerle compañía. También compartíamos juntos cada programa de Titanes en el ring o cada capítulo de Bonanza, Cumbres borrascosas y de El increíble Hulk, ahí desparramados en su cama. A veces, incluso, la hacíamos partícipe a mamá. Nos peleábamos por política. Él era militante peronista, yo era un sucio gorila que defendía a Lanusse, sólo para llevarle la contra.
Para mi viejo nada tenía sentido si no había justicia. Por eso recuerdo sus enojos y sus broncas cuando algunos de sus compañeros del sindicato se enriquecían con impunidad y él se obstinaba en seguir sus principios de igualdad. Ese desapego por el dinero muchas veces me enojó, pero otras me enorgulleció. Como cuando rechazó la herencia de su padre (que prácticamente había desaparecido de su vida) porque no quería tener ni un centavo de él. “Cuando lo necesitamos con mi madre, él desapareció”, decía.
Pocas veces lo vi llorar. Una de ellas fue cuando murió Perón y otras dos fueron cuando mi vieja y yo estuvimos enfermos.
Otro recuerdo imborrable: él y mi mamá muy bien vestidos y felices para acompañarme a mi primer día de clases, en primer grado. Allí estaba yo, también contagiado por el entusiasmo, con mi uniforme del colegio La Salle. Mi papá tenía en sus manos, su regalo: el maletín Primicia, con los mejores útiles escolares adentro. Y, lógicamente, un chocolatín Jack. Lo abrí y gran sorpresa: era Don Quijote. Pero no era una alegría literaria sino absolutamente frívola. Eso indicaba que la colección de Titanes en el Ring comenzaba a salir en el Jack. Mi viejo feliz también. Recuerdo muy bien esa foto: entrando al La Salle, por la calle Tucumán, y ellos saludándome en la puerta con un beso.

Le encantaban las celebraciones populares. De muy chico, me llevaba a las quemas de San Pedro y San Pablo, y a los corsos porteños. Las quemas a mi vieja le encantaban (luego dejaron de hacerse porque las consideraban peligrosas); pero odiaba el corso. “Cosa de negros”, decía. “Seremos negros entonces”, replicaba mi viejo. Y ahí emprendíamos nuestra divertida aventura de espuma y tamboriles nosotros solos, hasta llegar cansados y muertos de risa a casa para disfrutar de la comida que preparaba Fina.

No era el viejo amigo. No indagaba en tu vida. Pero acompañaba permanentemente. Ferviente amigo de mi perro y cuidador suyo cuando yo no estaba, era capaz de caminar cuadras y cuadras con él. Así como, en su vejez, estuvo siempre dispuesto a ayudar en trámites o cuestiones varias.
Mi viejo era un señor pelado, de cabello canoso, pintón, con un bigote que le daba una personalidad que imponía respeto… hasta que sonreía. Ahí era la imagen viva del tipo más bueno del mundo. Era el que abría la puerta de su casa a todos y que convertía en sobrinos a visitantes frecuentes o en hijos a los sobrinos que se quedaban en casa. La ley en casa era “igualdad”. Su ley era: si hay un pan, se puede partir en varios pedazos. Si tenemos un techo, puede guarecer a otros.
Él no conocía la maldad. No la entendía. Si alguien le hablaba mal de alguna persona, se quedaba callado, con cara de no comprender.

Raúl daba besos pero más le encantaba recibirlos. De viejo, ponía la cabeza o la cara y cerraba los ojos. Lo que le gustaba mucho a Raúl era tomarte la mano. Hasta lo hacía cuando ya éramos grandes. Ahora entiendo por qué. Esa sensación de protección permanece. Es imposible borrarte su mano de tu mano. Desde lo físico es el sello que nos dejó.
Desde lo interno… nosotros. Somos lo que hicieron Fina y Raúl. Por eso, aunque su risa enorme, sus ojitos tiernos y llenos de años y su andar rápido no estén ya al alcance de nuestra vista, habita nuestro cuerpo, nuestra alma.
No voy a ser melodramático, sólo quiero recordar algo maravilloso que vi en una obra de teatro (¡cómo enseñan los dramaturgos!). Era una infantil de Maeterlink, El pájaro azul, una obra que dirigía mi amiga Ana y en la que actuaban mis amigas Floria y Mónica. Allí, Floria y otro actor interpretaban a los abuelos de los chicos protagonistas. Los chicos andaban por un mundo de ensueño buscando al pájaro azul de la felicidad. Llegaban a un bosque, divisaban una cabaña y de ella salían sus abuelos. Los chicos saltaban de felicidad aunque uno de ellos les preguntó: “¿Pero ustedes no estaban…?”. La abuela no le dejó continuar la pregunta. Jugaron, cantaron, bailaron y se divirtieron hasta no dar más. Luego, la abuela les dijo que se tenían que ir, que ellos no eran de ahí…. Pero que podían visitarlos cuando quisieran para pasar un buen rato, y para eso sólo era necesario recordarlos con el corazón.

VIVA ELVIS

2010-12-11T11:56:00.016-11:00

(Ampliación de la nota publicada el 11 de diciembre de 2010, en La Nación.)

Rockabilly circense en el desierto

Por Pablo Gorlero

LAS VEGAS.– El camino desde el aeropuerto hasta el hotel Luxor es como estar viviendo una película norteamericana de los años 80. Desierto, cactus, aridez y fondo de montañas sin un mísero yuyo. Pero el trayecto es por una autopista de Primer Mundo. De pronto, de la nada, van apareciendo edificios enormes y sale a la vista el hotel asignado para este cronista: una
enorme pirámide egipcia, presidida por una esfinge, como salida de la escenografía de la película Los diez mandamientos. Ese es casi el punto de partida del paseo que se conoce como The Strip, a lo largo del Las Vegas Boulevard. Es que la ciudad de la diversión, del juego y el sexo es como una enorme escenografía en medio del desierto. Cada resort, temático, ofrece un mundo distinto, las luces no se apagan nunca y el visitante tiene la sensación de no saber en qué horario está.
Allí cerca (aunque cada resort tiene el tamaño de varias manzanas), en medio de la trenza de grandes complejos, está el Aria, un moderno edificio que, como todos, alberga un hotel, un casino y diversiones varias. Entre esa oferta de entretenimiento está el teatro donde, cada noche se representa Viva Elvis, una de las últimas propuestas del Cirque du Soleil.
Es que, afuera, en las calles la figura de Elvis Presley se repite en cientos de oportunidades. Ya sea en carteles, ropa o, inclusive, en esos artistas callejeros que se caracterizan con patillas, jopo y chaquetas blancas abiertas y repletas de tachas. Elvis es, sin dudas, un ícono que los estadounidenses adoran y desean ver en forma permanente.
Acrobacia y neón
La megacompañía quebequense tiene siete espectáculos fijos en Las Vegas: O, Mystère, Zumanity, Criss Angel Believe, Love, Kà y Viva Elvis. Cada uno de ellos se representa en un resort distinto, entre el lujo, lo kitch, lo irreal y la “timba” siempre presente. Hay también un aire de rodeo casi constante, con señores que lucen sus sombreros de vaqueros y botas texanas acompañados por miles de Dolly Parton. Claro, todos ellos mezclados con todo tipo de turistas locales y extranjeros, entre los que siempre prevalecen los japoneses y los mexicanos.
El teatro del Aria tiene 1.800 butacas que son el equivalente a 1.800 cómodos sillones. Cada asiento es amplio, mullido y con el suficiente espacio como para que el espectador cambie de posición cuando se le antoje. Asimismo se puede entrar con comida o con cualquier bebida.
En esta nueva propuesta no hay personajes fantásticos y lo trascendental tiene un “aquí y ahora” más palpable. Esa es la mayor diferencia con los demás espectáculos del Cirque du Soleil. Es decir, es mucho más teatral y su formato está más cerca de una antología musical, con unos pocos números circenses como condimento.
La danza es lo que manda, auque la sorpresa circunde la propuesta en todo momento. Pero como se trata de un espectáculo evocativo, tanto la acrobacia como la actuación y las coreografías están absolutamente subordinadas a una dirección musical preciosista que es fruto del trabajo del arreglador Erich Van Tourneau (ver nota aparte).

Claro que, a tono con las producciones del Cirque du Soleil, todo es grandilocuente, aunque funcional a las artes circenses y a los artilugios escénicos. Así puede verse un enorme zapato de gamuza azul que los bailarines usarán como tobogán; una cárcel donde los presos pueden correr o caminar cabeza abajo en un desafío a la gravedad; o unos Elvis gigantescos que crean una perspectiva sinfín sobre el escenario.
Este musical posee toda la iconografía Elvis y repasa todos aquellos elementos que se identifican con los años 50. Es una remembranza que utiliza los datos históricos de Presley para crear subtemas y, sobre ellos, climas y conceptos. Es decir, se repasarán los años de surgimiento del artista; el boom discográfico; su paso por Hollywood; sus propios fanatismos (el gospel, las historietas); su destino como soldado en la guerra; sus fans; y la llegada del amor. A su vez, todo eso está apoyado por imágenes documentales proyectadas en muchos momentos.

Claro que el condimento poético del Cirque du Soleil está puesto en varios tramos de la puesta en escena, como en el tercer cuadro: “One Night With You”. Una pianista flota en el aire con su piano de cola, mientras ella misma interpreta la canción, a dúo con la imagen real proyectada de Elvis. Pero esa belleza poética sirve de marco a una gigantesca guitarra de metal que simboliza la magnitud del amor del astro por la música y que pende para darle lugar a suaves movimientos acrobáticos interpretados por un artista que representa a Elvis y otro que encarna a su hermano mellizo Jesse Garon, que murió al nacer.
Otro momento fuerte del espectáculo es “Return to Sender”, que representa el campo de reclutas, donde toda la compañía masculina yuxtapone movimientos de hiphop con acrobacia en barras paralelas y demás proezas de gimnasia deportiva. Entretanto, se utilizó “Got a Lot of Livin’ To Do” para simbolizar la fascinación que Elvis tenía por las historietas de superhéroes de los años 50. Un grupo de virtuosos acróbatas, ataviados con capas, calzas y máscaras desarrollan proezas casi increíbles con trampolines. Los saltos y rebotes sincronizados los hacen ver como caminando por las paredes gracias a las técnica callejera de parkour.
El director Vincent Paterson logró que los cuadros acrobáticos y de destrezas varias estén perfectamente sincronizados con las coreografías y la música. Y entretanto, uno puede comprobar cómo tanto el ícono como la estética Soleil logran una perfecta comunión. Cabecitas rubias que se apoyan en los hombros de sus vaqueros urbanos en “Love Me/Don’t” o “Love Me Tender” y toda una sala que se sacude al ritmo de “Hound Dog”, en una fiesta compartida, elegida y de la que todos salen con la energía necesaria como para continuar divirtiéndose y gastando en esa ciudad de escenografía y feroz neón.

La voz de Elvis, pero en vivo

LAS VEGAS.- A diferencia de muchos otros espectáculos del Cirque du Soleil, Viva Elvis está absolutamente subordinado a la música. Y son esa banda sonora, esa banda en vivo y esos arreglos los verdaderos protagonistas de la propuesta.
Para comunicar el lanzamiento del disco Viva Elvis, Sony Music invitó a este cronista a ver el show y entrevistar a una de sus estrellas creativas: el músico y arreglador Erich Van Tourneau.
La virtud y lo destacable de este musical es que la voz original de Elvis Presley está presente en diferentes versiones, pero con una banda en vivo, arreglos modernos y fusiones en cada uno de los cuadros y el acompañamiento de otras voces en escena que la nutren.
"Es verdad que el espectáculo está subordinado a la música. Es algo que no ocurre con otras propuestas del Cirque du Soleil. Creo que es la forma de hacer justicia con el trabajo de Elvis porque él es la cabeza de compañía. Es un tributo a él y para los miembros de la banda, un integrante más", conceptualiza Van Tourneau, un simpático "quebeçois".
-¿Mucho tiempo de trabajo?
-Sí. Fue revisar 35 años de repertorio. Ese trabajo duró dos años y medio, intensos. Lo único que quería hacer por ese entonces era escuchar todo lo que Elvis creó. Fueron muchas horas para conocerlo y respetarlo, para distinguir las distintas reencarnaciones y reinvenciones. En el 54, era puro rockabilly; distinto al del 64. Tuve que escuchar 3000 horas de música para conocerlo. Pero tardé tres meses en hacer el disco. Esto fue como trabajar con el Santo Grial del rock. Fue mucha presión y muy demandante, pero estoy orgulloso del trabajo logrado.
-Hay diferencias entre el disco y el espectáculo en vivo.
-Es la banda de sonido con algunas variaciones. Para el espectáculo modernicé cerca de 35 canciones, pero en el disco hay 12 cortes que hacen un total de 45 minutos. Volvimos más contemporáneo el repertorio de Elvis.
-La mezcla es notoria. Conservás la guitarra original de Scotty Moore, pero la sumás a la banda actual...
-Sí, eso es interesante. Todo lo que hice depende de cada canción. Algunas fueron llevadas a un rock más pesado o a un hip-hop. Respetar la guitarra original me sirvió para unificar y juntar los sonidos de antes con los modernos.
-¿Pensás que este CD puede servir para acercar la música de Elvis a las nuevas generaciones?
- Absolutamente. Era la mayor meta. Tengo 37 años, pero sé que hay gente joven que no conoce a Elvis. Sólo reconocen el ícono, su figura con su traje blanco. Pero ése no es el que cambió la historia de la música. El que lo hizo fue aquel de 1954 a 1968. Era el de la gran energía y del groove sensual, pero, a su vez, tierno.
-¿Después del espectáculo te vas a divertir a alguno de los casinos?
-Prefiero irme a tomar unos martinis con la banda. No soy un gran jugador. Por eso soy mucho más rico que antes en estos últimos seis meses en Las Vegas.

50 años del Teatro San Martín

2010-12-11T10:49:00.009-11:00

Fachada del Teatro San Martín; Ernesto Bianco, en Cyrano de Bergérac; Lautaro Murúa y Duilio Marzio, en Beckett
Imágenes del libro Teatro San Martín 50 años. 1960-2010; y de mi archivo personal

(Ampliación de la nota publicada en el suplemento ADN, de La Nación, el 26 de noviembre de 2010.)

Entre risas y lágrimas

El San Martín cumple 50 años y estrena nueva conducción, pero sufre por el ahogo financiero y por la decadencia de sus instalaciones

Por Pablo Gorlero

Cuarenta años atrás, quien esto escribe tenía que elegir cada semana entre tres posibles propuestas de salida cultural que le hacían sus padres: ir al cine, al teatro o al San Martín. Es decir, ir a ver los dibujitos en continuado; a las distintas salas que ofrecían obras infantiles; o todo en uno, directamente al San Martín. Esta última opción, claro, era una salida más sofisticada, menos previsible, para ver las obras de Roberto Aulés, de Liliana Paz o clásicos infantiles cinematográficos como Crin blanca o El globo rojo, en la sala Lugones. Para los porteños más porteños, el San Martín es el icono cultural por excelencia. Es ese gigante con corazón de escenario que se rodea de librerías y cuevas discográficas. Es el sitio donde comenzó la pasión de muchos teatreros y, a su vez, el lugar donde todo actor quisiera estar.
El San Martín es un dandy que este año cumplió 50. Tuvo una vida magnífica, dejó un legado espléndido y, hoy en día, algo maltrecho, hace sus esfuerzos por mantener esa apariencia señorial. Aunque siempre tuvo una dolencia persistente: la política.
Comenzó a construirse en 1953, allí donde había un enorme garage, en un predio de 30.000 metros cuadrados ubicado en la avenida Corrientes, entre Paraná y Montevideo. La obra estuvo detenida más de tres años por cuestiones presupuestarias, pero pudo inaugurarse el 25 de mayo de 1960.
Se dice que, por aquel entonces, no había teatro en el mundo con la sofisticación de ese gran complejo. Su sala mayor, la Martín Coronado (nombre de uno de los pioneros de la dramaturgia argentina), era la más completa del mundo. El gran mérito de los arquitectos Mario Roberto Alvarez y Macedonio Oscar Ruiz fue el trabajo escenotécnico logrado. Se lanzaron al desafío de montar dos salas superpuestas con mecanismos escénicos impensados en los años 50, y una técnica de construcción de vanguardia. El espacio a aprovechar debía ser vertical, por lo tanto se aprovechó el trazado del subte aunque, a su vez, había que neutralizar cualquier ruido o vibración del exterior. No sólo lo lograron, sino que el tratado acústico que tienen las salas Casacuberta y Martín Coronado es excelente. Tal vez los espectadores no sean conscientes de eso, pero el San Martín es un gran pozo. La sala Cunill Cabanellas, la más pequeña (construida en 1979) está situada en el tercer subsuelo, donde en un principio, había una confitería.
El San Martín se inauguró con el espectáculo Más de un siglo de teatro argentino, dirigido por Osvaldo Bonet, y del que participaban todos los grandes actores de la época representando fragmentos de la escena nacional. “Yo ni loco trabajo con un pozo”, dijo el director cuando advirtió la enorme sección central levadiza. De todos modos, el escenógrafo Luis Diego Pedreira se las ingenió para hacer usufructo de cada una de las posibilidades que ofrecía esa sala para 1049 espectadores. Era un desafío para no despreciar. Todo el artilugio con el que, hasta ese entonces, ningún escenógrafo pudo contar. Su escenario a la italiana está provisto de una extensa boca de medidas variables (entre 11 y 16 metros de ancho por 7 de altura), con esa impresionante sección central que puede desplazarse verticalmente, en forma total o parcial, mediante nueve ascensores que actúan simultánea o separadamente; un par de discos giratorios de 9 a 10 metros de diámetro respectivamente; y un foso levadizo para la orquesta. La segunda sala, lleva el nombre de Juan José de los Santos Casacubierta, para muchos el primer actor de la escena argentina. Tiene capacidad para 566 personas y su conformación es semicircular, con un declive isóptico ideal. También tuvo su innovación escénica en el tablado levadizo que antecede a la sala y que puede ser escenario, piso de platea o foso de orquesta. El enorme escenario tiene 20 metros de ancho por 5 de altura y 6 de profundidad.
Por su parte, la sala Leopoldo Lugones, dedicada al cine, se inauguró el 4 de octubre de 1967, con la proyección de La pasión de Juana de Arco, de Carl T. Dreyer. Tiene capacidad para 233 espectadores y, desde siempre, fue y es uno de los templos del cine arte, en cuya pantalla, el crítico Luciano Monteagudo programa películas de grandes maestros como Chaplin, Griffith, Keaton, Visconti, Murnau, Kurosawa, Bergman, Truffaut, Godard, Herzog y Fassbinder, entre muchísimos otros.
Pero el San Martín no sólo destella arte y cultura en sus salas. Sus pasillos, su hall central, sus oficinas, sus archivos, sus talleres son núcleos creativos visibles que se constituyen en la usina artística que, además, genera (o generaba) mucho trabajo. De sus talleres de vestuario, zapatería y utilería surgían generaciones de artesanos.
Los gigantes imponentes del San Martín son también sus murales. El foyer de la Martín Coronado tiene un altorrelieve de cemento coloreado de 7 metros de ancho y 2,80 de altura, titulado Alegoría al teatro, del escultor José Fioravanti, mientras que en las paredes laterales de la sala se pueden ver las esculturas El drama y La comedia, realizadas por Pablo Curatella Manes. Entretanto, en el hall de la Casacuberta, un gran mural de Luis Seoane envuelve 32 metros de ancho y 11 de altura. Es El nacimiento del teatro argentino, una obra imposible de dejar de contemplar.
Al atravesar las puertas vaivén de acceso, el mundo del San Martín saluda a los espectadores a través de su hall, algo así como el salón de fiestas. Allí es donde cientos de artistas han trabajado en forma gratuita para darle sonido y movimiento a ese enorme ámbito custodiado por atractivas fotogalerías.
Carmelo Tornello fue el primer director general y la primera visita del exterior fue The Theatre Guild American Repertory Company, de Estados Unidos. Al año siguiente se presentó Vivien Leigh con The Old Vic Company, de Gran Bretaña, para hacer La dama de las camelias y Noche de reyes; y más adelante, John Gielgud e Irene Worth, The Brenda Bruce Company, la Comédie-Français y Marcel Marceau
La Comedia Nacional, en la que trabajaban Eva Dongé, Gianni Lunadei, Alejandro Anderson y Rafael Rinaldi, entre otros, pisó varias veces los escenarios del San Martín debido al incendio del Teatro Nacional Cervantes, ocurrido en junio de 1960. Armando Discépolo montó su propia obra Relojero en la Martín Coronado.
En 1962, Cirilo Grassi Díaz sucedió a Tornello, hasta 1967; y entre otros, los siguieron, Máximo Mayor, César Magrini, Juan Carlos Muiño, Fernando Lanús, Osvaldo Bonet, Iris Marga y Emilio Villalba Welsh.
Una de las obras de mayor calidad artística fue la Yerma protagonizada por María Casares y dirigida por Margarita Xirgu. En su elenco estaban Alfredo Alcón, José María Vilches, Eva Franco y Thelma Biral. También cabe señalar Becket, de Anouilh, con Lautaro Murúa, Duilio Marzio, Norma Aleandro y Alicia Berdaxagar, dirigidos por Mario Rolla; Los físicos, con Pedro López Lagar, Osvaldo Terranova y Enrique Fava, dirigida por Luis Mottura; Romeo y Julieta, con Luis Medina Castro, Lía Gravel y Marta Gam, dirigida por Alberto Rodríguez Muñoz; Reunión de familia, con Milagros de la Vega; La Celestina, con Iris Marga; Luces de bohemia, con Fernando Labat, Miguel Ligero y María Luisa Robledo; La real cacería del sol, con Lautaro Murúa; Coriolano, con el memorable trabajo de Carlos Muñoz; Adriano VII, dirigida por Carlos Gandolfo, con Pepe Soriano, Flora Steinberg, Zelmar Gueñol y Luis Polito, entre otros; y La pucha, de Oscar Viale, con Norma Bacaicoa, Luis Brandoni, Julio De Grazia, Jorge Rivera López, Walter Santa Ana y Marcos Zucker, entre muchas otras propuestas de excelencia.

Las troyanas, con María Rosa Gallo al frente del elenco; y El inglés, con Pepe Soriano y el Cuarteto Zupay

La pucha, de Oscar Viale

El reinado de Kive Staiff
En noviembre de 1971, durante el gobierno de facto de Alejandro Agustín Lanusse, Kive Staiff asumió por primera vez la dirección general del teatro, para retomar ese puesto en 1976, cargo que conservó durante todo el período de la dictadura militar y la presidencia de Raúl Alfonsín, inclusive. Luego de pasar por la Cancillería y la dirección del Teatro Colón, en 2000 regresó a ese cargo.
Durante esa primera dirección de Staiff, merecen destacarse los montajes de Un enemigo del pueblo, de Ibsen, con Ernesto Bianco, Héctor Alterio y Alicia Berdaxagar; Las troyanas, con María Rosa Gallo, dirigida por Osvaldo Bonet; Ivonne, princesa de Borgoña, de Gombrowicz, con Juana Hidalgo, Elsa Berenguer y Miguel Ligero, dirigidos por Jorge Lavelli; Nada que ver, de Griselda Gambaro, con Walter Vidarte y Carlos Moreno; Macbeth, con Lautaro Murúa, Inda Ledesma, Luis Politti y Jorge Mayor; Trescientos millones, con Alejandra Boero, dirigida por José María Paolantonio; He visto a Dios, con un memorable trabajo de Osvaldo Terranova; y El inglés, un histórico trabajo de Juan Carlos Gené, con Pepe Soriano y el Cuarteto Zupay.
En el documental que se acaba de lanzar en conmemoración de los 50 años del San Martín, muchos artistas confiesan que ese ámbito fue casi un refugio para muchos actores perseguidos o señalados por la dictadura. Allí, en 1976, se estrenó Nada que ver, una contestataria pieza de Griselda Gambaro que dirigió Jorge Petraglia. “Desarrollamos un enorme trabajo teatral e ideológico”, dijo Kive. Luego, en 1980, hicieron subir a escena un Hamlet con otro enfoque más libertario, en contra de la dictadura de su tío. Los mensajes eran sutiles pero intensos para la época. Allí estaban María Rosa Gallo, Alejandra Boero, Jorge Petraglia, José María Gutiérrez, Ernesto Bianco y Alicia Berdaxagar. Una entrelínea entre tanta oscuridad, tanta muerte oculta, era un hálito de vida para el artista.
“Tomé al personaje de Bernarda Alba como un símbolo de la dictadura. Sin cambiar una sola letra al texto, el espectador se daba cuenta de que estábamos hablando del autoritarismo y del terror que producen las dictaduras”, explicaba tiempo atrás Alejandra Boero sobre su versión de La casa de Bernarda Alba, estrenada en 1977, con un elenco integrado por María Rosa Gallo, María Luisa Robledo, Elena Tasisto, Juana Hidalgo, Estela Molly, Graciela Araujo, Alicia Bellán, Hilda Suárez, Lilián Riera, Alicia Berdaxagar y Rubi Monserrat.
“Yo no era pregobierno militar. Hubo claros intentos de desplazarme, pero tuve buenos defensores. Siempre digo que, afortunadamente, el brigadier Osvaldo Cacciatore, un intendente con un sentido un poco feudalista en su manejo de la ciudad, me consideraba parte de su gente. De modo que fue un buen paraguas, una buena protección”, dijo Kive Staiff a La Nación.
Una de las inolvidables puestas de ese período fue aquella que inauguró la segunda dirección de Staiff: Seis personajes en busca de un autor, de Luigi Pirandello, dirigida por Hugo Urquijo, con Gianni Lunadei, Enrique Fava, Luisina Brando, Lito Cruz, Adriana Aizenberg, Flora Steinberg y Nelly Prono.
Paradójicamente con lo que ocurría en el país, el ovillo cultural del San Martín tuvo su epicentro en los años 70. En su segunda mitad, Staiff creó los tres cuerpos centrales: el Ballet Contemporáneo, el Grupo de Titiriteros y el Elenco Estable. Mientras este último cuerpo fue eliminado en 1989, los otros continúan funcionando. El Ballet Contemporáneo, actualmente dirigido por Mauricio Wainrot, lleva ya 33 años ininterrumpidos de vida. Oscar Aráiz inició su elenco de danza, entre 1968 y 1971, pero la compañía estable continuó con la dirección de Ana María Stekleman, hasta 1982. También pasaron por la dirección Norma Binaghi, Lisu Brodsky, Alejandro Cervera, Oscar Araiz y en dos períodos, Stekelman y Wainrot.
En 1977, Staiff convocó al gran titiritero Ariel Bufano para montar David y Goliat, de Sim Schwarz. A partir de esa exitosa experiencia, ambos junto a Adelaida Mangani decidieron crear un elenco estable de titiriteros que contara con el apoyo económico y técnico necesario para desarrollar ese arte. Mangani dirige al grupo desde 1992, luego del fallecimiento de Ariel Bufano. El Grupo de Titiriteros del San Martín tiene ya en su haber puestas inolvidables como La bella y la bestia, El gran circo criollo, Mariana Pineda, La zapatera prodigiosa, Peer Gynt, El Pierrot negro, Gaspar de la noche, El pájaro azul y Teodoro en la Luna, entre muchísimos otros.

Adelaida Mangani y Mauricio Wainrot

Entretanto, el elenco estable del San Martín estuvo conformado por una treintena de primerísimos actores como Elena Tasisto, Walter Santa Ana, Osvaldo Terranova, Graciela Araujo, Juana Hidalgo, Pachi Armas, Fernando Labat, Jorge Mayor, Roberto Mosca, Roberto Carnaghi, Osvaldo Bonet, Ingrid Pelicori, Horacio Peña, Alfonso De Grazia, Jorge Petraglia, Horacio Roca, Roberto Castro, Aldo Braga, Mario Alarcón, Patricia Gilmour, Oscar Martínez, Alberto Segado, Hugo Soto y Leopoldo Verona, entre muchos otros.
En 1977, después de una larga ausencia, volvió a los escenarios Ernesto Bianco con Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand. Fue una excelente puesta dirigida por Osvaldo Bonet que, lamentablemente, duró muy poco tiempo ya que el gran actor murió el 2 de octubre, a los 55 años, a las pocas funciones.
Otras memorables puestas del elenco estable fueron Escenas de la calle, Esperando a Godot, Juan Gabriel Borkman, El organito, El inspector, El mago, El burgués gentilhombre, Santa Juana, Periferia, Don Gil de las calzas verdes, Todos eran mis hijos, Los pilares de la sociedad y la memorable versión de Hamlet (1980), que dirigió Omar Grasso, con Alfredo Alcón, Elena Tasisto, Roberto Carnaghi, Graciela Araujo, Alfredo Duarte y Roberto Mosca, entre muchos otros. Por su parte, la puesta de Galileo Galilei, de Brecht, dirigido por Jaime Kogan, se constituyó en el mayor éxito en la historia del San Martín. Un total de 150 mil espectadores fue a ver la memorable actuación de Walter Santa Ana, al frente de un elenco que integraban, entre otros, Graciela Araujo, Hugo Soto, Mónica Santibáñez y Horacio Peña.
Aunque la proyección internacional del elenco estable del San Martín se venía dando desde hacía unos años, en 1982, se realizó una gira por la Unión Soviética (otra paradoja política) con El reñidero, de Sercio de Cecco, y La casa de Bernarda Alba, de García Lorca. Un dato curioso: el elenco fue protagonista inesperado de los funerales de Leonid Brézhnev, ex presidente soviético, en Moscú.
Mauricio Kartún estrenó Pericones, en 1987, una de las mejores temporadas, con grandes montajes de Tres hermanas y Los caminos de Federico, con Alfredo Alcón.
Entre las visitas internacionales de los años 80 caben citarse a Pina Bausch, Darío Fo, Tadeusz Kantor, Kazuo Ohno, Rufus, Dimitri, Bibi Anderson, Vittorio Gassman, Hans Peter Minetti, Marcel Marceau, el musical Ain’t Misbehavin, el teatro Rustavelli de Georgia, el Odin Teatret de Dinamarca, la Cuadra de Sevilla, el Stara Teatr de Cracovia, el Teatro Máximo Gorki de Leningrado, el Teatro El Galpón y el Teatro Circular (de Montevideo) y el grupo Rajatablas.
Los años 90 continuaron la excelencia y cedieron espacio a grupos emergentes como La Organización Negra y nuevos realizadores como Ricardo Bartís, Rafael Spregelburd, Javier Daulte, Mauricio Kartún y Claudio Hochman. Cuatro inolvidables: Una visita inoportuna, de Copi, con una soberbia actuación de Jorge Mayor; el Peer Gynt de Alcón; y los montajes de Bartís: Hamlet y la guerra de los teatros y El pecado que no se puede nombrar.
Fue una década en la que pasaron también por su dirección artística Emilio Alfaro, Eduardo Rovner, Juan Carlos Gené y Ernesto Schoo. Asimismo, el grupo andaluz La Zaranda pisó muchas veces los escenarios del Teatro San Martín.
En 2000 el Gobierno de la Ciudad porteño creó el Complejo Teatral de Buenos Aires, una organización que fusionó artística y administrativamente las cinco salas teatrales de dependencia oficial. Es decir, el San Martín se integró al Presidente Alvear, al Teatro de la Ribera, al Regio y al Sarmiento.
Hoy, el CTBA no sólo brinda excelencia en sus propuestas culturales, sino que también edita libros, revistas, tiene un programa de televisión y otro de radio, entre tantos otros emprendimientos. Como una vivienda lacustre, está sostenida para que no la alcance la inundación. Sus hacedores tratan de sostener toda esa gran estructura de la mejor forma. A veces se puede, otras veces no. Sólo es cuestión de las autoridades conseguir que toda esta historia resumida en estas líneas pueda proseguir. Porque los porteños y el resto de los argentinos estarán siempre orgullosos de su Teatro San Martín

DIEZ AÑOS DE CAÍDA EN PICADA

Tal vez la crisis sea una oportunidad de crecimiento, pero tiene un peso muy fuerte en el presente del San Martín. El propio director saliente, Kive Staiff, admite que hubo achicamiento de personal y que el complejo teatral ha perdido en los últimos tiempos más de un centenar de miembros. Ni siquiera fue posible festejar el medio siglo de vida como es debido, ya que todo el presupuesto fue destinado a la reapertura del Teatro Colón. Los andamios siguen vistiendo su fachada, las filtraciones en las salas no cesan, el desmantelamiento de los talleres propios es insostenible y el dinero nunca llega. Entretanto, la congoja es notoria en el personal del edificio. "La escasez del presupuesto es nuestra marca en el orillo. Eso nos restringe en la actividad básica y nos impide incrementar la actividad -afirma Staiff-. Antes hacíamos giras por el exterior. Llegamos a la Unión Soviética y recibíamos propuestas interetantísimas de grandes figuras, como Tadeusz Kantor y Pina Bausch. Uno puede hacer milagros, pero hasta cierto punto. Llegado el momento, si no están los diez pesos en el bolsillo no se puede cambiar ni siquiera una lamparita". La caída presupuestaria fue creciendo desde principios de siglo. Se repiten los presupuestos, sin tomar en cuenta la inflación anual. Hoy el Ejecutivo porteño espera que la Legislatura apruebe dos proyectos que pueden ayudar, uno sobre la venta de inmuebles para afrontar la restauración del edificio y otro sobre la autarquía.Hay cambios estructurales: eso puede ser esperanzador. Pero las respuestas tardan y las soluciones no se concretan. En el fondo, lo que más duele es la indiferencia.

El perro del hortelano, dirigida por Daniel Suárez Marzal

Alberto Ligaluppi

2010-12-08T11:00:00.004-11:00

(Ampliación de la nota publicada en el suplemento ADN, del diario La Nación, el 26 de noviembre de 2010)

EN BUSCA DEL PÚBLICO JOVEN

Por Pablo Gorlero

Pampeano de origen, cordobés de adopción, Alberto Ligaluppi es uno de los nombres más respetados del federalismo teatral. Tal vez los porteños hayan comenzado a familiarizarse con su figura desde que, el año pasado, asumió la codirección del Festival Internacional de Teatro, junto con Rubén Szuchmacher.
Desde muy joven se desempeñó como director teatral, docente y artista plástico en San Luis. Después vivió muchos años en Nueva York, donde se consolidó como curador de arte y productor. En los años 80, se radicó en Córdoba. Allí se desempeñó como director de Cultura del Instituto Goethe y fue artífice del Festival Latinoamericano de Teatro. Todo ese bagaje de conocimientos sobre el engranaje de las industrias culturales lo llevaron a ser el principal candidato a suceder a Kive Staiff en la dirección artística del Complejo Teatral de Buenos Aires, cargo que le confirmaron a fines de agosto (la dirección general es de Carlos Elía).
De inmediato se puso a armar la programación para el año que viene. "Será mixta. Parte es idea de Kive y otra parte, mía. Pero te diría que ya tenemos la programación completa, que será anunciada a mediados de diciembre. En esa programación se verá claramente que somos dos. Pienso que la marca Kive quedará por muchos años. Incluso pasaré yo y quedará. Estuvo aquí muchos años para hacer que esta estructura funcionara. Hay que agradecerle que le haya dado una forma que, de algún modo, vamos a modificar. Fue muy emblemático en este teatro. Me parece muy interesante el afecto y el respeto que le tienen sus empleados", explica Ligaluppi.
-¿Cuál será la impronta Ligaluppi?
-El Complejo Teatral debe recuperar al público menor de 40 años. Esa es una de las cosas en las que estoy trabajando. También debemos darle mucha fuerza a la temporada internacional. En su momento, el San Martín tenía una temporada internacional de la que todos aprendíamos mucho. No había que esperar dos años a un festival para poder ver a Pina Bausch o a Philippe Genty. Hay muchas puestas que pasan cerca de la Argentina y no encuentran aquí lugar donde montarlas. El San Martín tendrá ese lugar. Tendremos una mayor mirada hacia América latina. Probablemente Guillermo Calderón, de Chile, venga a dirigir, y tejimos una interesante red de trabajo con Brasil para intercambiar espectáculos. También afianzamos las coproducciones con España y Francia.
-¿Cuáles son las cosas más urgentes para modificar?
-Las modificaciones van a ser muy lentas. Trataremos de tener una programación más amplia. Muchos directores de todas las edades que no habían estado en el San Martín estarán ahora. Ése puede ser un giroimportante. Abriremos la puerta a más directores. También me interesan los perfiles educativos. Habrá un proceso artesanal, donde todos los meses un grupo de creativos recorrerán los procesos de cada puesta, para armar un montaje final colectivo. El coordinador de eso será Luis Cano. Lo demás se va a concursar, vamos a intentar que venga mucha gente del interior.
-¿Y le va a dar el presupuesto para todo eso?
-Imagino que no será fácil, pero soy muy luchador. Hay ciertas cosas que tienen valor en sí mismas. Las coproducciones son fundamentales. El arribo del Rond Point, de París, será un gran proyecto de intercambio. Una semana de teatro francés en el San Martín, en junio, será imperdible.
-¿Será una programación mixta?
-Me he manejado con una política de cambio gradual. Gran parte de la programación del año que viene es de Kive Staiff y la hemos respetado. Nuestra relación es muy buena.
-¿Qué pasara con el desmantelamiento paulatino que sufrieron los talleres de vestuario y escenografía, por ejemplo?
-Ahí también es donde se verán los grandes cambios...

Kive Staiff

2010-11-28T09:20:00.006-11:00

(Nota publicada el viernes 26 de noviembre en el suplemento ADN, de La Nación)

"Tengo más amigos que enemigos"

Kive Staiff deja la dirección del Teatro San Martín y está cansado de la pelea cotidiana por el presupuesto

Por Pablo Gorlero

Treinta años son suficientes como para que el visitante sienta que la oficina de Kive Staiff es como su casa. Están sus cuadros, muchos objetos personales y docenas de premios. A un costado, algunas cajas. Ya está guardando, muy de a poco, algunas de sus pertenencias. Se lo ve triste. Por momentos se quiebra, no lo disimula y si quisiera hacerlo no podría. Pero los silencios, luego de algunas preguntas, son largos. En pocos días se irá de ese lugar que, con orgullo, hizo a su modo.
-¿Hasta cuando sigue aquí en su oficina, Kive?
-Hasta el 30 de noviembre. Se ha creado un consejo asesor de artes escénicas cuya presidencia voy a ejercer a partir de diciembre. Es una buena idea de Hernán Lombarda, en el sentido de elaborar una política cultural con todos los estamentos de la actividad que tiene la ciudad. No me parece nada mal, porque se fija un propósito, un horizonte, y hay que trabajar para unirlos en esa misma dirección.
-¿Qué significa el teatro San Martín para usted?
-Y mirá… Sintéticamente te tendría que decir: la vida.
-Eso es mucho…
-Sí, es mucho. Estoy vinculado al teatro desde hace 40 años. La primera vez llegue a fines del 71; a mediados de 1973 me fui para ejercer el periodismo en el diario La Opinión, me volvieron a llamar en el 76, me tuve que ir en el 89 y volví a mi trabajo periodístico pero siempre vinculado con la actividad teatral, a través de la crítica. Es una experiencia vivida única y, sobre todo porque llegue a fines del 71 con una especie de rabia de crítico de teatro: “Ahora voy a demostrar qué se debe hacer con un teatro público de Buenos Aires”. Y en cierto sentido lo demostramos porque hubo un remezón, un gran movimiento sísmico desde el punto de vista ideológico en el primer repertorio, de 1972
-¿Se acuerda cuál fue la primera obra que monto?
-Si, fueron dos. Un enemigo del pueblo, de Ibsen, en la adaptación de Miller, en la Martín Coronado; y la otra fue Nada qué ver, la primera obra que Griselda Gambaro hizo con nosotros, en la Casacuberta. Ernesto Bianco y Héctor Alterio estaban formidables en Un enemigo del pueblo. Por aquél entonces los fervores políticos jugaban un papel enorme, el público participaba con calentura política.
-¿Se arrepiente de algunas cosas en todo este tiempo?
-No, creo que no. Uno puede arrepentirse de haber elegido algún título que fue un desastre. Pero forma parte de la responsabilidad. Tuve grandes colaboradores y, juntos, creamos una institución en movimiento. Muy rápido dejamos de ser productores de teatro para convertirnos en una institución cultural. Yo mismo me sorprendo. El día a día a uno lo traga y cuando mirás para atrás te preguntás: “¿Cómo llegamos hasta aquí?”. Esta es una institución que edita revistas, libros, produce un programa de televisión, otro de radio, edita discos, hace cursos diversos… Hemos convertido una sala que era confitería en una paradigmática, que es la Cunill Cabanellas. A veces me da la impresión que hay gente que va a esa sala y a ninguna otra.
-¿Le duele el teatro?
-Y sí, me duele mucho… Me duele mucho cuando veo que debiéramos hacer más de lo que hacemos y mejor. Aunque hay espectáculos que me producen una enorme satisfacción, me duele que no tengamos dinero, que nos falte un buen presupuesto, que la obra arquitectónica que tenemos por delante esté paralizada. Estamos con una marquesina a mitad de camino, con un proyecto de sala de ensayo para el ballet que finalmente no se consumó, problemas con la instalación sanitaria, problemas con la lluvia, problemas con el techo del Alvear y de la sala Martín Coronado. Eso duele, muchísimo indudablemente.
-¿Y qué le dicen las autoridades cuando usted les comenta estas cosas?
-Bueno, alegan que no hay dinero…
-¿Y usted como reacciona ante eso?
-Tengo ganas de dar una piña. Es un tema recurrente en nosotros, en la dirección de teatro. No soy yo solo. Hay gente que está a mi lado y hemos constituido un equipo de trabajo muy interesante y muy apasionado.
-¿Y usted qué piensa? ¿Este gobierno no tiene recursos o es indiferente?
-No puedo decir que es indiferente, al contrario. Pero es evidente que requiere de decisiones políticas para decidir qué hacer con el presupuesto para el Teatro San Martín. Me resulta difícil imaginármelo pero bueno, también es cierto que debería haber una mayor conciencia del fenómeno cultural en la dirigencia política… y en la económica. No tenemos cultura de mecenazgos entre nosotros. Tenemos algunas empresas que nos acompañan, como el Banco Galicia, el Banco Ciudad, la Fundación YPF… Pero deberíamos tener mayores aportes de más sponsors. De todos modos, no podemos compensar las carencias de los presupuestos oficiales con las intervenciones de las instituciones privadas.
-¿Cuál es el ingreso que tiene el teatro por boletería?
-Es alto si tenemos una buena temporada activa. Creo que este año será así. Si hay más espectadores nos va muy bien, pero tené en cuenta que cobramos una entrada muy barata. Estamos en 45 pesos cuando los teatros privados están tocando los 200. De manera que la vanagloria no es a través de la recaudación sino que debe darse a través del número de concurrentes al teatro, y ahí estamos en unos 600.000 o 700.000. Hemos tenido épocas en las que hemos llegado al millón hace muchos años atrás. Pero no me quejo, tenemos una buena receptividad en el público.
-¿Se ganó amigos y enemigos al mismo tiempo?
-Nooo… Tengo muchísimos más amigos que enemigos. Hay alguno que debe andar por ahí rumiando la bronca de no haber trabajado acá como hubiera querido. Pero el San Martín siempre fue el lugar donde muchos artistas podían hacer determinado repertorio que, obviamente, ni en la televisión ni en el teatro comercial lo hubieran podido abordar. Hay actores que se pasan la vida sin haber hecho Shakespeare, lo que es terrible.
-El San Martín es el lugar por donde todos los actores quieren pasar…
-Es verdad, absolutamente es así. Hubo un actor que se arrojó al piso a besar el escenario cuando por primera vez lo llamamos para actuar.
-¿Le hubiera gustado volver a tener un elenco estable?
-Absolutamente. Pero no hay condiciones económicas para hacerlo. En 1989 se disolvió el elenco pero se mantuvo la compañía de danza y de títeres. Creo muchísimo en un elenco estable. Ya se sabe del riesgo de la burocratización, pero hay métodos y formas para combatir esa tendencia. Con entrenamientos, con maestros diferentes, el cambio de repertorio, el intercambio rápido de una obra hacia la otra, no te burocratizás.
-¿Se enoja cuando lo critican y le dicen que no se quiere mover del San Martín?
-No… Pero los he desmentido porque la iniciativa de irme ha sido mía. Nadie me pidió la renuncia y a nadie se lo tiró por la ventana. Simplemente, no va más. Tal vez un poco de cansancio por la pelea cotidiana.
-¿Qué le quedó en el tintero con ganas de concretar?
-Son muchos años y me di muchos gustos. Sería injusto señalar algo. Me hubiera gustado hacer Troilo y Crésida, de Shakespeare. Cubrí casi todo el espectro de la actividad. Desde los clásicos hasta los contemporáneos.
-¿Qué va a hacer después del 30 de noviembre?
-Seré asesor… Cuando renuncie asumirán Carlos Elía, como nuevo director general, y Alberto Ligaluppi, como nuevo director artístico. Yo me ocuparé de la presidencia de ese consejo asesor. Pero ya no me tendré que preocupar por la función de la noche.
-¿Y usted cree que se va a poder despegar de eso?
-No debiste hacer esta pregunta… Voy a hacer el esfuerzo, te lo prometo. A lo largo de los años la relación con el personal se puede convertir en una relación amistosa, de amigos, de abrazarse. Desde el personal de administración hasta los técnicos y bueno, eso cuenta muchísimo. Y para qué ocultarlo, siempre está la curiosidad, de ver qué van a hacer con esto.
-Es muy doloroso saber que los oficios se han ido diluyendo aquí… Los talleres fueron diezmados.
-Ahí está lo que no hicimos: no preparamos gente nueva. Creo que una de las tareas fundamentales del complejo es crear sistemas de preparación y formación de personal técnico, utilero, zapatero, de sastrería. Son sectores en los que tenemos una situación crítica porque mucha gente se ha jubilado. Hay que preservar la artesanía que una obra demanda, cuidándola, sumando gente.
-Usted quiere mucho a los actores. ¿Cómo son?
-Frágiles y sólo viven desde el escenario. Abajo del escenario, sus vidas son apenas un tránsito para la función de mañana.
-¿Entonces cuando no están en el escenario son complicados?
-No diría eso, pero aparecen algunas personalidades.
-Prefiere verlos en papel…
-En algunos casos sí. Pero, por otro lado, son frágiles y hay que ayudarlos
-¿Cuáles son los actores que usted ve como los futuros Alfredo Alcón, Ernesto Bianco o Elena Tasisto?
-Qué compromiso… Sergio Surraco podría ser uno de ellos. Malena Solda también. Me hacés dar nombres y es muy difícil.
-¿Qué montaje del San Martín recuerda como histórico y difícil de superar?
-Inexorablemente te digo El enemigo del Pueblo, con Ernesto Bianco y Héctor Alterio; y Las Troyanas, con María Rosa Gallo. También La ópera de tres centavos, de Brecht y Weill, que hizo Daniel Suárez Marzal; y las versiones que hicimos de La gaviota y de Tres hermanas, de Chéjov. Me resulta inolvidable también el comienzo de En casa, en Kabul, que dirigió Carlos Gandolfo. El comienzo, un monólogo de 75 minutos, de Elena Tasisto, es difícil de olvidar.
-¿Como se vive el retiro? ¿Con ansiedad o congoja?
-Con serenidad… con alguna lágrima, pero comprendiendo, al mismo tiempo, que la vida sigue.
-Está todo muy ordenadito en su oficina. ¿Ya sabe dónde va llevarse todas esas cosas?
-Hay muchas cosas que son del teatro pero muchas otras son mías. Estoy en proceso de ordenar, lo podés ver.

Zooterapia

2010-11-17T15:47:00.005-11:00

(Nota publicada hace unos cuantos años en Diario Popular y ampliada)

Perros y caballos como acompañantes

terapéuticos de chicos autistas y psicóticos

Por Pablo Gorlero

En la tierra del olvido, del desamor y la fuga de cerebros, algunos profesionales con vocación humanitaria trabajan (muchas veces con el viento en contra) por la ciencia y por la gente. Esa vocación de servicio se hermana con el amor innato de los animales en una ciencia que se ha dado en llamar zooterapia y que (como ocurre en otras partes del mundo) hoy se está desarrollando en la Argentina con éxito. La perra Key y el caballo Protegido son acompañantes terapéuticos en este tipo de terapia enfocada en rehabilitar y mejorar ciertas patologías en personas con discapacidades. A menudo las minusvalías físicas producen una fuerza centrífuga que obliga a la solidaridad, mientras que las enfermedades mentales o los trastornos de conducta ocasionan una fuerza centrípeta casi incontrolable que tiende a dejar aislado a quien la padece. Esa fue una de las mayores preocupaciones del doctor Norberto López y de la licenciada Amelia Lorena, del Hospital General de Niños Doctor Pedro de Elizalde (Casa Cuna), que iniciaron una prueba piloto de zooterapia junto a un instructor canino. Pero no había dinero para compensar a este último, dueño de dos perros de raza Border Collie, y se retiró del proyecto. Pero el sueño de la zooterapia pudo concretarse por la perseverancia de la cooperadora del hospital, la tenacidad de los profesionales, el aporte de capitales de terceros y la atención de una mujer canadiense, criadora de perros labradores, que donó a Key. "Se cambió la modalidad del plan. Se trabajaba con la idea del estímulo controlado, pero pasamos a lo opuesto: el lazo abierto. Un perro hiperentrenado pierde la capacidad de juego y no queríamos que eso ocurra", explica el licenciado José Pose. Es en esa capacidad lúdica donde la relación con el chico puede tener creatividades propias de este vínculo, que si está demasiado controlado no se da. Así aparecen ciertas potencialidades que tiene el chico que, si se trabajaran en una estructura más rígida, no aparecerían". Se atienden con Key 48 chicos con trastornos de desarrollo, retraso mental, autistas o psicóticos. Cada sesión es filmada y, sobre ese producto, se saca el patrón de conducta del chico para diseñar un programa de psicoeducación. En pocos meses, las pruebas están a la luz: niños que nunca antes habían jugado, ahora lo hacen con otros chicos o con juguetes. Para sumar la documentación fílmica a la historia clínica de los pacientes, estudiar detenidamente comportamientos y gestos imperceptibles en el momento de la sesión, la arquitecta Teresa Expósito diseñó, en un mismo bloque, caniles y una cámara Gesell, una ventana espejada para poder observar al niño y al perro desde adentro sin interrumpirlos ni ser vistos. "Hay que aclarar que la mascota de la casa no es lo mismo que el perro que asiste en terapia. Key no es una mascota, está preparada para encariñarse con 40 chicos distintos", aclara la licenciada Lorena. En otros países se estila acompañar terapéuticamente a pacientes con mascotas, no con animales destinados sólo para tal fin. Eso significa que, de seguir progresando, esta técnica tendría un carácter totalmente innovador. La idea es incorporar a otro perro, previendo que la vida útil de estos animales es de 8 años, pero aún faltan muchas cosas para poder trabajar óptimamente. Como siempre, los organismos oficiales sólo aportan firmas y autorizaciones, pero es escaso el dinero que ceden para tales emprendimientos. Basta echar un vistazo en la Casa Cuna para entender el asunto. El departamento de Zooterapia del hospital atiende gratuitamente y necesita aún el mobiliario, un baño, una cámara, un digitalizador de imágenes, juguetes ruidosos para perros y un túnel de alambres forrado de plástico para que el animal y el chico puedan meterse. Fidelidad equina Desde 1998, Cinthia Ponce supo que uno de sus pacientes con parálisis cerebral se estaba rehabilitando con equinoterapia en la provincia de Córdoba. La mejoría era evidente, pero sólo podía acudir en algunos períodos debido a la distancia. Así fue que armó un grupo de trabajo y, después de sentir la discriminación hacia los pacientes discapacitados en algunos clubes, consiguió que la Casa Ecuestre, de Monte Grande, se entusiasme con la terapia. "La diferencia con otros tratamientos de zooterapia radica en el movimiento tridimensional del caballo en el andar, que estimula y favorece el tratamiento. Se busca que el paciente tenga una postura favorable para su patología", explica la licenciada Ponce. "Se ven los cambios de una sesión a la otra. "El movimiento tridimensional hace la diferencia. Es como si caminaran ellos mismos. Es sensacional porque estimula a partir de la médula y llega al sistema nervioso y genera respuestas musculares. Emocionan las carcajadas que llegás a sentir de los chicos", explica la profesora de equitación Déborah Bogo. El tratamiento mejora el equilibrio y la postura a través del fortalecimiento muscular, desarrolla la coordinación de movimientos entre tronco, miembros superiores e inferiores, reduce los patrones anormales de movimiento, estimula la integración sensorial, a partir de la sensibilidad táctil, visual, espacial, desenvuelve la estructura temporal y facilita la adaptación al medio, favorece la modulación tónica y la fuerza muscular, mejora los procesos básicos para el aprendizaje y estimula la afectividad. El arancel para realizar esta actividad es accesible y, para quienes piensan que semejante animal puede ser peligroso para los chicos, la realidad indica lo contrario. "No se puede utilizar cualquier caballo. Protegido está preparado desde hace un año y sabe muy bien que se trata de chicos diferentes. El tamaño, el calor y el movimiento del caballo contribuyen en un todo para las mejoras psíquicas y físicas. A través de su movimiento rítmico, constante y repetitivo ofrece todos estos beneficios", agrega la psicóloga Noralí Bonatti. La rehabilitación de patologías a través de la zooterapia arroja resultados positivos palpables. Sólo resta esperar que aquellos que deciden nuestros destinos sanitarios atiendan, de una vez por todas, su labor, la de los investigadores y, sobre todo, a los pacientes. Recuadro Zooterapia Mañanas en el zoo Cada mañana, los animalitos del zoo porteño esperan el encuentro con chicos y adolescentes que los alimentan y limpian sus recintos. Son los pibes del programa "Cuidar cuidando", del Hospital Infanto-Juvenil Doctora Carolina Tobar García, que juntamente con el Jardín Zoológico de Buenos Aires, realizan tareas a la par de los cuidadores como una forma de reinserción social y laboral. La finalidad del proyecto es sacar a estos chicos de la institución en la que están internados para tener un rol activo fuera de ella. "Este es un espacio para que retornen a la vida social, escolar, laboral y familiar porque el programa les permite vincularse y sentirse útiles", cuenta Ana María Papiemeister, coordinadora del proyecto en la casita que poseen dentro del zoológico. La idea inicial fue del psiquiatra infantil Hugo Massei y, desde 1990, 300 chicos pasaron por "Cuidar cuidando". Hoy son 46 los que participan en las mañanas de los lunes, miércoles, jueves y viernes. La psicóloga Dalila Sansón trabajó en el equipo de acompañamiento terapéutico y considera que lo fundamental de este programa "es el intento de resocialización de los chicos". A su vez, señala también el hecho de que el contacto con la naturaleza y con los animales, les brinda una comunicación que va más allá de lo verbal. "Como hay chicos con patologías graves, al estar al aire libre, pueden contactarse con el medio más allá de la producción de palabras. Por ejemplo, cuando les dan comida a los animales, ocupan un rol que no es necesariamente mediado por la palabra. Hay una comunicación a nivel de lo no dicho que se establece entre el niño y el animal". A su vez, el vínculo con el cuidador también es muy importante "porque con ellos se crea un referente y un vínculo de identificación muy fuerte".

Por otra parte, ya está muy avanzada la zooterapia con gatos, perros, caballos, psitácidos (loros) y otros animales en personas solas de la tercera edad y gente recluida en prisiones o centros asistenciales.

Actualmente, se está realizando un programa de terapia asistida con animales para pacientes del Hospital Psiquiátrico Moyano y en el Hospital Tornú. El 2 de diciembre habrá una muestra para ver cómo se trabaja en el neuropsiquiátrico.

Jon Fosse

2010-11-01T05:31:00.007-11:00

El hombre de los silencios, el hombre de Noruega

Considerado sucesor de Ibsen y de Beckett, es uno de los dramaturgos contemporáneos más respetados

(Reportaje completo)

Por Pablo Gorlero

(Enviado especial)

OSLO.- Hace dos semanas, Noruega llenaba sus paladares con el exquisito néctar de las nueve musas. Alrededor de la plaza Spikersuppa, en una esquina podía escucharse un fragmento de La Traviata, y dos cuadras más adelante, un espléndido cover de jazz. A los cien metros, la estatua de Henrik Ibsen, envuelta en cintas rojas, blancas y azules, le hacía un guiño a un dramaturgo sucesor que, discreto, se deslizaba por el teatro Nacional. Gordito, con la nariz colorada y terriblemente tímido, a Jon Fosse no le quedaba otra que escurrirse por los pasillos de esa belleza arquitectónica para recibir un premio soñado y para hacerse cargo de ser el referente teatral contemporáneo más fuerte de Noruega.
El autor de El nombre, La noche canta sus canciones, El hijo y tantas otras obras de la nueva dramaturgia europea, recibió el Premio Internacional Ibsen 2010, el mismo que el año pasado le dieron a la directora francesa Ariane Mnouchkine y el año anterior a Peter Brook. Pero no sólo es un premio que envuelve de prestigio, sino que es una caricia a la tranquilidad económica: otorga nada menos que 300.000 euros.
Fosse viajó desde la bellísima ciudad de Bergen, donde reside, y estuvo toda esa mañana deambulando por el teatro para recibir a las autoridades y a la prensa. Pasado el mediodía, a media tarde, durante la sencillísima ceremonia, subió al escenario, recibió un ramo de flores, un enorme diploma y ubicó el premio bajo su axila. Aunque tenía el micrófono inalámbrico puesto, quiso escapar sin hablar. Lo detuvieron y no le quedó otra que agradecer y justificar sus pocas palabras porque había bebido un poco de más en el almuerzo. Era una excusa graciosa. A Fosse le ganan siempre la timidez y la humildad, pero el humor lo rescata de ese color rojizo que suelen tomar sus mejillas.
El comité del Festival Ibsen comunicó que ese gran premio era para Fosse por "su autoría dramática única, que abre puertas escénicas a los mudos misterios que persiguen los seres humanos desde el nacimiento hasta su muerte".
Hoy en día, Jon Fosse es uno de los principales nombres de la dramaturgia moderna europea. Y para los noruegos es su principal embajador cultural, ya que su sensibilidad abraza los cinco continentes desde 1994. Con orgullo, sus compatriotas contabilizan unas 900 producciones de sus obras en todo el mundo (pero, sin duda, debe de haber más). Sólo tiene 50 años y se siente un marginal en el mundo artístico. No suele ir al teatro y se adentró en el mundo de la dramaturgia sólo por pedido. Ya en sus primeras obras, Jon Fosse demostró que pronto su estilo comenzaría a hacerse visible. Lo caracterizan sus diálogos poéticos, sus repeticiones y la ausencia de esos conflictos incisivos que conforman el núcleo del drama occidental. En su primera obra, Somebody is Going to Come, un hombre y una mujer llegan a una vieja casa en la costa. Aparentemente, nada pasa. Ellos aspiran a vivir ahí protegidos del mundo y repiten el conjuro que forma el título de la obra: “Alguien está por llegar”. Y cuando un inesperado vecino llega, un sentimiento de desconcierto se desliza.

En la hermosa terraza del teatro Nacional recibió a LA NACION, único medio de América latina, para hablar brevemente de su carrera y este momento de homenajes y reconocimientos. "Estoy sorprendido por la decisión de este jurado, integrado también por alguien a quien admiro mucho y que es muy respetado: Patrice Chéreau. Estoy muy agradecido por que me hayan elegido", afirma en referencia al premio.
-¿Por qué piensa que le otorgaron este premio?
-No lo sé, porque estoy sorprendido por la decisión de este jurado, integrado por alguien a quien admiro mucho y que es muy respetado (Patrice Chéreau). Estoy muy agradecido porque me hayan elegido.

-Con Patrice Chéreau trabajó muy directamente en el montaje de Yo soy el viento. ¿Suele trabajar al lado de algunos directores en los montajes de sus obras?
-No, en absoluto. El director seguramente ve al autor como una carga. En el caso de Chéreau, es distinto. Intercambiamos e-mails con frecuencia. Me hacía preguntas y se las respondía lo mejor posible. Pero nunca voy a ensayos ni nada por el estilo. Claro que después fui a París a ver la puesta.
-Y cuando sale de ver sus obras, ¿suele opinar sobre el montaje?
-Tengo una política que consiste en no hacer declaraciones oficiales sobre las puestas que he visto de mis obras. Es muy difícil que vean mi opinión en los diarios sobre alguna obra. Los dejo a todos contentos. Mucho menos podría hacer un comentario al salir de un estreno. Los artistas salen con cierta felicidad, aunque sepan que lo que hicieron no es de lo mejor. Bueno, pasalo lindo. ¿Por qué tengo que arruinarte la noche?

-Ah... pero es muy bueno...

-Es mejor ser así.
-¿No le da un poco de miedo o curiosidad cuando otorga el permiso para que representen sus obras en el exterior?
-Me entusiasma mucho saber de la existencia de alguna producción en otro país. Y cuanto más lejano sea, más me gusta. He viajado 24 horas para ver alguna de mis producciones. Mi responsabilidad se limita a la adaptación. Confío en la publicación original, pero no puedo hacer un estricto control de las traducciones. Es casi imposible. Sé lo que son las traducciones y que las puestas varían, pero mi parte está hecha en el texto. Bueno, claro que he visto algunas producciones malísimas y otras muy buenas. Pero me interesa cómo trabajan los directores con mis textos. Cuanto más fuertes son las voces de los directores, y cuanto menos buscan imponer mi presencia, más puros aparecen mis textos. Es extraño. Uno de los peligros es imponer la voz del autor.
-Pero usted siempre manifiesta una gran preocupación, un interés especial por el lenguaje teatral...
-Mi ambición es que la esencia de la escritura sea clara y que refleje de un modo fiel lo local y lo universal a la vez. Pero también trato de desaparecer, aunque se advierta claramente mi presencia, la del autor. No soy muy consciente de lo que escribo cuando lo estoy haciendo. Prefiero ignorar sobre lo que escribo y sólo intento escribir lo más preciso que puedo. Claro que estoy diciendo algo, y sé que el texto dice algo sobre mí.
-¿Por qué dejó la novela para dedicarse a la dramaturgia?
-Empecé a pensar que la perspectiva de mi escritura era muy distante en las novelas. En ese sentido, es más fácil escribir teatro, porque estás en todos lados y en ninguno a la vez. Estás más cerca de vos mismo y conectado.
-¿Cuál es su relación con el teatro de Ibsen y qué siente cuando lo comparan con él?
-Es una pregunta interesante. Eso es injusto con Ibsen y conmigo. El era un dramaturgo inmenso. No podemos comparar a Pinter con Ibsen, ni a él con Shakespeare. No está bien comparar a un dramaturgo tan enorme como Ibsen conmigo.
-Escuché por ahí que siempre escribe acompañado...
-Sí. Para mí es un placer enorme el trabajo creativo, en Bergen, con esos paisajes y con la compañía de mi perrito. Es el tercero que tengo. Quise ponerle Beckett, pero es tan chiquito que no corresponde que lo llame así... Tampoco lo podía llamar Ibsen. Así que decidí llamarlo Eckhard.
-¿Cómo lleva una vida normal alguien a quien todo el mundo todo el tiempo lo llama genio? ¿Le afecta el ego?
-No; para ser sincero, trato de vivir mi vida del modo más distante a eso. Hay algunas ocasiones sociales muy raras. Pero sigo con mi pequeña y normal vida.
-Encontró un atractivo especial en revisar tragedias griegas...
-He reescrito versiones de Edipo rey, Edipo en Colona e Ifigenia. Sólo trato de escuchar esas voces tan antiguas. Son tan fuertes. No es difícil, en ese sentido, ajustar las voces y hacerlas hablar a mi modo.
-En sus obras, aquello que sus personajes no dicen es casi tan importante, o más, que aquello que dicen. Esos silencios hablan en usted a la hora de pensarlos.
-Creo que en mi escritura, e incluso en un sentido más amplio, no es tan importante lo que se dice, y lo que se dice no está precisamente ni en las palabras ni en los bordes. Lo que está en el lado invisible es lo importante porque en lo invisible está lo dicho. Para escribir una buena obra, tenés que escribir pensando en esas fuerzas que no se ven. En una buena producción lo invisible se hace casi visible. Esa es la esencia del teatro.
-¿Qué piensa de las nuevas tendencias teatrales en el mundo?
-Cada país es diferente. En Alemania, por ejemplo, hay algunas formas nuevas, pero corresponden a formas de transición. No hay grandes tendencias mundiales.
-¿Hay un regreso al teatro de texto?
-Puede ser. En los años 80, uno trataba de hacer teatro de acuerdo con un modo determinado, pensando en los artistas. Pero cuando ya pasaron 15 o 20 años, uno se aburre porque ya vio esas performances muchas veces. Puede ser que estemos yendo de regreso a las obras de texto.

-¿Le quedan muchos temas de su interés por escribir, luego de casi 40 obras?
-No estoy seguro... No creo. He escrito mucho. Quizá tenga obras pequeñas por escribir. Ahora estoy bastante dedicado a hacer muchas traducciones y folletos. En los últimos años no estuve escribiendo mucho teatro. Cuando escribo no soy muy conciente de lo que estoy haciendo. Prefiero ignorar sobre lo que escribo y sólo intento hacerlo lo más preciso que puedo. Claro que estoy diciendo algo, y sé que el texto dice algo por mí. Pero no lo pienso demasiado.
-¿Cómo es el proceso de creación cada vez que le surge una idea?
-Me siento y prefiero no saber mucho de mi obra, luego empiezo a escribir. Si el comienzo es bueno, contiene el resto. Si tengo ese loco presentimiento de que mi obra apareció, no paro y todo lo que está a mi alrededor desaparece.

DOS OBRAS DE FOSSE EN CARTEL:
El nombre , de Jon Fosse, dirigida por Analía Fedra García.
La Carbonera , Balcarce 998 (4362-2651). Viernes, a las 22.45. De 25 a 40 pesos.

La noche canta sus canciones, de Jon Fosse, dirigida por Daniel Veronese.

Timbre 4, México 3554 (4932-4395). Domingos, a las 17 (hasta el 28 de noviembre) $ 40.

Hoy, los Premios Hugo son una realidad

2010-10-18T04:21:00.011-11:00

Se cumplió un sueño

Por Ricky Pashkus y Pablo Gorlero

Hoy, a las 21, por América 24, en vivo, la primera ceremonia de entrega de los Premios Hugo al Teatro Musical. Sueño hecho realidad.

Pablo: -¿Te acordás que todo esto empezó en un bar de Callao y Corrientes?
Ricky: -No…
Pablo: -Vos me querías llevar a la sucursal de esa misma firma, pero enfrente de tu estudio.
Ricky: -¿Y no fuimos ahí?
Pablo: -No. Te dije que no seas tan cómodo y que nos juntemos a mitad de camino.
Ricky: -Es cierto. Te llamé porque quería que trabajemos juntos en algunas cosas. En unas nos pusimos de acuerdo y en otras no.
Pablo: -Sí, pero recuerdo muy bien cuando, luego de hablar de todo lo demás, vos dijiste: “¿Che, Pablo, es muy descabellado pensar en un premio así como los Tony, para la comedia musical?”
Ricky: -¿Yo lo dije?
Pablo: -Sí. Y casi nos olvidamos de todo lo demás y comenzamos a pensar ideas y desarrollar esto.
Ricky: -Es increíble…

* * *

Queríamos un nombre propio. Aparecieron varios, inventamos siglas, pero ninguno nos convencía. Ya cuando pensábamos que sería “tarea para el hogar” apareció: Hugo. Era perfecto. Sería en honor a alguien “vivito y coleando” que fue uno de los revolucionarios del teatro musical en la Argentina. Hugo Midón es maestro de muchos artistas hoy consolidados y respetados, dirigió a casi todos y, en lenguaje musical, comunica las mismas ideas a grandes y a chicos en líneas discursivas distintas y compartidas, a la vez. Era el nombre ideal. Así como otros tienen a su Tony, su Oscar, su Olivier, nosotros tendríamos a nuestro Hugo.
Teníamos nombre, teníamos idea, teníamos un mismo objetivo: honrar al género y a todos aquellos que lo hacen. Darle un lugar grande. Ese sitio enorme que, aunque relegado, siempre ocupa en la historia de nuestro teatro desde los años 20 hasta ahora. “¿Cuándo empezamos?”, nos preguntamos ambos. “Ahora mismo”, nos respondimos también los dos.
La sociedad era fantástica. Uno supuestamente objetivo, el otro subjetivo; uno inmerso en el medio directamente, el otro en forma indirecta. Pero en realidad, como todos los seres humanos, ni personales, ni subjetivos, a veces adentro, a veces afuera, o en los dos lados al mismo tiempo. Lo que tratamos es de ser honestos y justos. Ambos compartimos el mismo amor a esta forma de teatro que puede decir hablando, puede decir cantando o puede decir bailando.
Al pensar las categorías recordamos la dimensión que tiene este género en todos sus componentes. Tal vez el teatro musical sea la más colaboracionista de las artes porque, para un fin unívoco, se aúnan dirección, canciones, bailes, diseño, luces, sonido y muchos etcéteras más. Llegamos a 38 felices rubros en los que cada categoría y hasta cada subgénero del musical podrían ser reconocidos.
Así nació, en menos de un año, esta realidad que son los Premios Hugo al Teatro Musical.
Luego fuimos encontrando a los miembros de la Asociación Civil que ayudaría a hacer realidad esto, y a nuestra comisión de honor, un grupo de notables que aceptaron apoyarnos como China Zorrilla, José Pablo Feinman, Fernando Bravo, Magdalena Ruiz Guiñazú y, por supuesto, nuestro querido Pepe Cibrián Campoy, prócer indiscutido del teatro musical. Después logramos reunir a nuestro jurado de expertos, constituido por periodistas especializados, historiadores, coleccionistas, representantes de las principales escuelas de teatro musical y de instituciones como Argentores y la Asociación Argentina de Actores.
Y cuando creímos que el sueño, complejo sueño, se nos podía venir abajo, aparecieron los superhéroes: Eduardo Chaktoura y Mariano Peluffo, apasionados, vitales e incondicionales.
Hoy podemos decir que nuestra felicidad es inconmensurable. Logramos que la “comedia musical” (nos encanta llamarla así, aunque sea una calificación antigua) tenga su fiesta. Y que aquellos que la amamos y la hacemos contemos con la posibilidad, una vez al año, de reunirnos para disfrutar de sus virtudes.
Estamos felices. Seguramente aprenderemos mucho en el camino para tratar de mejorar cada vez más. En el afán de premiar a cada área que conforma una obra musical, pensamos en 38 categorías sin saber que es imposible que todas entren en un programa televisivo de tres horas con show incluido. Por eso fue imprescindible dividir la premiación en dos etapas. Quisimos esa alternativa a la de tener que eliminar 12 rubros.
Ni qué decir de las palpitaciones que sentimos cuando, luego de ocho horas de escrutinio, tuvimos las primeras nominaciones. Las históricas. Tan justas y merecidas, aunque siempre la subjetividad nos haga sentir bronca o tristeza por aquellos que no quedaron elegidos. Así son los premios.
Luego, la emoción al tener las primeras estatuillas en las manos, hechas realidad, cuando las entregó el orfebre. Y ahora esto, nuestra primera fiesta de la comedia musical, que compartimos con ustedes y a quienes agradecemos su inmenso apoyo. Esto es nuestro.

El parque de los desnudos

2010-10-11T02:43:00.008-11:00

EL PARQUE VIGELAND:

UN BANQUETE PARA LOS SENTIDOS

Por PABLO GORLERO

OSLO.- La primera recomendación que recibí antes de partir rumbo a Noruega fue no dejar de visitar el Vigelandsparken. “El parque de los desnudos”, me dijeron. Las fotos de la guía turística no decían mucho. Pero al poner un pie en Oslo, en la estación de trenes, me topé con una gigantografía que ilustraba un obelisco de cuerpos entrelazados, anudados. Sospeché que se trataba del Vigelandsparken o Parque de Vigeland, situado dentro de un parque mayor: el Frognerparken.
Empecé a interiorizarme y me enteré de que se debía su nombre a Gustav Vigeland, un bienamado escultor noruego que vivió entre 1869 y 1943. En épocas de la independencia, el gobierno le encomendó numerosas obras escultóricas y fue uno de los artistas más mimados de esa renaciente nación escandinava. En 1906 presentó un modelo en yeso de una fuente para adornar la plaza frente al Parlamento Nacional. La obra gustó, pero tuvo que esperar unos trece años, durante los cuales Vigeland amplió el proyecto añadiendo varios grupos escultóricos y un monolito de granito. Miren qué historia interesante. En 1921, el ayuntamiento de Oslo decide demolir el edificio donde se encontraba el estudio del escultor para construir la Biblioteca. Pero llegaron a un acuerdo histórico: la misma ciudad construiría un nuevo edificio destinado a estudio y vivienda de Vigeland, a cambio de ser transformado en museo luego de su muerte. A cambio de esa construcción, el escultor se comprometía a donar a la ciudad todo su trabajo artístico, incluidos sus modelos.
Así Vigeland se mudó a su nuevo estudio, muy cercano al Frognerparken, espacio verde elegido para instalar su fuente y su complejo escultórico. Así fue como, en los sucesivos 20 años, el artista se dedicó a la realización e instalación de un área destinada a la exposición permanente de sus esculturas.
Dónde comienza o termina el Parque Vigeland para continuarse en el Frogner, nunca lo pude descubrir. En cambio, sí me enteré de que este enorme parque de más de 32 hectáreas comenzó a concebirse por este megalómano en 1924 y fue concluido siete años después de su muerte.
Los grandes portales que conducen a él desde una de las principales avenidas de Oslo se asemejan al Central Park neoyorquino. Es algo así, un gran pulmón verde en el medio de la ciudad. Aunque, claro está, Oslo irradia naturaleza por todos sus costados.
Me sentí afortunado por el día que me tocó recorrerlo: un soleado domingo de septiembre, con 22 grados y un tibio sol que acariciaba el rostro. Apenas pasé por el desfiladero de árboles, bajo los cuales muchos ancianos disfrutaban del merecido descanso por sus jubilaciones (sin preocupación en sus rostros, obvio), el parpar de los patos anticipa agua cercana. Ya sobre el final de esa pared arbórea se asoma la primera sorpresa: un puente flanqueado por decenas de esculturas humanas de bronce, todas desnudas. No sólo están en diferentes posturas y posiciones, sino que cada una contiene una expresión, una emoción o una acción. Algunas simbólicas, otras metafóricas, todas tan vivas. Ahí comienza un viaje que conmueve. Ahí empieza una comunión artística y natural que sacude todos los sentidos.

Vigeland reprodujo todas las formas de las relaciones humanas, todos los períodos erarios y las formas expresivas más diversas. En ellas hay belleza, erotismo, hasta pavor. Es imposible que cada una de ellas resulte indiferente. Y allí, en ese pasillo de sensaciones, hay un aroma inspirador, ineludible. El de August Rodin.
Allí los instintos se corporizan tanto en sus formas más extremas como de modos más sutiles. El amor fraterno, el amor filial. La violencia visible, la violencia interna. La pareja heterosexual, la homosexual. El odio, el enojo, el pánico, la alegría, la felicidad. La seducción, la vanidad, la autosuficiencia, la autoestima.
Uno se puede quedar horas ahí, contemplando, compartiendo con cada uno de esos cuerpos sus posibles pensamientos, el alma que les dio su creador.
Luego, un pulmón de flores permite una bocanada de belleza natural para separar los sentidos de la creación del hombre. Aunque, de inmediato, a lo alto, uno puede avizorar lo que se viene. El aire a Rodin se entremezcla con una cacofonía de inspiraciones en la antigua Mesopotamia y en el arte clásico. El ying y el yang salpican permanentemente la vista y embriagan al espectador sensible. Una enorme fuente, llamada La Rueda de la Vida, antecede al Monolitten, un obelisco de cuerpos humanos. Es tan erótica esa llamarada de arte, en medio de tanto verde. Tan fálica. La Rueda y el Obelisco conforman una cópula de vida para parir momentos, emociones, sensaciones; amargas y felices.
La Rueda es una fuente sostenida por unos atlantes, que quedan tapados por una cortina de agua, tan armónica como estridente en su caída. A su alrededor, árboles de la vida con querubines, que son la mayor reminiscencia rodiniana. Y debajo, en el friso que circunda toda la fuente, secuencias que pasan por el amor, el sexo y la violencia.
Luego, la escalinata que conduce al obelisco humano. Uno puede pasar horas observando esa escultura con tanto contenido de ritual. Esa trenza de cuerpos, compacta, perfecta, es tan impresionante como bella. Hombres y mujeres de todas las edades se compactan en una masa de concreto que parece carne viva. A su alrededor, decenas de esculturas en situaciones que contienen tanto acción como emoción. Es impresionante cómo Vigeland puede captar sentimientos para reflejar expresiones. Cómo puede poner en la roca el alma humana con tanta elocuencia.
Casi cinco horas estuve en el Vigelandparken, adorando a ese megalómano. Contemplé cada escultura, cada relieve de la fuente, cada cuerpo anudado en ese obelisco. Traté de guardarme el olor de esas flores tan bien cuidadas por los visitantes mismos y hasta el sonido de los pájaros.
Al atravesar los portales de salida, juro que me di vuelta, sonreí y di las gracias.

Aquí un recorrido fotográfico por esta maravilla:

Next to Normal

2010-09-19T09:12:00.005-11:00

El musical de la bipolaridad

Por Pablo Gorlero

OSLO.- No hay demasiadas publicidades en la capital noruega. Es parte de su idiosincrasia, de su forma de comunicar con discreción. La gente se entera de otros modos: por estar atentos, por los medios de comunicación, a los que todos tienen acceso. Por eso quien esto escribe se enteró de que en Oslo estaba en cartel el musical Next to Normal , sólo por haber transitado por casualidad, por la puerta de su teatro, el Det Norsketeatret. ¿Entradas para ese mismo día? Imposible. Hasta las obras del Festival Ibsen están acomodadas de tal forma que el espectador común pueda combinarlas con otra función de teatro comercial o alternativo.
Pero cómo poder reprimir la curiosidad por ver cómo los noruegos adaptaron este musical alternativo que se convirtió en objeto de culto de la escena de Broadway. Conseguimos entradas. De alguna forma, Next to Normal pasó a ocupar el lugar que dejó Rent, sólo que amplió su espectro de público hacia edades que traspasaban los treinta y pico. Es lo que ocurre, en un primer vistazo, con los espectadores noruegos... aunque un poco más. En su mayoría con cabezas canosas (casi nadie se tiñe en Oslo) cumplen con la ceremonia teatral nórdica. Arriban al teatro, cuelgan sus abrigos en alguno de las enormes filas de percheros (a nadie se le ocurriría llevarse el equivocado), se toman un "vermucito", cada uno se acomoda por sí mismo en la butaca que le corresponde y, en punto, absolutamente todos, están en su asiento para presenciar el espectáculo. Luego no habrá euforia, pero la obra finalizará con un estruendoso aplauso que obligará a que los intérpretes salgan cuatro veces a saludar. Prueba de que el buen teatro y el buen rock puede ser también saboreado por cualquier edad.
Next to Normal es un musical rockero con libro y letras de Brian Yorkey y música de Tom Kitt (ganadores del Tony). Es la historia de una madre que lucha contra sus disturbios bipolares y la fuerte presencia en su vida de su hijo muerto. Eso causa serios trastornos en el entorno familiar, pero tanto su esposo como su hija la ayudan a pelear contra su problema mental. Allí entrarán en escena su psiquiatra, los psicofármacos y un serio planteo que los autores hacen en torno a algunos tratamientos a pacientes con estos trastornos. Asimismo, es una alerta para estar atentos a esta enfermedad, cada vez más común en estos nuevos tiempos.
Aunque inspirado en el montaje que Michael Greif (Rent, Grey Gardens) hizo en Broadway, el director noruego Svein Sturla Hungnes realizó una puesta en escena imponente, en la que la escenografía en tres niveles de Even Børsum y las luces de Ola Bråten tienen una presencia estridente que envuelve. Sobre el nivel superior, se instala la contundente banda musical liderada por Atle Halstensen. Next to Normal es una obra con un discreto elenco de seis intérpretes, que llenan la escena con mucha presencia y gracias a un montaje ágil que aprovecha todo el enorme dispositivo escénico. Es una obra hecha para una gran protagonista. Alice Ripley se ganó el Tony gracias a su composición de la alterada Di Goodman. En esta versión, ese papel recae en la estupenda actriz y cantante noruega Heidi Gjermundsen Broch, quien impone dramatismo sin desbordes. La acompañan Jon Bleiklie Devik, Charlotte Frogner, Thomas Bye, Frank Kjosås y Lasse Kolsrud.

El Norketeatret

Festival Ibsen

2010-09-13T15:03:00.008-11:00

NORUEGA RESPIRA TEATRO

Por Pablo Gorlero

OSLO.- El alcohol es caro en Noruega: los impuestos a la bebida son muy altos. Pero hay otras posibilidades de embriagarse. De cultura, por ejemplo. Hay bares de jazz y de rocanrol por donde se busque. Y con sólo pisar la plaza que antecede al Parlamento, uno se siente atrapado por unas voces líricas que reúnen no a docenas, sino a cientos de personas. Es que desde el viernes último hasta el 19 de este mes, Oslo se viste de esmoquin para recibir a su Festival de Opera. A unas cuadras, un sinnúmero de galerías de arte se dan la mano, mientras el gran Vigeland vigila desde el corazón verde de la ciudad, con sus esculturas convertidas en patrimonio de la humanidad. Pero ¿la locura cultural pasa sólo por la música o las artes plásticas? Basta hacer unas cuadras por la pomposa Karl Johans Gate para toparse con un edificio que cualquier amante del teatro puede sentir palpitar. Muy fuerte. Es el Teatro Nacional de Noruega (Nationaltheatret), con el monumento en bronce del gran Henrik Ibsen como eterna custodia. Más allá, a dos cuadras de distancia, está la casa donde vivió en sus últimos años. Las habitaciones donde concibió John Gabriel Borkman (1896) y Al despertar de nuestra muerte (1899). Y allí los noruegos lo honran con un museo tan hermoso como ilustrado, tan emocionante como educativo. Aunque sus mejores obras hayan sido escritas en el exilio y aunque más de una vez haya sido crítico con su patria, aman ese genio y lo honran. Tanto como para realizar, cada dos años, el Festival Ibsen, dentro de las paredes del bello Teatro Nacional.

Todos los grandes gobiernos...

La embajada de Noruega en la Argentina eligió a LA NACION como único medio para cubrir semejante evento cultural. Había un motivo extra: una obra excelente como Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo, dirigida por un director mayúsculo, Daniel Veronese, y con un elenco que da orgullo: Claudio Da Passano, Silvina Sabater, Elvira Onetto, Marcelo Subiotto y Osmar Núñez. Tanto que el día en que este cronista arribó a la amable Oslo, divisó a dos cuadras la bandera argentina, junto a la noruega, en el frente del Teatro Nacional, como señal fraterna de que una obra de esa nacionalidad se estaba representando allí.
El Festival Ibsen celebra su feliz vigésimo aniversario con un puñado de obras extranjeras, basadas en los clásicos del dramaturgo, y las más destacadas puestas locales también inspiradas en sus trabajos. "Durante los últimos años, me di cuenta de que había un especial interés en los artistas jóvenes por redescubrir a Ibsen. Y encontraron un renovado sentimiento hacia su obra -explica Hanne Tømta, directora artística y general del Teatro Nacional-. Los dramas de Ibsen tiene el polvo de la historia, pero a través de los dramaturgos, del dedicado trabajo de los actores y de la aguda dirección, la obra de nuestro autor ha sido reinterpretada continuamente para que siguiera siendo relevante durante todo el siglo XX y los comienzos del XXI". El festival comenzó el 26 de agosto y continuará hasta el viernes próximo, tanto en el Teatro Nacional como en otras salas de la ciudad.
Se inauguró con Ibsen Machine, un trabajo local que, sin duda, es una de las estrellas del evento y seguirá representándose hasta el último día. El dramaturgo Sebastian Hartmann creó una obra en la que su personaje principal es Osvald, de Espectros, que interactúa con diversas criaturas de otras creaciones del escritor noruego.
Por su parte, el director francés Laurent Chétouane presentó su versión de Casa de muñecas, con un elenco noruego. El actor alemán Josef Bierbichler, ahora internacionalmente conocido por su trabajo en la elogiada película La cinta blanca (de Michael Haneke), llegó a Oslo para protagonizar una nueva versión de John Gabriel Borkman. "Un nuevo capítulo en la historia del teatro europeo", dijo Le Monde sobre este montaje del Schaubühne, a cargo de Thomas Ostermeier. En el elenco también participó Angela Winkler, ganadora del premio Año Ibsen 2006 por sus trabajos en personajes de ese autor.
Por su parte, el artesanal Chorus Repertory Theatre, del director indio Ratan Thiyam, presentó una aplaudida versión de Al despertar de nuestros muertos , con efectos especiales, artilugios visuales y un coro de cantantes.

Acento porteño
El jueves último, a las 19.30, una fila entusiasta, con espectadores de todas las edades, se agolpó en la puerta trasera del Teatro Nacional. Es que allí, detrás del escenario principal, en su trastienda, se montó el decorado minimalista de Todos los gobiernos han evitado el teatro íntimo, obra de Daniel Veronese que se basó en Hedda Gabler, de Ibsen. Allí, la nueva platea eventualmente armada por la producción se llenó (se vendió hasta la última entrada) para recibir con aprobación, risas y sorpresa la propuesta de los argentinos. Sin duda, es una de las joyas del teatro independiente actual y los europeos que conocen tan minuciosamente la obra de Ibsen, captan el detalle y celebran cada actuación hasta no permitir que los actores se retiren luego de tres saludos. Y una sala completa de pie, lógico. A la función siguiente, lo mismo. "Es fantástico como, con humor, emoción y cierto distanciamiento no abandonan el drama de Hedda Gabler", comentó a este cronista una fotógrafa local. Un orgullo.
Anteayer se presentó el elenco griego para representar The Lady From the Sea , en la sala principal del Teatro Nacional. Ya desde el foye r, uno respira las voces y los atuendos que, durante cientos de años, transitaron por ese escenario. Arañas inmensas, cielos rasos rococó y palcos con cariátides que parecen acariciar a sus espectadores son el marco ideal para embriagarse de teatro, desde el comienzo.
El elenco, dirigido por Eirik Stubø, uno de los "chicos rebeldes" del teatro europeo actual, conmovió al efusivo público noruego, que los aplaudió sin parar. El director hizo trabajar a su elenco de primeras figuras de la escena griega en un gigantesco escenario vacío, sin el mínimo elemento de utilería ni ningún decorado. Allí solitos, como en el vacío, volvieron expresionista al realismo en una propuesta coral e íntima a la vez, donde el actuar parece prohibido, pero el sentir es la esencia.
Quedan unas cuantas propuestas, además de las locales, una china y otra sueca. Pero no es una maratón de obras. El Festival Ibsen no es compulsivo. No es de esos eventos en los que hay que correr de un teatro a otro. Es metódico, prolijo y cuidado. Como Noruega.

Ibsen en su tierra
Las últimas semanas del verano nórdico ya acarician la capital noruega con un clima amable, con el sol y las nubes disputándose el dominio del cielo y algún viento que advierte sobre lo que se viene. Ellos andan tranquilos, como siempre, inundando las calles de noche y de día, despechugados como si los 18 grados de máxima fueran 25. Más aún, con tres festivales culturales en una semana. Concluido el de Opera, acaba de comenzar el Festival de Tendencias Musicales Contemporáneas Ultima, que hace un repaso por toda la vanguardia escandinava en materia de música y danza.
Pero La Nacion está en Noruega, gracias a su embajada en la Argentina, para seguir los pasos del vigésimo Festival Ibsen, de teatro. Todavía resuenan los ecos de la presencia de Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo, la versión que Daniel Veronese hizo de Hedda Gabler. “Sin dudas, lo mejor que he visto en estas dos semanas”, dijo el reconocido director Kamaluddin Nilu. Algo similar, comentó la crítica teatral cubana Yohayna Hernández.
En estos últimos días, el Teatro Nacional sólo compartió su bandera con las de China y Suecia, ya que las demás puestas fueron locales. Salvo excepciones, la tendencia del encuentro apunta a montajes ascéticos, estáticos y un premeditado distanciamiento. Como el montaje local de Casa de muñecas, dirigido por el francés Laurent Chétouane, que apunta a la representación de la representación y todo aquello que la compone. Desde su escenografía, compuesta por estructuras de madera que tal vez podrían convertirse en utilería, logra generar un esqueleto, cuya extrema frialdad tal vez le quite matices. Los intérpretes recorren el espacio escénico en forma permanente cuando esperan su turno para salir a escena, como para que el espectador no olvide que eso no es verdadero; la protagonista (un cruce entre Nora y Antígona) actúa su personaje en forma casi monocorde, pasando una a una las páginas de su libreto y sin moverse de su sillón, mientras algunos otros se interrelacionan a su turno.
Un poco más lejos del Teatro Nacional, pasando por el bohemio barrio de Grünerløkka, se encuentra el pequeño teatro Torshov (también oficial). A esta sala casi alternativa, de portentosa fachada, se accede por una escalerita que conduce a un espacio escénico en semicírculo, con piso de pedregullo negro. En un nivel superior, un actor recita textos sobre la paternidad, con voz en off amplificada. Luego, el resto del numeroso elenco irrumpirá y armará una extensa mesa articulable y desarmable que cruza la escena e impone el límite, contundente. Así comienza la propuesta noruega de El padre, del vecino August Strindbeg, única obra que no pertenece a la dramaturgia de Ibsen en el Festival. La directora Victoria H. Meirik condujo a sus actores hasta los bordes mismos de sus emociones, con un conocimiento minucioso. A su vez, le impuso a su montaje una importante fuerza escénica y dramática, a partir de un elenco virtuoso, del que merecen destacarse los nombres de sus dos protagonistas: Henrik Mestad y Andrine Sæther.

El padre

En el Teatro Nacional, se presentó esa hermosa metáfora que es El maestro constructor (The Master Builder), de Ibsen, a cargo de Lin Zhaohua, una de las principales figuras de la escena china. En ella participan actores populares de ese país, pero en un montaje también con escasas acciones para semejante escenario. Irremediablemente, la dramaturgia camina muy adelante de los intépretes. De todas formas, Zhaohua impuso a su puesta unas pinceladas estéticas y musicales exactas, preciosistas, como para que el espectador salga de la sala con cierto nudo en la garganta.

El maestro constructor

Deconstrucción Ibsen 1: Espectros

Pero sin dudas, una de las mejores propuestas de este célebre festival noruego es Deconstrucción Ibsen 1: Espectros. En el escenario menor de este gran teatro, un dúo de excelentes actores suecos: Rafael Pettersson y Nils Dernevik, ofrecieron una clase magistral de actuación con la fantástica versión que Jörgen Dahlqvist hizo de Espectros. El dramaturgista tomó a dos de los personajes de la obra, uno masculino y otro femenino, y “deconstruyó” la pieza, pero para cavar hondo en el sentido de su trama. Lo femenino y lo masculino está encarnado en ambas criaturas, no sólo a través de su vestuario y maquillaje, sino en la sutil y a la vez intensa interpretación. La directora Linda Ritzén llevó a los actores por senderos a través de los cuales sus criaturas descubren (o intentan hacerlo) cuál es el motivo de su presente y su destino. No sólo se amarán y combatirán al mismo tiempo entre ellos, sino que bucearán en las fosas más profundas de sus vidas, para reencontrarse, alejarse y volverse a encontrar. Por momentos se ahogarán, en otros podrán volver a la superficie. A veces en la paz, a veces en la locura. Inclusive a fuerza de repetición. Y, por instantes, mirarán al público fijamente, como responsabilizándolo. Imposible no salir estremecido de este impresionante trabajo.
Luego de que el gran dramaturgo noruego Jon Fosse recibiera el Premio Festival Ibsen 2010 (que consiste nada menos que en 300 mil euros), el Festival culminó con su obra estrella: la noruega Ibsen Machine, un trabajo artesanal de dos horas y media donde el dramaturgo Sebastian Hartmann jugueteó con distintos personajes del universo Ibsen para hacerlos interactuar en una locura sofisticada y muy bien interpretada.
Sobre el anochecer del viernes, la iluminación urbana hacía que la figura del monumento a Ibsen se agigante sobre una de las paredes del Teatro Nacional. Fue la imagen perfecta para cerrar su inolvidable fiesta, en su propia casa.

Ibsen Machine

El gran Teatro Nacional
OSLO.- El Teatro Nacional de Noruega, con su monumento a Ibsen como custodia imponente, es una joya de la arquitectura inaugurada en 1899 (único momento en que el dramaturgo pisó esa sala). Por dentro es imposible no enloquecer la mirada, tanto por su arquitectura y diseño como por su organización. Con frescos en los techos de la sala, en el foyeur y en otros diferentes sectores, tiene un estilo barroco que lo embellece. A su, vez, por sus paredes desfilan innumerables cuadros de los actores, directores y dramaturgos que pasaron por sus escenarios; y por dentro, los palcos presentan cariátides únicas.
El 9 de octubre de 1980, un proyector cayó sobre el escenario en plena función, a sala llena cuando se representaba The Kingfisher. El fuego envolvió la escena inmediatamente, pero por fortuna no hubo víctimas y las llamas no se extendieron más allá del proscenio. Su capacidad es para 780 personas aproximadamente, aunque su caja escénica, en su totalidad, es mucho mayor que la platea, y tiene salida hacia la calle trasera.
Tiene todo lo que un teatro oficial debería tener, desde un importante presupuesto que le destina el Ministerio de Cultura como para hacer grandes y pequeñas producciones, y todas las comodidades para espectadores y empleados. El 20 por ciento de sus ganancias es a partir de la venta de entradas, mientras que el 80 restante proviene del Estado nacional.
Esta institución cultural amada por los noruegos produce entre 12 y 16 producciones anuales, que se comunican oficialmente en enero y agosto. La permanencia de las mismas es de acuerdo a la aceptación del público, aunque teniendo en cuenta la cantidad de habitantes de Oslo, el promedio en que las obras están en cartel es de aproximadamente 30 funciones.
El Anfiteatro es la sala mediana, inaugurada en 1963, y reformada sucesivamente, en 1980 y 1999, año en que se la “agrandó” para dar lugar a unos 210 espectadores. Entretanto, la sala más pequeña es The Paintshop, con capacidad para 65 personas.
Es llamativo como, antes de acceder a la sala, los espectadores pueden dejar sus abrigos en una fila de percheros sin que, a la salida, nadie se lleve nada equivocado. A su vez, el entreacto es casi una ceremonia, donde la gente acude a la barra del foyeur o al bar del primer piso para tomar un trago antes de que comience el segundo acto.
Un dato curioso: no hay talleres de vestuario ni escenografía en el Teatro. Están en otro edificio, en las afueras de la ciudad. Pero cuentan con un enorme camión propio que se ocupa de los traslados.

DE ANNIE A HANNIGAN

2010-08-24T02:35:00.004-11:00

Foto gentileza de: Mitch DanForth

Andrea McArdle vuelve a Annie

Por Pablo Gorlero

El 21 de abril de 1977 se estrenó en Broadway una de las comedias musicales que harían historia: Annie, con libro de Thomas Meehan, letras y dirección de Martin Charnin y música de Charles Strouse. Estaba basada en una historieta de Harold Gray llamada Little Orphan Annie, que salió diariamente en el Chicago Tribune, desde 1924. Charnin se enamoró de esos personajes: una huerfanita, con un perro lleno de pulgas, adoptada por un ultramillonario. Y en torno a ellos imaginó las vidas de cada uno de ellos, los personajes que los circundan y un contexto social signado por la Gran Depresión del 30. Era un gran riesgo: trabajar con un grupo de niñitas y un perro, y hacer cantar nada menos que al presidente Franklin D. Roosevelt. De más está decir que se convirtió en una de las comedias musicales más adoradas y ni siquiera Gray hubiera imaginado que sus criaturas tuvieran una vida tan frondosa. Estuvo seis años ininterrumpidos en cartel (con varias reposiciones) y su protagonista fue Andrea McArdle, una niñita que hizo lagrimear a más de uno en aquella oportunidad. Hoy, Andrea McArdle vuelve a trabajar en Annie, aunque para interpretar a la Señorita Hannigan, regente del orfanato y villana de turno. Esta vez es ella quien debe soportar los pisotones de las nenas. La obra se estrenó en el prestigioso North Carolina Theatre, dirigida por Casey Hushion, con English Bernhardt, como Annie. Ya de grande, McArdle también trabajó en otros musicales como Los miserables, La Bella y la Bestia, Starlight Express, Gypsy y State Fair.
En la Argentina, Annie se estrenó en 1982, en el teatro Lola Membrives. Las niñas que participaron en ese montaje se eligieron a través de un programa televisivo conducido por Pinky (a su vez, una de sus productoras). Noelia Noto -hoy en día radicada en España- fue la protagonista, y Cecilia Campos su alternante. Entre las demás "huerfanitas" se encontraban Eleonora Wexler y Nancy Anka. El resto del elenco protagónico lo completaban Raúl Lavié, María Alexandra, Jovita Luna, Héctor Pilatti, Laura Rivó, Jorge Larrea, Guillermo Marín y Rodolfo Valss.
Actualmente, en Monterrey (México) se está por estrenar una nueva versión de Anita, la huerfanita.

Glee

2010-07-18T16:56:00.012-11:00

Idina Menzel y Kristen Chenoweth, en Wicked

Matthew Morrison, en Glee y en Miss Saigón

Matthew Morrison, en 10 Million Miles

Lea Michele, en Glee

Nota publicada el sábado 10 de julio de 2010, en La Nación

Con el talento de Broadway

La serie se transformó en una ventana para los intérpretes de musicales

Por Pablo Gorlero

Hasta el año pasado, difícilmente un intérprete de musical de Broadway conseguía acceder a un protagónico en una serie televisiva. Concretamente, hasta la aparición de Glee. Claro que hubo excepciones, y Debbie Allen (Amor sin barreras, Sweet Charity) pudo ser protagonista, y luego directora y productora de la serie Fama, uno de los grandes íconos televisivos de los años 80.
La aparición de Glee es el puente que estaba faltando entre Broadway y la televisión. Tanto es así que la página oficial de la serie en Facebook lanzó esta encuesta: "¿Qué estrella de Broadway querés en Glee?". Y allí figuran los nombres de Bette Middler, Julie Andrews, Carol Burnett, Lea Salonga, Adam Lambert, Betty Buckley y Megan Mulally, entre muchas otras. Y todos ellos, famosos y desconocidos, quieren pasar por esa "ventana" que trasciende la Gran Manzana y puede volverlos masivos, algo por siempre dificultoso para los artistas del género musical.
Glee reivindica el espíritu de Broadway a través de esos sublimes fragmentos cantados de sus obras, pero también en el alma de aquellos talentosos intérpretes integrales que transmiten las emociones más intensas a través de la palabra cantada o del movimiento. Así Matthew Morrison, quien trabajó en las comedias musicales Footloose, The Rocky Horror Show, Hairspray, 10 Million Milles y The Light in the Piazza, hoy es una estrella a la que le "llueven" proyectos. Y para hacer alarde de su talento, en la última entrega de premios Tony demostró durante varios minutos cómo puede bailar y cantar sin parar, con el magnetismo de una estrella consumada.
Por su parte, el revolucionario musical Despertar de primavera -ya fuera de cartel- dejó como legado extra a sus dos protagonistas: Lea Michele y Jonathan Groff, y a una integrante del elenco, Jenna Ushkowitz. La carismática Michele va camino de convertirse en una de las figuras jóvenes más solicitadas de Hollywood a través de su atractivo personaje Rachel Berry, hija de un matrimonio compuesto por dos hombres.
Por su parte, Idina Menzel y Kristen Chenoweth, las dos impresionantes protagonistas originales de Wicked, hoy superestrellas de Broadway, también tuvieron su lugar en Glee, con personajes intensos, donde demostraron que no sólo cantan maravillosamente, sino que son unas actrices espléndidas. A su vez, tuvieron sus participaciones Victor Garber y Neil Patrick Harris, entre otros.
Glee nos regala instantes inolvidables a los amantes del musical porque logra integrar el alma del género a su atractivo argumento. El momento en que Menzel interpreta a dúo "I Dreamed a Dream" (de Los miserables) con Lea Michele -su hija natural en la ficción- resulta un tour de force inolvidable. Otro de los momentos más sublimes de su primera temproada es cuando Chris Colfer (el adolescente gay, cuya relación con su ultramasculino padre mecánico es conmovedora) interpreta a dúo con Lea Michele, "Defying Gravity", el dúo musical que cierra el segundo acto de Wicked.
Glee sirvió tanto para reafirmar la "nueva comedia musical" -donde el rock más salvaje es el que rige sus partituras, donde la realidad, la ironía y la vida sin oropeles circundan sus letras y sus tramas-, como para recuperar el romanticismo clásico e incorporarlo a su contemporaneidad.

Carta a los senadores por el matrimonio entre personas del mismo sexo

2010-06-24T16:57:00.005-11:00

La emotiva carta que escribió a los senadores un joven adoptado por un padre gay

"¿Entienden con el corazón lo que es ser gay?", le pregunta a los legisladores que tratan el proyecto de ley que autoriza el matrimonio entre personas del mismo sexo; además, el adolescente de 16 años aclara: "Creen que mi viejo me inculca el ser gay o me puede contagiar, ¡se equivocan! A mí me gustan las chicas".

Publicada en el diario La Nación, el 24 de junio de 2010.

Un adolescente de 16 años escribió una conmovedora carta a la Cámara de Senadores en la que se debate el proyecto que autoriza el matrimonio entre personas del mismo sexo, que ya tiene media sanción de Diputados. Se llama Daniel Lezana y les dice a los a los legisladores: "¿Ustedes entienden con el corazón lo que es ser gay?"
El joven cuenta brevemente su historia en la que lo separan de su hermano menor del hogar en el que vivían transitoriamente y cómo cinco veces distintas familias se lo llevaron y lo devolvieron. "¿Por qué nadie me quería?... todas las noches me lo preguntaba, hasta que me dormía, sin respuestas...", relata Daniel.
En el medio de la polémica instalada por el debate del proyecto que cuenta con media sanción, el adolescente decidió expresar su opinión porque, según él, estuvo el pasado 8 de junio en el recinto escuchando las posturas de los distintos oradores y él también quería hacer lo mismo.
En uno de los párrafos más destacados de la carta, Daniel habla de su orientación sexual. "Para los que piensan o creen que mi viejo me inculca el ser gay o me puede contagiar, ¡se equivocan! A mí me gustan las chicas y ¡mucho!", afirma fervorosamente.

El siguiente es el texto que escribió Daniel y que envío a cada uno de los senadores que por estos días discuten en comisión el proyecto de matrimonio entre personas del mismo sexo.
Sres. Senadores:
Mi nombre es Daniel Lezana, soy hijo de Luis Lezana, tengo 16 años y nos adoptamos hace seis, por eso ahora puedo llevar nuestro apellido.
El martes 8 de junio, estuve con mi papá en el Senado, escuchando las distintas opiniones, entonces yo, también quiero dar mi opinión.
Yo no divido a la gente por su sexualidad, héteros, homos, travestis... y demás, posibilidades.
Mis padres biológicos eran heterosexuales y por esas cosas de la vida, con mi hermanito, terminamos viviendo en un hogar (no quiero hablar del porqué).
Cuatro veces más, intentaron adoptarme, familias heterosexuales, y me devolvieron, porque decían que era travieso, una vez me devolvieron por que les puse mucha comida a los pececitos y se murieron, al parecer por comer mucho. Y las otras veces no recuerdo bien, sólo tenía más o menos 8 añitos.
Con todo esto, yo no digo que todos los héteros son malos, es más, yo soy hétero, me gustan las chicas y soy buena persona.
A los 10 años, apareció en el hogar Luis, mi papá del alma, como nos llamamos nosotros. Entonces el juez me dijo: "Mirá Dani , hay un Sr. soltero, que tiene un perro grande que se llama Carolo, y quiere adoptarte". Yo no lo podía creer, había una nueva esperanza para mí, yo pensaba que iba a terminar en el hogar como muchos de los chicos grandes. Ya a mi hermanito lo habían adoptado porque era muy chiquito, él sí había tenido suerte... y yo, ya era grande, ¿por qué nadie me quería?... todas las noches me lo preguntaba, hasta que me dormía, sin respuestas...
Y así fue que nos vinimos a Buenos Aires. Al principio no fue fácil. Luis es arquitecto, así que la casa siempre es un lío, siempre está remodelando algo, no tiene descanso... jajaja. Luis es re hincha, todo el día está diciendo: ¿estudiaste?, ¿te bañaste?, ¿te lavaste los dientes... ¡¡Ufa digo yo!!, ya estoy harto... pero, cuando me voy a dormir por las noches, sé que él siempre sube a taparme y a darme un beso en la frente, qué molesto... ¿no? jajaja.
Cuando pasó el tiempo y me animé a hablar con mi viejo de lo que es la homosexualidad, al principio, no me gustó, pero porque no lo entendía. A ustedes señores senadores, les debe pasar lo mismo ¿no...? ¿Ustedes entienden con el corazón lo que es ser gay?
Después con el tiempo, empecé a ver con mis ojos del corazón a Luis y Gustavo (su ex pareja, ahora se separaron)... también soy hijo de padres separados... ojo con mis traumas... jajaja. A mí, me hubiera gustado que Luis y Gustavo se casen, hubiera tenido dos papás.
Cuando vivíamos los cinco (había dos perros), todo era más divertido. Luis (mi viejo) era el malo y nosotros éramos sus víctimas... jajaja... era muy divertido, todos estábamos en su contra, él siempre tiene que organizar todo.
Según Luis (y yo me río mucho) tiene que ser madre y padre a la vez...¡es un personaje! A todos los hijos que se crían sólo con un papá o una mamá, les pasa lo mismo ¿no?, sus papás cumplen los dos roles, el mío lo hace y a veces, es re pesado.
Nosotros somos una familia, les guste o no a muchos, esta es mi familia.
Para los que piensan o creen que mi viejo me inculca el ser gay o me puede contagiar, ¡se equivocan! A mí me gustan las chicas y ¡mucho!, pero ¿qué pasa si fuera gay?, ustedes creen que es porque me crío un gay... mmm... yo no lo creo. Ahora que estoy escribiendo por los derechos de mi viejo y los míos, quisiera, que él se casara. Como me voy a casar yo el día de mañana.
El, cuando se case, lo va hacer con otro gay, que sienta como él. No se va a casar con los héteros, ¿de qué tienen miedo?, ¿qué los gays son una plaga que nos van a invadir?, Si se casa mi papá, el boletín de la escuela lo van a poder firmar los dos, a las reuniones del colegio puede venir cualquiera de ellos. Quiero tener los mismos derechos que tienen mis compañeros del colegio, y si ellos (mis papás), se separan, tener los mismos derechos, que tienen los hijos de padres separados... sus hijos los tienen y yo no, ¿por qué?
Bueno, lo último, yo estoy orgulloso del padre que tengo, de él aprendo que en la vida hay que luchar por las cosas que queremos, y yo, querido viejo, siempre estaré a tu lado.
Y por favor señores senadores, los gays se van a casar entre ellos, no tengan miedo, no se van a casar con ustedes.
Muchas gracias.
Daniel Lezana

Se terminó el despertar

2010-06-23T01:59:00.006-11:00

Despertar de primavera bajó el telón

Por Pablo Gorlero

Cuando se estrenó Despertar de primavera, la versión musical de la obra de Wedekind, el 19 de marzo, quien esto suscribe y un grupo de amigos coincidieron en que la obra que se había presentado era de una gran calidad en cada uno de sus aspectos, pero no se trataba ni de una comedia musical convencional, ni de un clásico de la dramaturgia universal, ni de un espectáculo para adolescentes. Difícil imaginar qué target de público iría a verlo. Es complejo, no es taquillero (ni siquiera en Broadway fue un gran éxito a pesar de los premios) y forma parte de este grupo de nuevos musicales, de factura atípica, que demuestran que el género está en permanente evolución. Y esa evolución es necesaria.

Despertar de primavera corrió con la desventaja de haber sido uno de los primeros de su tipo (en la Argentina). No le fue muy bien, tampoco mal, pero no lo suficiente como para amortizar semejante producción. El domingo se terminó y tuvieron que agregar una función más, debido a la demanda. El joven elenco y todo el equipo técnico hasta utilizaron su emoción del final para saltar y bailar con el "Bla-bla-blá", el potente tema musical más celebrado de la obra. Los fans gritaron como en un recital de rock y algunos hasta fueron disfrazados como los personajes. Los productores tuvieron ausente con aviso.

Tal vez Despertar de primavera haya dejado en la historia del género musical vernáculo a uno de los mejores elencos. Todos y cada uno de los elegidos por la producción y el director Ariel del Mastro (también en uno de sus mejores trabajos) lograban una fuerza unívoca difícil de olvidar. ¿Un consagrado? Sin dudas, Federico Salles, como Moritz.

Crítica de Despertar de primavera en La Nación.

Última función de Despertar de primavera, el domingo 21 de junio

La Bella y la Bestia otra vez en Buenos Aires

2010-06-20T04:07:00.010-11:00

Marisol Otero y Juan Rodó, en 1998 Omar Pini, Juan Rodó y Pablo Lisazo, en 1998

Pasado y presente del primer musical de Disney en Buenos Aires

Por Pablo Gorlero

En 1996, Daniel Grinbank se asoció con empresarios mexicanos con la idea de transformar a la avenida Corrientes en un símil latinoamericano de Broadway. Y comenzó con un promocionado contrato que firmó con el mismísimo Roy Disney para llevar a escena los musicales de esa fábrica de entretenimiento, en los principales centros culturales de América latina y de España. El puntapié inicial fue La Bella y la Bestia , en 1998, con una puesta que deslumbró a Buenos Aires.
Y sí, aunque ya se habían visto montajes impresionantes, como Cats o El beso de la mujer araña , podría decirse que este musical de Linda Woolverton, con letras de Howard Ashman y Tim Rice, y una partitura preciosista de Alan Menken, fue un emergente en la historia del género en la Argentina.
Cuando se estrenó en Broadway, en marzo de 1994, así como despertó admiración también elevó múltiples críticas por su recargada maquinaria escénica. Se hablaba de una suerte de "hollywoodización" de Broadway. Era verdad. ¿Pero está mal? Los musicales despojados pueden convivir con la parafernalia.
La versión argentina de aquel entonces nada tuvo que envidiarle a la estadounidense. Por el contrario, contaba con el agregado de una energía palpable y de interpretaciones inolvidables.
La señoría y la potencia de Juan Rodó, como Bestia, tenía un complemento perfecto con una debutante Marisol Otero, que derrochaba dulzura. Diego Jaraz era imparable como villano; con su elasticidad y gracia, Gustavo Monje demostraba que es uno de los mejores artistas integrales; Omar Pini, exacto y simpatiquísimo como Dindón; Rodolfo Valss, un papá loquísimo, y una pizpireta Alejandra Radano, como Babette. El elenco completo era impecable. Si hasta Elena Roger hacía pequeños papeles (una de las chicas bobas, por ejemplo). Pero hubo tres actores que fallecieron muy pronto, antes de tiempo. Nelly Fontán, deliciosa como ropero; Mónica Núñez Cortés, que irradiaba la ternura necesaria para su Potts; y Pablo Lisazo, un sinónimo de comedia musical, cuya labor es inolvidable.
Cuando se estrenó este año me resistía a verla. ¿Conservaría la magia de hace más de una década? ¿Aquel elenco impecable podría igualarse? Tardé unos cuantos meses en comprobarlo. La nueva edición de La Bella y la Bestia conserva ese preciosismo de las comedias musicales clásicas, de textura y factura impecable. Claro, el encanto no es el mismo. En aquél entonces, cuando en el prólogo, la bruja se elevaba por los aires y convertía al joven príncipe en una bestia despertaba sorpresa, admiración y era el encantamiento perfecto para lo que vendría después. Lo mismo ocurría con el armado escenográfico del castillo. Cuando aparecía en escena, en cada función se oía un murmullo de exclamación en la platea. Hoy los artilugios escénicos y los efectos especiales son moneda corriente. Ya no despiertan tanta sorpresa. Pero es una obra en la que uno no puede no pasarlo bien.
Para mí la gran sorpresa fue el dúo que componen Magalí Sánchez Alleno y Martín Ruiz, como Bella y Bestia, debutantes en roles protagónicos. Magalí es la Bella perfecta. Como si el personaje hubiera encontrado a su intérprete ideal. Voz, presencia y encanto la consolidan en este trabajo. Entretanto, Martín Ruiz no tiene la estatura imponente de Rodó, pero se descubre como un actor que supo encontrarle el alma a su criatura. Supo cómo sacarle lo horrorífico y lo entrañable. Es un personaje complejo que tiene tránsitos rápidos. Pero Ruiz le puso el alma que la Bestia necesitaba. Ambos hacen una dupla perfecta.
Federico Moore consigue encontrarle la gracia a Gastón. Se apoyó más en la composición del villano simpático que en la del odioso. Y cumple muy bien con ese propósito, correctamente acompañado por Roger González, como Lefou. Otro papel muy logrado es el de Babette, a cargo de Ana Fontán. Tanto Carlos Silveyra como Ricardo Bangueses logran trabajos muy buenos. Pero es en la conexión entre ambos donde uno añora esa dupla entrañable que conformaban Lisazo y Pini en el 98. El resto del elenco muy bien. Y habría que destacar algunas perlitas: Walter Canella, que supo sacarle mucho provecho a Monsieur D'Arque, un personaje bastante anodino; y el trío que componen Florencia Vitterbo, Jimena González y Jorgelina Maglio (sobre todo esta última), como las Chicas Bobas.
En los papeles protagónicos dos actores vuelven a estar en el elenco: Marisol Otero y Rodolfo Valss. Es evidente que Marisol Otero -la Bella anterior- supo lo que hizo cuando se postuló para otro personaje: la Señora Potts. Dota a su personaje del encanto que necesita y cuando canta "La Bella y la Bestia" entrega uno de los mejores momentos del espectáculo. Por su parte, Rodolfo (debería contarlas, pero tal vez sea el actor que más comedias musicales haya hecho en el país) vuelve a incorporar al viejo Maurice a su cuerpo. Y su personaje ha evolucionado en el mismo cuerpo que hace doce años. Compone a un viejito simpatiquísimo que vuelve muy vivo el vínculo con su hija, la heroína de la historia.

Rodolfo Valss, como Maurice en las dos versiones

Escenas de la versión 2010

SERGI LÓPEZ

2010-06-13T06:41:00.007-11:00

(Extensión de la entrevista realizada para La Nación y publicada el 26 de abril de 2010.)

"SOY UN TIPO DE SUERTE"

De villano en El laberinto del fauno, Sergi López pasó a ser un padre abnegado en Ricky y un amante sin límites en Partir

Por Pablo Gorlero

Allí, muerto de calor, luego de una docena de entrevistas, en uno de los sillones más cómodos del Four Seasons porteño, Sergi López no pierde el humor ni la sonrisa. Es un tipo macanudo. "¿Cómo voy a estar cansado si soy un afortunado? Estoy acá porque no paro de hacer películas", dice con absoluta sinceridad y convicción.
Cuenta que el cine llegó a su vida casi por casualidad, pero que ama el teatro; que sabe muy bien que, sin ser el prototipo del galán, lo llaman seguido para hacer personajes sensuales, y que le divierte muchísimo encarnar al malo de la historia.
Ya a estas alturas es bien conocido por estas latitudes. Pero un currículum que incluye títulos, como Harry, un amigo que te quiere bien, Negocios riesgosos, El laberinto del fauno, Una relación particular, El cielo abierto y Sólo mía, entre una treintena de títulos, lo llevaron a convertirse en una importante figura del cine internacional, idolatrado de igual forma en Francia y en España. Precisamente, Sergi llegó a Buenos Aires hace un mes para presentarse en la semana del cine francés. Dos títulos de ese origen se estrenarán este año y lo cuentan como protagonista: Ricky, de François Ozon, y Partir, de Catherine Corsini.
En la primera, comparte cartel con Alexandra Lamy y una nena impresionante: Melusine Mayance. "No había visto las películas de François Ozon, pero lo conocía a él. No es un tipo campechano, sencillo y en camiseta, sino un poco sofisticado, un dandy . Hace unas películas muy cuidadas y siempre te lleva por pistas falsas", avanza Sergi. Y algo de eso tiene que haber para que Ozon se aventure a realizar un film cuyo protagonista es un niño con alas, fruto de un enamoramiento entre dos obreros. Está lejos de Tobi , aquella emblemática película española de 1978, en la que un niño alado era señalado por la sociedad. "No es una película común. Una fábrica, una familia monoparental, este tío que luego aparece, un bebe, malos tratos y luego... ¿cómo que tiene alas? De entrada, cuando la leí pensé que era una gilipollas enorme, una boludez de campeonato. Me di cuenta de que era un riesgo. La famosa frase del niño con alas es una trampa. Puede parecer una convención comercial, pero es un gran riesgo. Aunque me di cuenta de que la historia sería la misma si, en lugar de alas, el niño tuviera una alergia", explica el actor. "Ozon no puede evitar contarte historias para dejarte perplejo sin saber a qué sitio irán. Todo es misterioso e inquietante. No sabes por dónde te va a salir y eso a él le encanta. En Francia, hicieron la táctica de no decir nada de qué se trataba. Pero en España, hice todo al revés. Les conté a todos lo del niño con alas. Porque, en definitiva, en esta historia está todo el mundo como fuera de lugar."

Dos imágenes de Ricky, de Francois Ozon

-¿Cómo se siente eso de estar tironeado por dos países?
-Es surrealista. Se vive bien, es un privilegio. Sólo faltaría que me queje, ¡hostia! Es proporcional lo bien que me va con lo inesperado. Soy de Vilanova i la Geltrú, al sur de Barcelona, al lado de Sitges. Me fui a París a estudiar a la Ecole Internationale de Théâtre et Mouvement, de Jacques Lecoq. Había trabajado con un muchacho que estaba en esa escuela. Tenía 25 años, ahora tengo 44. Fue en el 90. No era tan jovencito, es decir, no empecé a los 16. Allí, de casualidad, vi pegado un papelito en la secretaría que decía: «Se busca actor con acento español para primer largometraje de cine». ¡Hostia! Yo hablaba francés fatal y fui por curiosidad. Así comencé. Como el director no tenía todo el dinero para hacerla decidió rodar los primeros diez minutos para ir a buscar los fondos que le faltaban con ese material. El tío me cogió, estuvimos rodando una semana y un fin de semana y, al año siguiente, cuando empecé nuevamente la escuela, me llama y me dice: “Sí”. “¿Sí qué?”, le pregunto. “Que he encontrado el dinero y que nos vamos dos meses a Normandía a rodar”. Le dije que no podía. Me dijo que estaba loco. Si no iba, para él era una putada. De todos modos, le expliqué: “Yo no he venido aquí a hacer cine. Esto es una escuela privada, la pago yo, me cuesta una pasta que te cagas… Además la escuela está muy bien, está muy bien de creación”. Pero me dice: “Esto es cine”. Realmente no podía dejar la escuela dos meses, porque no son cursillos. Es una carrera, con muchas materias, vas del clown a los bufones, a la tragedia, a la Commedia dell’Arte… Si te tienes que ir dos meses, tienes que dejarlo. Al final nos pusimos de acuerdo. Filmamos dos fines de semana. Entonces te das cuenta de que me encontré con el cine por accidente. Tengo amigos que, de jovencitos, se han ido a Londres, a los Estados Unidos o a Francia, porque querían hacer cine. Pero para mí fue de casualidad. Mi relación con Francia es de puta madre, no lo entiendo muy bien porque tengo acento catalán y hablo francés con acento marcado. Cuando terminé esa película, me sugirieron que me quedara a hacer «mi carrera de cine» allí. ¡Si yo iba a hacer teatro! Me proponían papeles de inmigrantes españoles, pero siempre de inmigrante-inmigrante. No sabía adónde iba a parar eso. Además, París es una ciudad cara. Y esa idea de actor, de sufrir en casa esperando a que me llamen, no me va. Porque si eres actor y no te llaman para actuar, te pones en duda tú mismo. En cambio, poder hacer cosas propias te da una fuerza brutal. Por eso, el teatro me ha salvado la vida y la escuela de Lecoq también. Allí aprendes a trabajar sobre la idea de crear y utilizar la improvisación para desarrollar temas. Te sugieren cosas y puedes escribir sobre ellas. Estamos hablando de la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq. Éramos casi todos extranjeros, había algunos argentinos también. De 50 tipos en mi clase sólo dos eran franceses. Bueno, reaalmente no podía dejar la escuela dos meses, porque no son cursillos, sino materias. Vas del clown a los bufones, de la tragedia a la Commedia dell’Arte… Si te tienes que ir dos meses, déjalo. Bueno, entonces nos pusimos de acuerdo con el director y filmamos durante dos fines de semana.

El cielo abierto

-¿Ese modelo aprendido en la escuela de Lecoq tomaste para tu unipersonal Non solum?
-Sí, todavía lo estoy haciendo. Todo lo que hago en teatro es creación personal. Lo demás, me viene de suerte. Estrenamos esta obra hace cinco años, en catalán. Al cabo de un año la presentamos en francés, y desde hace tres meses, en castellano. Pronto iremos a Madrid. Antes hacía teatro con otro compañero, un espectáculo de clown, sin nariz roja, pero dos horas de clown… Lo tuve que dejar porque en teatro ahora te sale una fecha y es así. En cambio en cine, el plan es rodar en septiembre octubre y después termina siendo noviembre-diciembre. Es un cachondeo. Las fechas se mueven. Entonces fue complicado. Porque cuando no me conocía nadie, como éramos dos, en lugar de ir yo a la obra de teatro encontrábamos a un sustituto para ambos. Y cuando a mí no me conocía nadie no había problema, pero cuando me empezaron a conocer un poco y en mi lugar iba un tal Luis Guerrero, que no conocía nadie… Incluso mi compañero era más conocido que yo: Tony Albá. Bueno, lo dejé y estuve tres años sin hacer teatro y estaba en una moto… Cuando veía amigos míos sobre un escenario me daban ganas de ponerme a actuar, a escribir, a improvisar.
Non solum

-¿Estás preparando otro espectáculo?
-Estamos hablando mucho con Jorge Picó, otro tío que estuvo conmigo en la escuela. Nos hemos ido haciendo amigos y su mujer trabaja conmigo. Con Jorge estamos hablando de muchas cosas, queremos escribir otra obra y canciones, una película, un libro, etcétera.
-¿Elegís mucho el trabajo?
-Sí. Por eso, no me quejo mucho. Lo que me pasa es una exageración y hasta me da vergüenza. Me mandan cosas para leer de Francia, de España, de Inglaterra, de los Estados Unidos y, físicamente, no puedo hacer todo. Entonces tengo que escoger por cojones. Intento hacer sólo cosas que me gustan. Y si nada me gusta, pues no hago nada. Estoy supercontento.
-¿Qué debe tener un proyecto para que lo aceptes?
-No lo sé… Tengo poca cultura cinematográfica, entonces no me puedo guiar por nombres. He trabajado muchas veces con directores desconocidos que resultaron ser "number one". Y películas que yo ni me he imaginado y personajes que ni se me hubieran ocurrido y han acabado siendo brutales. Por eso intento no tener ninguna idea preconcebida de lo que espero. Es curioso porque este privilegio que tengo de que me manden cosas a veces no te sirve de nada. Basta que te digan que estaría bien hacer una comedia para que te manden una comedia que no te gusta. O tienes ganas de hacer un mafioso, pero después lo lees y no te gusta.
-¿Por dónde te pega la elección de una historia? ¿Por cómo está escrita o desde la visión del actor para encarnar tal o cual personaje?
-No, no consigo hacerlo. Alguna vez me ha pasado de leer un guión en el que mi personaje está muy bien. Exuberante, piscina con cocodrilos, un personaje luminoso, extravagante, pero luego la película… Oh… ¿Y voy a lucirme con un personaje interesante, en una historia que no lo es? El cielo abierto era una comedia muy buena de Elvira Lindo, muy graciosa e ingeniosa… pero mi personaje era aburrido, un psiquiatra que se había separado y que se encontraba con una mujer espectacular, garrula. Yo le decía al director, qué aburrido este personaje: era buen tío, no hacía nada… pero sin embargo, la peli necesitaba a este tío al lado de esta tía. Necesito creer, decirme que hay algo en la historia que está bien y que cuenta algo interesante. Si no, no me siento bien. No me gusta hacerme un catálogo de personajes distintos.

Vidal, el villano de El laberinto del fauno

-¿Qué te gustó de estas dos últimas (Ricky y Partir)?

-Ambas tienen algo que es explicativo de lo que vivo. Tengo la suerte de trabajar con estos exponentes del cine de autor: gente que cuenta historias que sólo ellos podrían contar de esa manera. Es decir, que no hay una mentalidad industrial o de construir un producto para llegar a un segmento de público concreto. Son autores. Con la directora de Partir (Catherine Corsini) ya había trabajado antes. Es una tía que tiene una implicación siempre política o feminista. Siempre ha sido muy militante, de izquierda. Aquí armó una estructura clásica: un marido, una mujer y su amante. Es curioso pero es como que tiene algo de historia que ya has visto. Ellos de clase alta y mi personaje, un obrero. La historia de una tía que se vuelve loca de amor por este tío, pero porque eso la hace dar cuenta de hasta qué punto está “secuestrada” en su matrimonio. O sea, no puede ni comprarse una botella de agua, depende de su marido, siente esta cosa un poco clásica: el amante animal. Mi personaje representa eso y ayuda mi acento catalán y que soy peludo. Pero este personaje también tiene algo femenino. Y no lo digo en forma peyorativa. Es un modelo de hombre que no soluciona, sino que la sigue, le da besos, la escucha y lo que le propone es idílico. Tu ves que van hacia un sitio donde parece que no van a terminar bien… Es como una carrera sin final o con final trágico. Pero sin embargo, la tía avanza y el tío no la frena, continúa siguiéndola.

Partir

-En esta película se ve una conexión muy importante entre vos y la actriz, Kristin Scott Thomas…
-(Se ríe) Son esas cosas que logra el cine.
-¿Vos averiguás quién va a ser tu partenaire cuando te convocan?
-No. Es una lotería. Entre nosotros, con Christine no nos entendimos tanto, no fue una relación profunda, intuitiva, no tuvimos química. Pero entiendo lo que dices porque cuando vi la peli dije: ¡Hostia! Le dije a la directora: “Estoy alucinado, parece que estuviéramos enamorados”. Incluso ella está guapa y no te cansas de verla. Cuando Corsini nos dio la peli estábamos seguros de que tenía algo que no estaba escrito. Lo que estaba escrito, en el fondo, era bastante convencional. Entiendo que esto tendrá sentido si entre los tres encontramos algo que no está escrito. Al principio, el guión era muy sexual. Había algo de sensual en la mirada, en cómo nos tocamos. Y sabíamos que si eso no te lo crees, la película será una mierda. Es brutal lo que tiene el cine. Puedes contar la historia de la misma manera y tocar momentos de belleza. En un momento el guión dice: “Está sola, en el campo, entre los árboles, se pasea y le entra una abeja en el vestido. Y le da risa y se ríe sola”. Lo lees y dices: “Hostia… ¿qué es esto?”. Y esa escena es increíble. Hasta yo la veo bella. Esas cosas que son imposibles de prever.

-¿Cómo definirías a Ricky? ¿Como una película del género fantástico?
-No lo sé… Si tuviera un defecto diría que lo de las alas es una falsa pista. El laberinto del fauno es más unánime, tiene una línea de narración como una aplanadora. Guillermo del Toro no te da hostia. A mí no me gustan las películas de monstruitos y está muy bien. Cómo se le ocurre a un tío hacer la guerra civil española como un monstruo con unas alas.
-¿Aquél fue tu gran papel?
-Bueno… ese es un papel que la gente, al menos en España, y creo que aquí en la Argentina también, está muy marcado, muy puesto en valor. El cine tiene esto también, que tú te pones ahí así… sin nada y, detrás, tienes un batallón de tíos que logran muchas cosas sin que tú hagas nada. Vidal es un personaje que podía ser un poco maniqueísta, porque es malo con él, con los otros, con su pasado, con su futuro, con todo… pero sin embargo, tiene un montón de detalles. Es muy salvaje. Como un malvado de película, el ogro de un cuento de hadas.

El laberinto del fauno

-¿Te divierten esos personajes? Tenés un montón de villanos.
-Sí, es más divertido hacer malos que buenos. Imagino que si a un niño le dices: “vamos a jugar a Caperucita roja, ¿qué personaje quieres hacer?”… seguro te dice: El lobo. Hacer un malo es más libre, tienes menos barreras morales y cosas que te alejan más de ti. Tienes una distancia con lo que actuar. Lecoq decía que lo más difícil de actuar es lo más cercano. Los animales más complicados de representar son los monos. Se confunde mal, no sabés cuándo se acaba el mono y empiezas tú. El malvado, el monstruo, tiene algo más de infantil, algo divertido, algo lúdico.

Harry, un amigo que te quiere bien (izq.); y Love Affaire (der.)

-Sin ser el prototipo de galán, también representás a un prototipo de hombre deseable. ¿Sos un nuevo Marlon Brando?
-Ja… ¿Has visto qué bueno? Pero en las comparaciones puedo salir perdiendo. Me doy cuenta de que lo de la seducción… Bueno, es una cosa en la que el cine tiene mucho que ver. Hace un mayor culto a la persona. A mí también me pasa que veo actores o actrices y digo: ¡Hostia, qué tío, qué tía!… Y bueno… con las tías siempre me ha ido bien, pero nunca he ido por la calle y se han dado la vuelta y han dicho: “¡qué sensualidad, qué cosa!”… Pero con esto del cine me encuentro con gente que me dice cosas enormes… Bueno porque han visto películas y las películas tienen esta cosa mágica, inexplicable. Una relación pornográfica (Love Affaire) empieza ahí con una tía esperando en un bar y contando: “La primera vez que lo vi, no me pareció guapo, tenía un atractivo…”. Y se ve una imagen relentizada de mi entrada. La veo y le sonrío. ¡Y la cámara hizo maravillas! En su texto ella dice: “Cuando sonreía, toda su cara sonreía”… Eso lo haces en una peli y se logra, tu crees que eres testimonio de ese momento. La gente cree que estamos enamorados y no es verdad. Eso juega a favor. Sé que en muchas pelis acabo haciendo cosas que son sensuales o sexuales… Eso me parece cojonudo, algo positivo que les guste a las tías. Pero es algo que me sobrepasa. No es lo más importante de mi carrera, pero me lo tomo como algo muy positivo. Tal vez las pelis que hago inspiran a otros directores. Te voy a contar algo respecto de la sensualidad que se puede ver de mí en una peli. El otro día, en Italia, presentamos Partir en una sala de cine pequeñita, con 50 periodistas. Versión original, subtitulada, se acaba la película. Mujeres y hombres comentando. De pronto, una periodista dispara: “Señora Corsini, ¿me puede explicar cómo, para hacer una película que va de amor y de sexo, escoge a este hombre que no tiene ningún sex appeal?” (Risas). Bueno, es evidente que a la tía no le gusté en absoluto y no entendía cómo se me podía coger a mí. No le quito razón, yo soy el primer sorprendido. Como a todos en la vida, me he encontrado con chicas que me han dicho que era el muchacho más guapo del mundo o el más normal, algunas me prefirieron delgado y otras mejor gordo. Por suerte, para los gustos todo vale.

Ruth Mehl

2010-05-18T03:01:00.004-11:00

Hoy, el teatro para niños llora a Ruth Mehl

En la madrugada de hoy, murió nuestra queridísima Ruth Mehl, periodista, crítica de teatro infantil e investigadora. Fue uno de los pocos especialistas del género en la Argentina. Al teatro para niños le dedicó toda su vida y, hace menos de un mes, acababa de lanzar su libro "El teatro para niños y sus paradojas". La vamos a extrañar muchísimo.

Ruth Mehl es uno de los próceres del teatro infantil en la Argentina. Periodista, investigadora y escritora, trabajaba en La Nación desde 1978. Falleció hoy a la madrugada, luego de haber sido operada del corazón el jueves pasado.
Nació en Córdoba en 1932. En 1960 se radicó en Buenos Aires. En 1962 viajó a los Estados Unidos con una beca y estudió periodismo, literatura infantil, teatro, daramaturgia y comunicación de masas, durante un año, en la Universidad de Nueva York. A su regreso dirigió colecciones de libros para niños, escribió programas para Radio Nacional sobre libros y niños, participó en la organización de ferias de libros y ciclos de funciones teatrales. Integró jurados en el país y el extranjero, incluyendo el que otorga el IIBBY (International Borrad of Books for Young People), el Premio Andersen Internacional. En la Argentina fue jurado en varios concursos de teatro para niños.
Es autora de libros para chicos, una novela juvenil, diversos artículos sobre la literatura y el teatro para niños, y el libro de crítica y reflexión: Con éste sí, con este no, más de 500 fichas de literatura infantil. Recientemente había lanzado el libro El teatro para niños y sus paradojas, editado por el Instituto Nacional de Teatro.
En 1978 se vinculó con la escritora Syria Poletti, quien la invitó a reemplazarla en su columna "Adónde ir con los chicos", en el diario La Nación. Así fue que, desde 1978, visitó las salas teatrales evaluando los espectáculos infantiles. Posteriormente, se hizo cargo de la crítica de estos espectáculos en la columna "Platea infantil", un clásico de todos los sábados en La Nación.

Lukánikos, el perro piquetero

2010-05-14T02:15:00.004-11:00

A cara de perro

Lukánikos, un chucho callejero, abandera las protestas en Atenas. El animal se ha convertido en todo un fenómeno mediático mundial gracias a internet

Por Estibaliz Santamaría
Diario Vasco

Los griegos están que muerden con su Gobierno, tanto que entre ellos ha surgido una nueva especie de manifestante. Se llama Lukánikos y los antidisturbios de Atenas ya conocen sus malas pulgas. Desde hace casi dos años, participa en primera línea de batalla en cada manifestación de sindicalistas, anarquistas y grupos antisistema, y enseña los dientes a la Policía como ningún otro compañero de piquete. No se arredra ante nada; si toca correr, es el más rápido, y esquiva como nadie las pelotas de goma de los antidisturbios. Alguna ventaja tenía que tener ser un perro callejero -por supuesto, sin ningún pedigrí-.
La prensa internacional, desde The Guardian a Il Corriere della Sera, de Newsweek a Libération, no sale de su asombro tras descubrir a este chucho pelirrojo en las imágenes de multitud de disturbios ocurridos en Atenas desde 2008.
Ídolo antisistema
Internet y sus redes sociales han elevado al can a la categoría de ídolo antisistema y Lukánikos ya tiene su propio blog y varios perfiles en facebook, con miles de fans. Algunos se preguntan si su 'militancia' no se deberá a algún efecto adictivo que los gases lacrimógenos puedan provocar en el mejor amigo del hombre, dado que desde su primera manifestación, hace casi dos años, no se ha perdido ninguna convocatoria con visos de terminar en batalla campal.
No dejan de aparecer fotografías del perro ladrando desaforado ante los escudos de la Policía helena y su imagen enfurecida entre la humareda de gases y cócteles molotov está alcanzando tintes épicos en el país. Tuvo su bautismo de fuego en 2008, durante los disturbios que desencadenaron la muerte del quinceañero Alexis Grigorópulos por un disparo de la Policía. Pero últimamente no da abasto, con tanta gresca como hay en el centro de Atenas. Aunque parece que responde al nombre de Lukánikos, algunos medios le apodan Kanellos, en homenaje a un congénere de ese nombre que solía merodear por el barrio de Exarjia (la zona de Atenas en la que las refriegas con los antidisturbios son el pan de cada día) y que se convirtió en la mascota fiel del movimiento antisistema.
Por lo visto, en Grecia la lucha perruna es más común de lo que parece. Hasta las leyendas helénicas encumbran a este animal como guardián del pueblo. Cuenta el mito que 50 perros tenían encomendada la misión de defender Corinto y cuando ésta fue atacada, sólo uno -Soter- sobrevivió, y pudo alertar a la población, salvando la ciudad.
Así que Lukánikos podría engrosar los anales de la mitología griega, siempre que demos por buena la teoría de que, efectivamente, el can que aparece en todas las imágenes es el mismo. Teniendo en cuenta que en Atenas abundan los perros callejeros -al punto de que el Ayuntamiento se encarga de vacunarlos, esterilizarlos y diferenciar a los machos de las hembras con collares azules y rojos-, podríamos encontrarnos ante distintos perros, todos pelirrojos y revolucionarios, con el mismo collar. Ver vídeo

Premios Hugo al Teatro Musical

2010-04-16T03:36:00.024-11:00

Se presentó oficialmente la primera entrega de los Premios Hugo al Teatro Musical

Por Pablo Gorlero

Hace más o menos un año y medio, Ricky Pashkus y yo nos reunimos en Scuzzi (casi una oficina de Ricky) para conversar sobre nuestros proyectos vinculados al teatro musical. De pronto, Ricky mencionó algo que rondaba mi cabeza (y supongo que la de muchos amantes del género) desde hace tiempo: ¿por qué no pensar unos premios al teatro musical? De inmediato, todo lo demás quedó a un décimo plano. La idea ya era concreta: hacer unos premios que distingan a lo mejor de este género magnífico.
Las reuniones siguieron, las ideas salieron, se quedaron, volaron, revolotearon. En la reunión más decisiva salió algo fundamental. ¿Cómo los llamamos? Jugamos con siglas. No nos gustaron. Pensamos en nombres propios. Y entre ellos salió el definitivo: Hugo. Ambos nos miramos y concordamos. Todos se preguntarían porqué Hugo. Elegimos ese nombre en honor a Hugo Midón, pilar del teatro infantil, gran entendedor de la comedia musical, maestro de grandes intérpretes y un ser humano de ética íntegra que representaría de la mejor forma a este premio. Hugo Midón es un sinónimo de seriedad y excelencia tanto de la comedia musical como del teatro en general.
Necesitábamos un aval. Para eso queríamos reunir a personalidades intachables, de distintos ámbitos, que además, sean amantes del teatro musical. Aceptaron para integrar una Comisión de Honor que nos enorgullece y nos da seguridad. Ellos son China Zorrilla, Magdalena Ruiz Guiñazú, Pepe Cibrián Campoy, José Pablo Feinmann y Fernando Bravo.
Por su parte, el jurado es lo que más tiempo nos llevó. Queríamos que esté integrado por personas inobjetables, conocedores amplios del teatro musical, asíduos asistentes a los espectáculos y, sobre todo, con la sensibilidad necesaria como para entender a este género que se basa en exteriorizar emociones a través de diferentes lenguajes. Pensamos en periodistas, pensamos en especialistas, pensamos en artistas y en docentes. Finalmente elegimos a un grupo selecto de periodistas especializados en el género, a un puñado de especialistas, coleccionistas e historiadores, y a un representante por cada una de las principales escuelas de comedia musical.
Los periodistas elegidos son: los maestros Armando Rapallo y Susana Freire, Federico Irazábal, Pablo Scholz, Jorge Montiel, Gustavo Lladós, Axel Drimer y yo mismo; además de Juan Garff, Ruth Mehl e Inés Tenewicki, en los rubros referentes a teatro musical infantil. Entre los especialistas, estudiosos, historiadores y coleccionistas: Norberto Vázquez Freijó, Antonio Alcayaga, Cristian Witte, Mónica Guilhaumont, Darío Martínez, Carlos Manuel Fernández y Mariano Demaría. A su vez, queríamos a alguien que represente al ambiente artístico. Ambos tuvimos, de inmediato, en mente a una intérprete que es un sinónimo de comedia musical: Ana María Cores. Por su parte, cada escuela eligió a su representante. Ellos son: Lala Mendía (Río Plateado), Fernando Villanueva (Proscenio), Jimena Olivari (Act & Art), Cristina Girona (Estudio Reina Reech), Martín Pacheco (Estudio Julio Bocca-Ricky Pashkus), Marcelo Isse Moyano (IUNA), Daniela Fernández (Escuela El Centro), Marcelo Sycz (Protagonistas), Mariana Letamendia (Escuela Valeria Lynch) y Maite Garibaldi (La Galera). Asimismo, Roberto Perinelli integra el jurado en representación de Argentores; y Valeria Vanini, representando a la Asociación Argentina de Actores.
Las categorías pensadas serán 35 y determinamos que cada período estará constituido de septiembre a septiembre. De ese modo, este año premiaremos la temporada 2009-2010. La ceremonia de entrega será en octubre, en el teatro Maipo, gentilmente cedido por Lino Patalano.
Este galardón permitirá que cada rubro de esta forma de arte tan colaboracionista pueda ser distinguido, desde el integrante del coro hasta el director; desde el sonidista hasta el compositor; y desde el vestuarista hasta el adaptador. Es el evento que faltaba para dar apoyo a este género tan querido.
Es importante contar que, si bien la iniciativa es nuestra, hemos conformado la Asociación Civil Premios Hugo para distribuir, promover y difundir esta iniciativa. Sus integrantes, vinculados a la comedia musical desde hace mucho tiempo, son los encargados de darle marco, contenido y desarrollo a esta primera entrega de premios al teatro musical. A su vez, se encargará de la realización de la ceremonia de entrega, los anuncios previos y la difusión del género. La Asociación Civil está integrada por Sergio Arroyo, Gonzalo Castagnino, Mecha Fernández, Agustina González, Florencia González, Karin Höhn, Tommy Pashkus, Ricky Pashkus y yo, Pablo Gorlero.

Ricky Pashkus y Pablo Gorlero, en la conferencia de prensa. Ricky, Ana María Cores, Pablo y Fernando Bravo

Ayer, Ricky y yo estuvimos plenos de felicidad al poder presentar en sociedad a nuestros Premios Hugo, en una conferencia de prensa, realizada en el Hotel Novotel, Av. Corrientes 1334, en una sala con más de cien personas del ambiente artístico y periodistas que llegaron, a pesar de que todas las calles a la redonda estuvieron cortadas debido a la multitudinaria manifestación en favor de la ley de medios. Por otra parte, vale acotar que los Premos Hugo no aparecieron para competir con ningún otro premio como ACE, María Guerrero o Trinidad Guevara, sino para nutrirse mutuamente y para llenar un espacio que no estaba cubierto.
Felices todos, manos a la obra, y a trabajar para que en octubre el ámbito del teatro musical tenga su gran fiesta... como queríamos desde hace mucho.

Ricky Pashkus y Pablo Gorlero anuncian los Premios Hugo al Teatro Musical

Martín Bianchedi, Gerardo Gardelín, Ricky Pashkus, Pablo Gorlero, Marcelo Kotliar, Fernando Bravo, Ana María Cores y Mecha Fernández
Ricky Pashkus, Ana María Cores y Fernando Bravo, por los Premios Hugo al Teatro Musical

Amílcar Majlin, Martín Pacheco, Gastón Prat y Ricky Pashkus

Federico Irazábal, Walter Duche, Tommy Pashkus, Pablo Gorlero, Mónica Sikora, Ricky Pashkus, Silvia Santos y Armando Rapallo
Ricky Pashkus, Jame Arranz (gerente de Novotel) y Pablo Gorlero

Jaime Arranz, de Novotel, con Pablo Gorlero Ricky Pashkus con Jaime Arranz, de Novotel

Leones, jaguares y Beatles

2010-04-01T10:44:00.029-11:00

Julie Taymor y Elliot Goldenthal. Fotos: Academy of Achievements (www.achievement.org/)

Julie Taymor y Elliot Goldenthal

La creadora del musical El rey león y de las películas Across the Universe y Frida, y el compositor de esta última y de Entrevista con el vampiro anunciaron sus planes en América latina

Por Pablo Gorlero

Julie Taymor (izq.). Una escena de Juan Darién (der.)

(Ampliación de la nota publicada en La Nación el 1° de abril de 2010.)

BOGOTA.- Quien haya tenido la dicha de presenciar la versión teatral de El rey león seguramente se habrá preguntado: "¿Cómo se le ocurrió esto a alguien?". Quien tuvo esa fantástica visión de trasladar una película animada sobre animales a un escenario, con intérpretes envueltos en máscaras y marionetas, fue la directora Julie Taymor, cuyo nombre saltó a la fama inmediatamente. A los dos años hizo su primer film para la pantalla grande, Titus; en 2002, su película Frida tuvo seis nominaciones al Oscar; y en 2007, sorprendió a todos con Across the Universe, un film musicalcon una espectacular visión existencialista de las canciones de los Beatles. Todos esos trabajos han dejado una huella muy fuerte por la combinación de valores artísticos que Taymor ha conseguido. Pero mucho antes de todos ellos concibió una obra de teatro musical, junto a su compañero de la vida y de trabajo Elliot Goldenthal: nada menos que Juan Darién: Misa de carnaval, basada en uno de los mejores cuentos de Horacio Quiroga. "Juan Darién es un trabajo que concebimos en 1988, pero lo estrenamos en Broadway en 1996. Aunque se crea lo contrario, esa obra me ayudó a inspirarme para El rey león."
Ambos pasaron unos días por la capital colombiana para presentar un acuerdo entre el Music Theater Group y Salón Volcán, junto con el XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, para reponer y estrenar una nueva versión de Juan Darién en Colombia en 2011, seguido por una gira por las principales ciudades de América latina y los Estados Unidos. Aunque en un principio el montaje se hará en Colombia, también es casi seguro que pasará por Buenos Aires y México, entre otras ciudades.
Basada en un cuento del uruguayo Horacio Quiroga, la obra combina la poesía litúrgica de la Misa de Réquiem para contar la historia de Juan, un pequeño tigre de la selva (jaguar) que se hace hombre gracias al amor de una madre que ha perdido a su hijo y que, años más tarde, al morir ella, es obligado a recuperar su forma animal, como resultado del odio, el miedo y la intolerancia de los hombres. En su montaje, Taymor utiliza las más variadas técnicas escénicas, desde máscaras hasta bunraku y teatro de sombras, para contar esta fábula que transcurre en un pequeño pueblo perdido de la selva. "Con esta obra hicimos gira por Europa, Israel, parte de Canadá y de los Estados Unidos. Pero siempre fue nuestro sueño traerla a América latina, porque, claramente, la inspiración proviene de la historia original uruguaya. Nuestro montaje está inspirado en varios países latinoamericanos y en sus artistas. Los espectadores de América latina se sienten conmovidos y sorprendidos. Además, no es para un solo tipo de público y no es en inglés. No tiene ningún lenguaje", comentó Taymor.

Imágenes de Juan Darién: Misa de carnaval

-¿Se hará con intérpretes de cada ciudad en la que se presenten?
Taymor: -Haremos audiciones para muchos papeles y no sabemos de qué países serán los artistas. Probablemente busquemos en cada lugar a los niños y vamos a movernos para encontrar cantantes locales para participar en el coro. Seguramente también alguno de los protagonistas. Hubiera estado bueno utilizar a algunos de los actores originales, pero fue hace muchos años y no sé si estarán disponibles. Siempre es bueno incorporar gente nueva, eso aporta un feeling diferente.
-En la Argentina y Uruguay crecimos leyendo los cuentos de Horacio Quiroga en el colegio y en nuestras casas, ¿cómo dieron con esta historia?
Julie Taymor: -Eso es genial. Quien mejor puede contestar es Elliot. El la eligió.
Elliot Goldenthal: -Cuando tenía veintipico estaba aprendiendo español y me interesaba mucho la poesía sudamericana. Ya había leído a César Vallejo, de Perú, y comencé a leer a Horacio Quiroga. Sus lecturas eran cuentos con palabras muy sencillas, pero me golpeaba el poder de su lenguaje directo al corazón. Muchas de sus historias fueron fuertes para mí, pero ésta lo fue especialmente. Quería combinarlo con la Misa de Réquiem latina, que fue escrita en 1250. Las palabras de Quiroga son muy hermosas para cantar. Además quería mostrar a la iglesia, al carnaval, cómo cruzaron puentes y de Europa llegaron al Nuevo Mundo; a la jungla invadiendo a la iglesia, y al mundo natural y al europeo combinándose. Empezamos a trabajar con Julie y le agregamos elementos teatrales a la historia y los expandimos usando metáforas, en dos líneas principales de trabajo: la iglesia y la jungla, y el tigre en la jungla.

Imágenes de Juan Darién: Misa de carnaval

JT: -También el aspecto del carnaval. Juan entra en la jaula del jaguar, obvio, pero expandimos la historia del domador, por ejemplo. Escribimos el libro en México y, cuando la veas, encontrarás más influencias mexicanas que de otros países, ya que el Día de los Muertos juega un rol importante. Mucho antes de Frida vi muchos murales mexicanos, no sólo de Diego Rivera. De todos modos, no ocurre en ningún lugar en particular.
EG: -Quiroga iba viajando por todas partes de América latina y así fue su loca vida. Obviamente éste es un trabajo personal. En lo musical tiene influencias del jazz, del circo y del carnaval, pero también de todas partes del mundo.
JT: -Muchas veces la gente dice cosas ofensivas. Alguna vez me dijeron que El rey león no era auténtico. Entonces les digo: "Sí, lo es porque los artistas que lo hicieron fueron fieles a sí mismos". Me interesa eso, que sea sólido. Si la historia es fuerte, te va a tocar sin importar de qué país sos. Viví cuatro años en Indonesia cuando tenía 21 años y tenía mi propia compañía en japonés y balinés. Esta historia tranquilamente podría ocurrir allí. Es sobre alguien que se transforma en animal, es sobre una gran empresa que arriba a una aldea destruyendo la naturaleza, también podría impactar allí. Es una historia mítica. Y lo que nos gusta de Quiroga es que sus historias están escritas para niños, pero tienen oscuridad, xenofobia y está presente el miedo de la civilización luchando contra la naturaleza; la tempestad luchando contra la naturaleza. Trabajé con eso durante mucho tiempo. Incluso este año, en la película La tempestad. Hay grandes historias que trascienden específicamente las diferentes culturas y eso no significa que sean genéricas, pero deben ser personales para el artista. Entonces veo claramente mi estilo en mi trabajo, mi estilo. Esas máscaras podrían parecer mexicanas. Pero no lo son, muestran mis influencias de rostros que he visto en las fotos bellas de Salgado. Pero la escultura es mía, el diseño de vestuario es mío... Creo que eso es lo importante, mi impronta. Es común que la gente se pregunte: ¿Por qué esta persona que no es de acá se le ocurre hacer esto? No está bien. Un ejemplo sería preguntarse: ¿cómo Anthony Quinn pudo haber interpretado Zorba, el griego? Empecemos por allí. ¿O por qué se hizo en inglés? Atravesamos todas esas preguntas y arribamos al trabajo. ¿Te va a conmover, a movilizar? Sí. ¿Te pega al corazón?Punto, eso es lo que nos interesa.
-¿Cuáles son los mayores desafíos de esta puesta en escena?
JT: -Juntar el dinero... [Ríe]. A nuestra productora Diane, le costó mucho lograrlo. También encontrar al niño es siempre el mayor reto, porque debe tener algo de soprano sin tener voz de iglesia. Hay que aclarar que no es un musical de Broadway, como El rey león, sino una nueva forma, una oratoria visual. No hay diálogos hablados. Pero el gran desafío es encontrar a un niño en el momento exacto en que su voz todavía no haya cambiado.

-¿Cómo se contactaron con la gente del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá?

JT: -Felipe ha estado intentando, desde hace siete años, que hagamos la gira por América latina, y sin esa pasión no hubiésemos sido capaces de hacerlo. Este es un festival maravilloso.

EG: -Lo que estamos haciendo acá en Bogotá es un milagro. Es una logística increíble.
-¿Podés imaginarte tu trabajo sin música, Julie?
JT: -Hice la película Titus sin música, fue un error. Pero sí, es difícil. Dirijo ópera y creo que es por eso que la música gravita en todas mis partes esenciales. Me gusta su poder y combinarlo con las imágenes. Incluso lo hago en La tempestad, película sobre la obra de Shakespeare, que este año se estrena, con Helen Mirren. Tiene mucha música y canciones, aunque esté orientada al diálogo.

El rey león (The Lion King)

-El diseño de escenografía lleva tu marca artística también...

-Es sobre un tema específico. Porque la obra plantea qué es ser humano. Por eso no hay personajes humanos hasta avanzada la acción. Hay un jaguar, que es un pequeño títere, y que luego se transforma en un niño, que también es un títere. A medida que crece evoluciona en un títere más complejo, que necesita ser manipulado por tres personas. Y cuando su madre muere, una actriz con una máscara, él se la quita. A su vez, en ese momento es un chico real el que realiza esa acción. Por lo tanto, es el primer momento en que el público puede ver a los actores. En el medio de esa historia increíble, Juan es el único ser humano. Por lo tanto, limitando el contacto del público con la carne, con el hombre, es que el ser humano emerje con mayor fuerza. El chico se vuelve más humano y cuánto más humano se vuelve, la gente dice que es más jaguar. Y esto lo acabamos de ver en el Museo del Oro, de Bogotá. Ahí hay historias e imágenes de niños y hombres que se transforman en jaguares. Creo que es común en América latina escuchar esas historias que dicen: "Cuidado con los animales salvajes que llegan de noche para llevarse a tu niño y vuelven a la sociedad, disfrazados de hombres". Aquí está este niño de 12 años, torturado porque todos saben que debajo de esa piel está el jaguar que va a matar a todos. Por eso el estilo de la historia y los títeres no sólo son importantes porque son hermosos, divertidos y dramáticamente ricos. El significado está en el medio. El medio tiene el mensaje. Luego, lo que hicimos fue tomar la idea de una aldea de montaña de 16 pies por 16. Siempre mis trabajos teatrales son muy cinematográficos, y mis trabajos en cine son muy teatrales. Verás una gran sombra de ese pueblo hsata la iglesia; y sobre la cumbre de la montaña verás la choza de esa madre, y miniaturas del desfile en las calles, algunas ventanas iluminadas, y sombras de títeres en ellas, y de pronto el pueblo se da vuelta y aparecen los primeros planos de la madre con su niño. Puede parecer algo inocente, pero tiene un costado muy oscuro. Buscábamos escribir sobre algo que fuese sentimental y dulce. Pero decidimos incorporar esta cosa oscura de las historias de tigres... Tigres... Hablan de tigres en Sudamérica...

-En las zonas selváticas les llamaban tigres a los jaguares...

-Nos lo dijeron... Tiene tantos puntos de unión con otras culturas selváticas. El jaguar, el tigre están siempre presentes en esas leyendas y cuentos. Es quien se va a comer a tu bebé y quien también va a morir. Son historias cósmicas, y por lo tanto no tiene que ver con lo chicos. No tenemos problemas en que los niños vengan, pero los padres deben traerlos pensando en que deberán explicarles muchas cosas.

-Tenés evidentes influencias de Lecoq en tus trabajos...
JT: -Sí, siempre es automático. Es que estudié máscara con él. Sobre todo puede verse en Juan Darién y en El rey león.
-Con respecto a este gran musical, tengo entendido que hay tratativas para que pueda realizarse en Buenos Aires. ¿Esto es así?
JT: -Sí, es verdad, se está tratando de formar una compañía para poder ir a América del Sur. Estamos cerca de lograrlo. Y si yo estuviera disponible, iría con todo gusto a montar la reposición. -¿Cómo lograste esa magia que fusiona tantas formas artísticas y técnicas?
JT: -Quería que el público pegue un salto de fe a la imaginación desde el comienzo. La maquinaria escénica debía ser visible. El espectador debía ser partícipe. El tema dominante y la imagen emergente fue el círculo. Además de tratarse del crecimiento personal de un chico, se representa el ritual del nacimiento, la muerte y el renacimiento. Un ciclo natural evidente. Además, uno de los más poderosos elementos en la película es la humanidad de los animales. Consideré esa dualidad y, por eso, no quise esconder a un actor detrás de una máscara o un traje de animal. Quería que el ser humano sea una parte esencial de la estilización. Me sentí muy feliz cuando terminé de esculpir las máscaras de Mufasa y de Scar. Vi Disney, vi Africa y vi mi propia estética.

-¿Podrán adelantar algo de La tempestad?
JT: -La dirigí en teatro en dos oportunidades y siempre quise hacerla en cine. Luego de haber trabajado con un grande como Anthony Hopkins en Titus, pensé quién podría hacer de Próspero, pero no encontré a nadie capaz, con todo respeto. Por eso pensé en Helen Mirren, quien hará de Próspera. Tenemos un gran elenco: Djimon Hounsou, Ben Whishaw y Alfred Molina, entre otros. La filmamos en una zona muy volcánica y surrealista de Hawaii. Tiene muchos efectos y combinamos lo real con lo fantástico.

Across the Universe

Frida (izq.); Titus (der.)

Bogotá, en el centro de la escena

2010-03-30T02:38:00.022-11:00

Desfile inaugural del XII FITB, en las calles de Bogotá, con una muñeca de Fanny Mikey de casi 8 metros. Foto: Gentileza FITB

(Crónicas publicadas en el diario La Nación, a partir del 25 de marzo de 2010.)

XII Festival Iberoamericano de Teatro

Comenzó el fin de semana, en Colombia, uno de los encuentros teatrales más importantes y esperados del mundo

Por Pablo Gorlero
Enviado especial

Calígula. Foto: Aljosa Rebojl; y Cuttlas, de la compañía Produccions Essencials, de Cataluña

BOGOTA.- "¿Usted es argentino? Viene al Festival, ¿verdad? Tenemos uno de los mejores festivales de teatro del mundo." Es la primera conversación que tuvo este cronista al llegar a la capital colombiana con un empleado del aeropuerto. No es alarde, sino orgullo. Toda la ciudad piensa teatro, respira teatro y festeja teatro. Están orgullosos de ser anfitriones de 49 grupos europeos, 15 americanos, 8 asiáticos y un africano, además de las 39 compañías colombianas que se presentan en el XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.
La primavera irrumpió en la ciudad con una múltiple variedad de climas en un mismo día. Pero ni una eventual tormenta ni una tarde de mucho calor ni siquiera el tránsito infernal (los automovilistas bogotanos manejan peor que los argentinos, y eso es mucho decir) amedrentan a los espectadores que no dejan una sola butaca libre en casi ninguno de los espectáculos que aquí se presentan. Las salas están muy lejos entre sí, pero allí están los millones de taxis, listos para facilitar esta avidez de cultura que comenzó el sábado y seguirá hasta el 4 de abril.
Los colombianos tienen motivos para enorgullecerse. El mejor teatro del mundo se da cita en esta fiesta que creó hace 22 años la gran Fanny Mikey, a quien está dedicada esta edición, la primera después de su muerte (ver recuadro aparte). Todo comenzó con un gran desfile de inauguración, con 2.500 artistas, 40 comparsas, grupos musicales, carrozas y una muñeca de casi ocho metros de altura de Fanny. "Quiero darle a Bogotá el carnaval que no tiene", dijo ella en vida. Por eso esta inauguración es un momento muy esperado por los bogotanos.
Las múltiples boleterías, distribuidas por toda la ciudad ?a su vez, empapelada con afiches y carteles que promocionan el evento? están colmadas de gente que se lamenta por no encontrar boletos para algunas obras, pero que sin dudarlo, saca entradas para otra. "Fanny nos enseñó a amar al teatro. Estamos orgullosos de que nuestro festival nos dé la posibilidad de acercarnos a las mejores obras que hay en el mundo. Espero ansioso el momento en que el público entra a la sala para poder espiar desde algún rincón cada obra que aquí se representa", comentó Pablo, un empleado de seguridad de una de las principales salas.

Medea, según Frank Castorff

Entre las visitas célebres más esperadas tomaron la delantera el gran director texano Bob Wilson y el alemán Frank Castorf. El primero pasó como una ráfaga los primeros días con su versión de La última cinta de Krapp, que conmovió al cien por ciento de los espectadores. En tanto, el famoso Teatro Volksbühne, de Alemania, dirigido por Castorf eligió -como era de esperar- un espacio no convencional como el coliseo del Parque Recreo Deportivo, para hacer su singular versión de Medea. El llamado "destructor de clásicos" realizó una puesta tan despojada como grandilocuente, al llenar el espacio escénico de arena, con sólo una carpa, unos leños ardientes y un andamio, para yuxtaponer tragedia, comedia y filosofía. Su adaptación entreteje fragmentos de la tragedia de Séneca y de la novela Heidegger en Crimea, de Alexander Kluge. Sitúa la acción en agosto de 2008, cuando el Destroyer USS Mcfaul cruza por el área de conflicto abkaziano y se dirige hacia el puerto georgiano en el Mar Muerto. Su propuesta, con permanentes rupturas y distanciamientos, está basada en la "no actuación". Sus actores entran y salen de sus personajes evitando el vínculo con sus propias emociones. Es un montaje sorprendente, que impacta y provoca permanentemente. Pero tal vez uno ya haya visto muchas propuestas de ese tipo, con actores revolcándose, ensuciándose, mojándose y descuartizando pollos.
El taller experimental de títeres mexicano Luna Morena presentó Canek, leyenda de un héroe maya, con dirección de Miguel Angel Gutiérrez, con marionetas, sombras y proyecciones. Es una sensible historia, tan hermosa como cruel, relatada por un enorme grupo de talentosos actores-titiriteros. Sus marionetas trasmiten ternura y son manipuladas a través de la poesía.
Entretanto, el grupo español Sudhum Teatro presentó Silenciados, una elocuente propuesta dirigida por Gustavo del Río Prieto. La pieza rescata cinco casos reales de personas discriminadas por su sexualidad, ambientadas tanto en un campo de concentración nazi, como en Guatemala o en Medellín. Es un réquiem que lleva ya tres años en cartel en España y cuyos espléndidos actores realizan un gran trabajo interpretativo, a través del teatro físico, la danza y hasta las canciones. Un interesante alegato contra la hipocresía y la intolerancia.

La metamorfosis

Grata metamorfosis

Pero tal vez uno de los más aplaudidos montajes haya sido la versión que el Vesturport Theatre y Lyric Hammersmith hicieron de La metamorfosis. La obra que representa a Islandia, dirigida por David Farr y Gísli Orn Gardarsson, hizo seis funciones a sala llena en el teatro Bellas Artes. Este último, gimnasta y mimo, es quien encarna al atormentado Gregor Samsa, convertido en un insecto espantoso. Lo inusual de esta puesta es la disposición escenográfica: una casa en dos plantas, cuya parte superior está diseñada de tal forma que parece ser vista desde arriba, con los muebles que penden de la pared. El actor desafía la gravedad y toca las aristas más sensibles de su criatura. Pero fuera de esta particularidad, se trata de un montaje formal, en la línea del absurdo y del teatro comercial.
Por su parte, la cantante balear Buika fue una gran revelación para los colombianos, una de las tantas representantes de Cataluña y Baleares, invitados de honor de esta edición.
Entre los argentinos que ya pasaron por el festival, Tango de burdel, salón y calle, dirigida por Julio Bocca y Ricky Pashkus, con coreografía de Ana María Stekelman, fue muy bien aceptada, así como Condición aérea , el espectáculo dirigido por una elogiada Brenda Angiel.
Por su parte, en representación del Dorky Park, de Alemania, Brickland, la propuesta de danza teatro dirigida por la argentina Constanza Macras, fue una de las que mejor recepción tuvo por parte del público y la prensa local. Ambienta su propuesta en una zona residencial argentina, donde doce personas viven una aparente tranquilidad, hasta que colisionan y dejan al descubierto la desconfianza, la perversión y la xenofobia.
Tan vertiginoso como festivo, el FITB, financiado en un pequeño porcentaje por el estado y la ciudad, y en su gran mayoría por empresas privadas que apuestan a la cultura es un ejemplo a seguir. Inclusión social y amor por el teatro es un legado que ya tiene frutos frondosos.

La metamorfosis (izq.); Fanny Mikey

El pueblo colombiano recuerda a Fanny Mikey
Al primer FITB, en 1988, llegó una delegación de teatro catalana cuya propuesta cuestionaba la religiosidad extrema. Los actores bajaron del avión con atavíos religiosos; como consecuencia, las autoridades religiosas locales condenaron al teatro y a los cristianos les indicaron no participar de esas actividades. El público, sin embargo, colmó las salas. Claro que pusieron una bomba de humo en el teatro y excomulgaron a Fanny Mikey. Ella no paró y cumplió su cometido: hacer de Bogotá uno de los centros teatrales del mundo.
Por eso, en Colombia aman a esta actriz, directora y empresaria teatral de origen argentino que falleció en 2008. La despidieron amor, salsa, bailes y aplausos y hoy la recuerdan con un documental, realizado por su hijo Daniel Alvarez Mikey, una muestra en el Archivo Nacional y un gran evento llamado A Fanny lo que es de Fanny: gestora de proyectos especiales .
"Era felizmente caótica -dijo Paula Moreno, ministra de Cultura, durante la inauguración-. Su gran carácter y temperamento emprendedor no sólo conquistaron nuevos espacios comerciales para el arte, sino que construyó profundos lazos de amistad con sus colaboradores, al punto de crear una verdadera red de gestores cómplices y, a la vez, promotores de las artes. Me siento orgullosa de ser parte de aquellos que, con ella, vivimos momentos fundamentales en el desarrollo del campo del arte en el país", agregó.
Las fotos con su imagen sonriente empapelan cuanto recinto cultural y no cultural hay en Bogotá. Sus familiares argentinos fueron invitados especialmente para este festival-homenaje. "En el caos encontraba su combustible de trabajo. Cuando se le metía algo en la cabeza no paraba. Tenemos la sensación de que Fanny está, por todo lo que generó, y nos llena de orgullo presenciar el amor que le tenían y el legado cultural que dejó. Ella acercó a los jóvenes a la sensibilidad a través del teatro. Fanny dejó un legado social muy grande", señaló con emoción Dora Niedzwiecki de Mikey.

Escenas de Calígula. Fotos: Aljosa Rebojl

Una obra sublime, desde los Balcanes
Los colombianos siguen respirando teatro por todos los rincones y, a medida que pasan los días, el entusiasmo es cada vez más efervescente. El clima amable ayuda y se suman los innumerables talleres, seminarios, charlas, cursos y demás actividades paralelas de este megafestival que, según su fundadora, Fanny Mikey, requería un costo de 10 millones de dólares. “Aunque yo te lo hago en 6 millones”, se ufanaba. Lo sorprendente de eso es que un 50 por ciento de ese dinero proviene de las taquillas.

Entre los grupos que se presentaron en estos últimos dos días, están la Compañía de Opera de Pekín, dirigida por Luo Jinlin, con Destellos de la ópera china; la coproducción serbio-rumana La disputa, de Alexandru Darie; El abrigo, del Gecko Theater (Reino Unido); el Teatro de los Andes, dirigido por César Brie, con La odisea (Bolivia); el recordado Mario Morgan dirigiendo el unipersonal Retablo de vida y muerte, con Estela Medina (Uruguay); Diciembre, dirigida por Guillermo Calderón (Chile); The Aluminium Show, una performance del israelí Illan Azriel; y numerosas obras locales, entre ellas, El atolondrado, dirigida por el argentino Ricardo Behrens.
Pero lo mejor del XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá llegó anteayer. El gran director yugoslavo Tomaz Pandur, uno de los mejores vanguardistas de los Balcanes presentó una versión excelente de Calígula, basada en la obra de Albert Camus. Es una coproducción entre Teatros Pandur (Eslovenia) y el Teatro Gavella (Croacia). Pocas obras conmocionaron tanto a este cronista como esta muestra “alta costura teatral”, como alguien bien dijo en la platea del céntrico teatro Jorge Eliécer Gaitán. Pandur no sólo es un poeta de la imagen, sino que crea la pintura exacta para que sus intérpretes no tengan límites y sus emociones exploten hasta sacudirle las tripas al espectador.
En su adaptación, el escenario está cubierto de agua, por donde se mueven los actores y unos pocos, pero contundentes, elementos escenográficos. El agua es efecto, sí. Pero también se convierte en la fuente de energía de la que se nutren estos actores maravillosos (Livio Badurina, Sven Medvesek, Hrvoje Klobucar, Dijana Vidusin y Sven Sestak, en los papeles protagónicos). Todo comienza después de la muerte de Druzilla, hermana y mujer de Calígula, instante en el que comienza a ver al mundo con otros ojos. Allí surge su mayor crueldad, paradójicamente fruto de sus ansias de libertad. El se cree todos los hombres, se cree Dios, y la muerte y la perversión acaban siendo su néctar.
Pandur desdobló a su Calígula sangrante en tres… en un principio, luego en seis. Y en cada uno de ellos se verá reflejado el emperador enloquecido por el sadismo, el enfermo, el esclavo de sí mismo, el sufriente, el de la furia incontrolable. Y cada uno de esos estadios se interrelacionan entre sí, beben de sí mismos y provocan un alud de sensaciones. A su vez, la lingüística cumple un rol importante en la entrelínea sociopolítica de la obra a través de tres idiomas empleados: croata, francés y alemán. La escena en la que, en sueños, consigue atrapar una de sus mayores obsesiones, la Luna, es de una belleza inigualable. La atrapa, juega, la ama, la hace sangrar hasta dejarla subir nuevamente para recuperar su función. Eso es el mundo Pandur: poesía, ideología, política y teatro salvaje. Sin dudas, es en esa maltratada región del este europeo donde ese teatro de conexión y de pensamiento está poniéndose en el centro de la vanguardia.
Después de ver Calígula surge la convicción del amor que uno siente por el teatro.

Macbeth. Foto: Katarzyna Czarnecka

En el parque
Otra interesante propuesta es la del teatro Biuro Podrozy, de Polonia, con Macbeth, ¿quién es ese hombre ensangrentado?, dirigida por Pawel Szkotak. Una experiencia de teatro callejero que los miles de espectadores que se amontonaron en el Parque Simón Bolívar aplaudieron de pie. Es una visión apocalíptica de la tragedia de Shakespeare, apoyada por impactantes efectos visuales (fuego, motocicletas, música y atractivos artilugios escénicos). Con muy buenos intérpretes, lo más destacable de esta puesta es la difícil síntesis lograda por el director sobre la obra original. Asimismo, no se regodeó en el efectismo y consiguió escenas contundentes, de gran fuerza dramática y visual.

El abrigo. Fotos: Juan Pablo Gutiérrez

Teatro gestual, desde el Reino Unido

Aunque la capital colombiana se apresta a iniciar una Semana Santa con buena parte de sus habitantes descansando en otros sitios, para algunas obras del XII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, ya están agotadas las entradas (Calígula y La pantera imperial son dos ejemplos).
De todos modos, aún se aguarda con impaciencia la llegada de la última semana, con algunos “pesos pesados” de la escena mundial. Hoy levanta su carpa el esperado Carillon, de Italia, dirigido por Angelo Bonello. Se trata de una propuesta de teatro urbano que recurre a un enorme paralelepípedo que, interceptado por 600 metros de cable, presenta una estructura que rota y sobre la cual un grupo de acróbatas juega y realiza danza acrobática, arte figurativo, circo y teatro, bajo el aura de una música electrónica y sinfónica. Por su parte, mañana subirá el telón para Por qué, por qué, la propuesta suiza, dirigida por Peter Brook, con las reflexiones de Miriam Goldschmidt sobre el origen del teatro y su valor en la historia de la humanidad. Entretanto, pasado mañana comenzarán el Circo Eloize, de Canadá; Baraka, dirigida por Javier Daulte (Argentina); y Non Solum, el unipersonal de Sergi López, en representación de Cataluña.
El Reino Unido arribó al Festival con una interesante adaptación de El abrigo, de Nikolái Gogol, inscripta en un montaje de teatro gestual. Es una creación del director Amit Lahav, discípulo de Lindsay Kemp, y de la compañía Gecko. En un montaje plagado de imágenes oníricas y con reminiscencias del viejo cine italiano, la fábula social de Gogol se eleva a una propuesta que va más allá de las palabras. Todo en este montaje, con cierto hálito a Lecóq, marcha sobre los seguros rieles de la pantomima y el teatro físico. Lahav recurre a efectos visuales encantadores que hacen que sus actores puedan vencer la ley de gravedad. A su vez, El abrigo está apoyado por una tan atractiva como inusual banda sonora compuesta por Dave Price, en la que hasta una vieja máquina de escribir puede convertirse en instrumento musical.

Bolivia, en un trabajo de lujo

Con mucho agrado puede decirse que uno de los mejores espectáculos de este festival es La odisea, la excepcional obra que se trajo el Teatro de los Andes, de Bolivia, dirigido por César Brie. El dramaturgo, poeta y director argentino, radicado en Sucre desde 1991, realizó una admirable adaptación del poema de Homero, dotándolo de un contenido social y político que no sólo lleva a la reflexión sino que conmueve y hasta hace descostillar de risa a los espectadores. Penélope teje y espera, asediada por los oportunistas y corruptos de siempre, mientras su esposo Ulises recorre fantásticas islas y países, donde los monstruos y las acechanzas también son aquellas Caribdis que uno conoce muy bien. Con un bellísimo tono poético y una dramaturgia erudita, Brie habla de exclusión, de identidad, la pérdida, la ausencia y aquellas consecuencias irreparables, irremediables, donde lo justo parece tan fantástico como Circe o Calipso. A su vez, Brie diseñó un montaje sin fisuras, logrando un despliegue escénico inteligente, ingenioso e impactante, sólo con el uso de cortinas de cañas y rieles móviles.
Esta excelente propuesta se hace viva, amable y querida, también gracias al trabajo de un elenco multinacional en el que sobresalen los trabajos de Gonzalo Callejas, Viola Vento y dos argentinos que son una grata sorpresa, el riocuartense Ulises Palacio y el rosarino Julián Ramacciotti, ambos espléndidos actores multifacéticos. Pero todo el elenco pone fuerza y energía en varios papeles, durante los 165 minutos que dura el espectáculo.
En la función que vio este cronista, el elenco tuvo que salir a saludar cinco veces, ante un teatro colmado, de pie.

Apostillas

Asadito post-función. Curiosamente, uno de los sitios preferidos de las compañías al terminar las funciones es un restaurante argentino situado en el hermosísimo barrio histórico La Candelaria. Se llama “Mi viejo” y su dueño es un amante del teatro. Luego, casi todas las compañías y demás participantes del festival se reúnen en la llamada Carpa Cabaret, donde hay recitales y “rumba” hasta la madrugada.

Medeas. Hay tres montajes distintos de Medea. Una de ellas es la del Teatro Volksbühne, dirigida por Frank Castorf, que ya terminó sus funciones. Los últimos días del festival se estrenarán otras dos versiones. Una dirigida por Jean-Louis Martinelli, una coproducción entre Burkina Faso y Francia; y la otra según Satoshi Miyagi, del Shizuoka Performing Arts Center, de Japón.

Ches. Otros dos argentinos deambulan por el Festival. Uno de ellos es Omar Argentino, muy conocido en el ambiente “under” porteño porque durante mucho tiempo perteneció al grupo de improvisación Sucesos Argentinos. Radicado desde hace tiempo en el exterior, llegó aquí para dictar un taller. El otro es Andrés Vicente, actor de teatro y televisión que hace cinco años está radicado en Colombia. En promedio, ve dos obras por día.

Demanda de entradas. Baraka, la obra que dirige Javier Daulte, con Darío Grandinetti, Jorge Marrale, Hugo Arana y Juan Leyrado, agregó funciones, además de las cinco previstas dentro del Festival. De este modo, hará una petit temporada, antes de su arribo a España.

Distancias. Intentar ver más de una obra en un día, puede resultar frustrante por dos motivos. Las distancias entre los teatros son enormes y los frecuentes embotellamientos de tránsito hacen que sea casi imposible poder salir de una obra y entrar a otra. El trayecto desde el centro de Bogotá hasta el teatro William Shakespeare (donde sube a escena El abrigo) puede demandar una hora y media.

Muñeca. En cada teatro y cada sitio donde se promociona el festival hay un stand de venta de souvenirs. En algunos de ellos llama la atención una muñeca de tela pelirroja. Es la versión en juguete de Fanny Mikey. El homenaje se expande hasta en el merchandising.

Leonor Manso y Antonio Grimau

2010-03-20T11:09:00.007-11:00

Respeto y resguardo de la intimidad

Por Pablo Gorlero

Silencio total. Esa es la complicidad implícita del ambiente artístico cuando dos colegas queridos están en apuros. Es lo que ocurre actualmente en torno al drama vivido por Leonor Manso y Antonio Grimau. Nunca fueron actores mediáticos que hayan utilizado la mínima excusa para obtener unas líneas o algún comentario en los medios de comunicación. Por el contrario, siempre –desde sus comienzos televisivos- guardaron un bajo perfil en torno a su vida privada, en oposición a una notoriedad adquirida como consecuencia de sus excelentes carreras. Prueba de eso es que muy pocos de aquellos que no sobrepasan los 40 tengan conocimiento, incluso, de que alguna vez fueron una pareja. Mucho menos que tuvieran un hijo. La exposición gratuita nunca fue algo que les interesase.
Por ese motivo, esta semana no hubo soplones ni infidentes. Así como ellos guardaron discreción y silencio, todos sus colegas hicieron lo mismo. Porque los quieren.
Desde otro lado, se hacen conjeturas sobre la relación que sostenían con su hijo, se los señala, se elaboran hipótesis psicológicas y familiares de una historia que sólo ellos conocen y donde nadie debería inmiscuirse.
Ayer, una vocero de Daniel Grinbank, productor de la obra Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, comunicó que Leonor Manso tomó la decisión de no seguir formando parte del proyecto, que estaba en etapa de ensayos para estrenar el 18 de abril. Era lo esperado. Ni siquiera la profesión podría ayudarla a superar el dolor, ya que debía encarnar el papel de Kate Keller, una madre que sufre la ausencia de uno de sus hijos.
Por su parte, Antonio Grimau comunicó a la producción de El anatomista, cuyo elenco integra, que no sabe aún cuándo, pero que se reintegrará a los ensayos. Por ahora, la fecha de estreno prevista para el 7 de abril no se modificó.
Difícilmente, Leonor Manso y Antonio Grimau quieran hablar en algún momento de lo ocurrido. Es parte de su vida privada, de una intimidad que resguardaron celosamente desde siempre. Y por esa sola actitud, no merecerían que se los juzgue. Su mejor respuesta es, cuando el espíritu se los permita, volver a conmover, a su modo, sobre un escenario.

Piaf bajó el telón

2010-03-07T06:30:00.005-11:00

Comentario publicado el 3 de marzo de 2010, en la sección Bambalinas, suplemento de Espectáculos, diario La Nación.

Vamos a extrañar a Elena Roger

Por Pablo Gorlero

El domingo 28 de febrero terminó una de las obras que más conmovieron al público teatral argentino en los últimos años: Piaf, de Pam Gems. Tal vez el presente no permita detectar muy bien la importancia de esa producción en Buenos Aires, pero dejó una marca imborrable en el sendero del teatro comercial. Fueron intrépidos sus productores al haber asumido el riesgo de traer al país el mismo montaje de un epicentro teatral de excelencia como Londres, con su misma protagonista, que no era popular ni televisiva.
A su vez, pocas veces ha sido tan complicado obtener entradas para una obra. Para conseguir cualquier tipo de ubicación, había que sacar localidades con más de quince días de anticipación y, en cada jornada, el Liceo abría su boletería con una larga fila de espectadores ávidos de emoción a flor de piel. "El detalle inusual, contrario a la regla del teatro, es dejar un éxito de esta naturaleza (ciento por ciento de la capacidad del teatro en el ciento por ciento de las funciones, durante ocho meses). Piaf merecía como mínimo todo el año en Buenos Aires, para un verano 2011 en Mar del Plata, como opción para la gente de provincias. No pudo ser", dijo por ejemplo Carlos Rottenberg, empresario del Liceo y productor teatral.
Vamos a extrañar a Piaf. A ese personaje que fue persona y que sacudió a tantas almas que la escucharon cantar en vivo o en grabaciones. Vamos a extrañar esa vida repleta de golpes a temprana edad y de estocadas mortales en pleno esplendor. Elena Roger la volvió a la vida a través de una composición que la hizo transitar por todos sus estados y momentos. Ella la entendió como pocos (así como lo hizo Virginia Lago en los años 80, espléndida). Cómo olvidar ese montaje sórdido y minimalista que hizo Jamie Lloyd, en un teatro como el Liceo -tan bello como arañado por la humedad-, en el patio trasero de la plaza del Congreso, ámbitos que parecen formar parte de la misma escenografía ideada por Soutra Gilmour.
Cómo olvidar también esa última escena donde la comunión entre la protagonista y Julia Calvo -excepcional como Toine, su amiga del alma- provoca ese abrazo previo al espectador para arrancarle las primeras lágrimas, de la conmoción final con el "Non, je ne regrette rien".
Quienes presenciamos esa última función de Piaf difícilmente podamos olvidarlo. Una sala con muy pocos invitados y mucho público real que, como todas las noches, apenas finalizó la última escena saltó como un resorte de sus butacas y aplaudió durante 15 minutos, sin parar, con convicción, con conmoción, con pasión. A través de su trabajo, Elena Roger consigue acariciar al espectador, sacudirlo, conmoverlo y extraerle el alma hasta dejarla suelta, desnuda, sin posibilidad de escape ante ese encantamiento. No es exageración: Piaf fue sublime.
Un elenco no menos emocionado, que tuvo que salir cuatro veces a saludar, agradecía ese fervor con lágrimas y sonrisas. Pero el agradecimiento venía desde toda la sala, colmada desde la platea, hasta la tertulia y en todos sus palcos. En la fila 5 se ubicó la familia de la protagonista, cuyos rostros sumaban amor y orgullo. Sus padres, en punta de banco, tuvieron que quedarse sentados un buen rato, debido a la emoción, mientras el público dejaba la sala. Dos filas atrás, en el medio, el hombre que comparte su corazón con Elena tenía la cara empapada por las lágrimas. Ella se irá por un tiempo, bastante tiempo, a conmocionar a sociedades distintas, en otro idioma y otras realidades. Bien por ella. Los miles que la vimos, y los miles que se quedaron con las ganas de verla, estaremos orgullosos. Pero vamos a extrañar mucho a Elena Roger.

CONCHA DEL RÍO

2010-02-04T02:13:00.016-11:00

(Ampliación de la nota publicada en La Nación el jueves 4 de febrero de 2010.)

LA DIVA DEL UNDER PORTEÑO

El personaje encarnado en el alma de Noralih Gago es un fenómeno del teatro off y ya tiene miles de fanáticos

Por Pablo Gorlero

Desde hace ocho años, un personaje llamado Concha del Río le devolvió al "under" porteño algo de aquel exquisito sabor que supo tener en los años 80. Para ver el cabaret que encabeza hay que sacar entradas con varios días de anticipación y para ser admirador suyo por Facebook hay que ponerse en la fila, detrás de 5000 personas. El alma de esta diva, salida del túnel del tiempo, es Noralih Gago, actriz de sólida trayectoria tanto en el teatro alternativo, como en el comercial y en la televisión.
Su alter ego, Concha del Río, "regresó al país" para volver al escenario, a "conducir" un espectáculo que ya es un ícono del circuito "under": el Anfitrión Cabaret. Allí, ya sea alrededor de mesas, con comidas y bebidas, o en sillas, desde la platea, una sucesión de desopilantes personajes entran y salen, presentados por ella.

Un juego de ficción
Llegar al encuentro de Concha del Río no es fácil. Hay que adentrarse en lo más profundo del barrio de Constitución, en un hotel que combina azulejos floreados con flexiplast y un cartel que dice "welcome" en letras de brillantina. Allí, en su "suite" de cuatro por cuatro, espera esta amable diva de los años 40, con sus uñas larguísimas, su infaltable boquilla, sus pieles y un turbante de plumas tan alto como para sacarle las pelusas al techo. Saluda ofreciendo su mejilla, con su particular risa contenida ("Ha, ha, ha").
-¿Por qué me citaste acá?
-Ya sabes... Se me complica bastante salir en Buenos Aires. Fíjate que te habrá costado entrar... hay muchos fans agolpados afuera. Yo he dado tu nombre para que te dejen entrar.
-Me costó entrar en esta zona del barrio...
-Es un barrio precioso, ¿ah? Qué bello está Buenos Aires. Aquí en este hotel, todos los días, como te habrás fijado, hay mucha cantidad de gente de prensa y de público, esperando para que salga.

-¿Para pedirte un autógrafo o para afanarte?

-Ya… Creo que es para pedirme un autógrafo. Me han faltado las joyas aquí, en el hotel. Mis anillos, pero ya han aparecido. Creo que ha sido una distracción de la mucama. Pero no quiero hablar mal de nadie.
-Volvés siempre a la Argentina como si fuera tu casa...
-Ya sabes... es prácticamente mi casa. El público argentino es el mejor que he tenido.
-Te digo una cosa, Concha, mucha gente no sabe de dónde sos.
-Es que soy del mundo. A él le pertenezco. Ya sabes, desde Alaska hasta Tierra del Fuego, es mi casa. Bueno, he estado también en Europa bastante tiempo trabajando. Ahora acabo de llegar de Ciudad de México, donde estuve haciendo un poco mi "chow", y otro poco de ronda con mi gran amiga Chabela Vargas, que no me deja dormir cada vez que llego. Otra amiga mía mexicana está aquí en la Argentina, la Vero Castro. Ya nos vamos a juntar.
-Supongo que ellas deben sentir mucha admiración por vos...
-Nos admiramos mutuamente. ¿Sabes qué? No concibo ningún tipo de relación sin admiración. Creo que por eso la gente me ama.
-Por ahí escuché que no sos sólo referente de artistas, sino de divas...
-Ya... Eso lo dices tú. ¿Referente de divas? Puede ser... Ya somos todas amigas. Nos conocemos tanto, hemos trabajado juntas con varias de ellas. Con la Vero hemos hecho una película que todavía no llegó a la Argentina: Cerdas gemelas. Con Susana, una gran diva argentina, no hemos trabajado juntas, pero sí somos amigas. Cuando me toca pasar aquí las fiestas de fin de año, lo pasamos juntas. También soy un poco amiga de Moria, y de otras artistas que no sé si son divas, pero son grandes: Cecilia Roth, Florencia Peña, Amelia Bence, Susana Torales, Elena Sedova...

-Tenés amigos de todas las edades. Ese es uno de los grandes misterios del mundo del espectáculo: ¿Cuál será la edad de Concha del Río?
-Ya... Creo que sí, es uno de los grandes misterios. Ni yo misma lo sé. Ha, ha, ha... He comenzado a trabajar desde la década del 40, pero ya ves hoy qué bien estoy.

-Bueno, pero empezaste de muy chica, seguramente.

-Era pequeña, sí, ya... Recuerdo a la gran diva mexicana María Félix, con quien hicimos muchas películas y fue muy amiga mía. Ella ya nos abandonó.
-¿Empezaste como Gogó Andreu, haciendo zapateo americano de chiquita?
-Fíjate qué pregunta me haces. Siempre tengo el recuerdo de que la gente esté frente a mí, vivándome, con sólo mi presencia. ¿Sabes, Pablo? He hecho mis comienzos en fotonovelas con galanes. De aquí me ha tocado trabajar con Oscar Casco...

-¿Te decía "Cucuruchito mío"?

-Cucuruchito... Ha, ha, ha... ¿Qué significará eso? Con Jorge Barreiro también he trabajado.
-Perdoname la pregunta indiscreta: ¿siempre vestida?
-Bueno... siempre sugiero. En algún medio gráfico me han tildado de mujer de vida ligera. Sabes que se equivocan. Soy una mujer de vida vertiginosa. Ha, ha, ha.

-¿A qué vuelve Concha este verano?

-He vuelto… Necesito venir a la Argentina como necesito respirar, fíjate Pablo.
-Te trajo el calor.
-Ya... No pensaba que era tanto.
-Pero a pesar del calor te trajiste todas tus plumas...
-Sí, ya... Y también a todas mis mascotas, mis 37 zorros. Allí están mis niños, en la cámara. Tengo mis plumas, inconmodan un poco, está muy caluroso.
-Se te ve transpirando mucho.
-Estoy contenta. Necesito venir a la Argentina como necesito respirar. Necesito al público argentino, como el aire, como el trago, como el humo del cigarrillo.

-Pero no se puede fumar en los teatros.
-Ya sabes, cuando es ficción, sí. Desde los escenarios sí se puede.
-Por eso son caros tus espectáculos, porque hay que tener a tres o cuatro bomberos al pie del escenario.
-Siempre están ahí mis niños, los adoro.

-Hay bomberos hombres y bomberos mujeres.

-Hay de todo... Qué completo es este sitio, Anfitrión Cabaret. Hay bastantes bomberos mujeres.
-¿A qué viniste, Concha?
-Vengo a presentar nuevamente mi "chow", esta vez redoblando la apuesta. Estaba sólo un día a la semana. Ahora pienso trabajar dos veces a la semana. ¿Es mucho, verdad?

-Y... la verdad que sí...

-Ya... Voy a probar. Es que el público lo pide a gritos, se quedan afuera... tengo que hacerlo por ellos. ¿Sabes qué? Me dan ganas de radicarme aquí ya.

-Mirá que buena noticia…
-Y ahora estoy muy cómoda aquí en este hotel precioso.
-¿Cuánto hace que estás haciendo este éxito en Anfitrión?
-He estado entre fines de 2004 hasta fines de 2007 haciendo el 3340 Con humos de Cabaret, de la mano de Juan Parodi y Kichi Gatti, que eran mis socios en ese momento. Allí estuvimos esas tres temporadas largas. Luego ya… Ese conductor que tienen aquí ustedes, que lo quieren aquí tanto… Que acaba de debutar, un gran amigo mío, Marley, me ha llevado con él en su programa de viajes.

-Has vuelto a recorrer el mundo.
-Ya... Claro, le he mostrado sitios que no conocía. Al llegar a Tahití, en la Polinesia francesa, me abandonaron. Creo que ha sido por reducción de presupuesto. Desde allí tuve que emprender nuevamente mi gira mundial. Y desde allí he llegado aquí nuevamente al teatro Anfitrión.

-Sos una diva generosa, compartís el escenario con muchos artistas.
-Sí. Siempre digo que me gusta compartir sueños. El sueño de ellos es estar a mi lado en un escenario. Así se los cumplo. Están conmigo grandes artistas del undeground porteño como Mónica Cabrera, Pablo Palavecino, Mariela Acosta, Andrea Fiorino, Marcelo Keller, Meery Hernández, Teresa Murias, Matilde Campilongo y muchos otros.
-¿No te pasa lo de las otras divas, de tener roces?
-No pasa en el Anfitrión porque aquí hay una sola estrella.
-Perdoname, pero tenés fama de brava. Dicen que primero viene Nacha y después vos.
-Fíjate qué lindo suena: "Nacha y Concha". Vamos a hacer algo juntas. No tengo el gusto de conocerla, pero me ha llegado que me admira, así como yo a ella. No sé cómo nos llevaríamos.
-Me contaron una vez que si te tocan el turbante te volvés loca...
-Pero claro, fíjate... ¡Que me saquen un órgano, pero no me toquen el turbante!
-¿Tenés alguna anécdota? No sé... tal vez algún murciélago enredado en las pestañas...
-No he tenido problemas con murciélagos, pero se me viene a la cabeza el problema que tuve con las hermanas Rojo. ¿Conoces a Dolly Guzmán? Una estrella argentina, muy amiga mía. No está bien... Estábamos ensayando un espectáculo precioso en el Maipo, junto con las hermanas Rojo, producidas por Carlos A. Petit, con quien yo tenía un intenso romance. Aparecíamos las cuatro, desnudas, pintadas de dorado. Pero las hermanas conservaban un secreto. Ellas dejaban en su espalda un lunar sin pintura para que, por allí, la piel respire. En ese elenco estaba Miguel Jordán, que no nos deja mentir. Nunca nos revelaron el secreto a Dolly y a mí. Llegó la noche del debut. La pintura por aquel entonces era muy tóxica, no existía el body painting.

-¿Era pomada Cobra?

-No lo recuerdo. Pero era muy tóxica, por eso élla se dejaban libre el lunar. Se alzó el telón y, al contacto con las luces... Ay, Pablo... Parecíamos dos cachalotes con ataques de paludismo. Fue tremendo aquello. La pintura no sólo era tóxica, sino adictiva. Carlos A. Petit nos internó en una clínica de rehabilitación. Nos hemos encontrado con varias estrellas amigas allí.

-No las nombres, por favor.

-No, no voy a dar nombres. Era tal la adicción que nos escapábamos, nos desnudábamos, nos pintábamos de dorado y salíamos a correr por las calles de Buenos Aires. Y nos volvían a internar y volvíamos a recaer… Mi relación con Carlos A. de veras fue importante para mi rehabilitación, a Dolly le costó más… No ha quedado bien. Carlos A. no me ha dejado, eh... Lo he dejado yo, como siempre.
-Sé que competís con China Zorrilla en cuanto a los affaires con grandes estrellas...
-Bueno, no han sido Marlon Brando ni Al Pacino, pero sí celebridades como Charles Aznavour, Cacho Castaña, Ignacio Copani y Javier Bardem. Bueno, ya... hay nombres que no puedo revelarte.
-Se hablaba de Marcelito Marcote. ..
-Ya... Mi bello, mi pequeño. Lo he tenido en mi criadero, es cierto. Ha, ha, ha...
-¿Cuál es tu sueño, Concha?
-Fíjate, creo que con mis dos amigas Susana y Vero haríamos un éxito de taquilla por siglos.
-Sos una de las pocas divas sin operarse.
-Todo es natural. Voy a un spa de tanto en tanto, donde me refrescan sobre todo en el exterior. No hay cirugías.
-Pero seguro que tenés algún secreto. ¿No usás "plasticola" o algo así?
-Ya... Pero esto no va a salir en la nota, ¿no?
-Te prometo que no. Siempre confiá en la prensa.
-Hay una cinta quirúrgica. Ya, tú te tomas desde aquí, detrás de las orejas, hacia atrás y escondes todo aquello bajo el turbante. Eso te deja la piel lozana, descansada.

-Muy buen secreto. Me lo guardo para mí, no publico nada.
-Cuando te vea a tí con el turbante ya sé por qué es, Pablo.

-¿Qué opinás de Noralih Gago?

-Realmente es una niña adorable... ¡Y que sería de ella sin mí! Ha, ha, ha...
-Tenés un montón de fans.
-Leo en mi Libro de Rostro cada cosa que me escriben mis fans… Pero no respondo. Fíjate que no puedo con la longitud de mis uñas. Ellas han determinado mi vida. Ya... Todo lo que puedo hacer con estas uñas es fumar y tomar tragos.
-¿Cuántos fanáticos tenés?

-Ya... No soy fans… Tengo Facebook común como todo el mundo, están llegando a los 5 mil... No sé qué tendré que hacer luego porque creo que te permiten hasta 5 mil.
-Hasta tenés Twitter…
-Sí, pero está sólo en inglés, no entiendo.
-¿Cómo hacés para salir del hotel con todos los fans en la puerta?

-Acá tengo que usar un security personal, pero hoy le he dado el día libre. Cuando salgo del hotel, acá por Constitución, me abre camino y va repartiendo mis fotos autografiadas. Te confieso algo: no me gusta mucho que me toquen, ah.
-¿Querés darles un mensaje a tus fans?
-Quiero decirles que estén felices que ya estoy aquí. Ya me pueden ver en el teatro y se pueden comunicar con mi Llibro de Rostro. Y que soy feliz porque de veras...
- No llores, por favor.
-¿Sabes qué, Pablo? A pesar de ser una estrella internacional, soy una terrible sentimental. No sólo soy un cuerpo de muñeca Barbie superstar que vuelve locos a los hombres. También tengo corazón. Adoro a los argentinos. Por eso me pueden ver en Avellaneda, en Banfield, en Rosario, con mi limusina repartiendo recuerdos.

-Gracias, Concha.
-A tí, y ya sabes, yo no suelo recordar los rostros de los periodistas que me entrevistan, pero contigo haré una excepción.
-Me da mucho placer escuchar eso. Guardaré esta nota en mi corazón porque también soy sensible.
-Ay, ya mi tesoro.

http://www.youtube.com/watch?v=zBLcjrcdImM

DEL CABARET A LA TELEVISION
Falta muy poco para su regreso a la televisión. "Estoy en tratativas con un canal de aire para mi chow semanal. Allí presentaré artistas, estrellas nacionales e internacionales. ¿Pero sabes qué? Tendrá mucho humor. Allí estarán mis amigos del underground porteño. Estará saliendo luego del Mundial y de mis compromisos en Alemania. No puedo decirte qué canal, pero es el más público que hay".

Elena Roger

2009-12-27T06:40:00.006-11:00

Columna escrita para el diario El País, de España, sobre Elena Roger*, en un anuario de personalidades destacadas.

La Reina del musical

Elena Roger: cantante y actriz argentina que interpretó a Eva Perón, ha ganado el Premio Olivier a la mejor actriz en obra musical por su papel en Piaf

Por Pablo Gorlero

La experiencia de ver Piaf significa estremecerse, vibrar, emocionarse y salir con esos sacudones al pecho, al alma, que sólo consigue un hecho teatral sublime. Ésa es la respuesta a las largas colas de gente, desde muy temprano, para sacar sus boletos. La obra de Pam Gems es interesante, y el montaje de Jamie Lloyd es excelente, pero después de verla, uno no puede imaginársela sin Elena Roger. Su talento es inversamente proporcional a su tamaño: inmenso. No sólo encarna –en el sentido más literal de la palabra– a esta figura internacional tan frágil y fuerte al mismo tiempo, sino que la ama. Y sólo logrando ese vínculo es cuando –como en este caso– el artista, en dos horas, logra transitar por tres décadas de su vida. Circulando por sus virtudes y miserias y plasmando el deterioro del personaje en cuerpo y voz. Pero Piaf, como Elena, pueden conseguir que el espectador se sienta evanescer de placer al escuchar "Non, je ne regrette rien".
Ya lo demostró discretamente tanto en sus breves participaciones en Nine o El violinista en el tejado como en sus coprotagónicos de Fiebre de sábado por la noche, Los miserables y Jazz, swing, tap, y en su primer protagónico argentino, Mina… che cosa sei? Elena sabe perfectamente qué canta y qué baila, y por qué las emociones de sus personajes le llevan a esa necesidad extrema de expresarse musicalmente. Y además de eso, no se cree diva, es buena gente. Por eso se la adora.

CANELO: Un ejemplo de amor y fidelidad

2009-12-23T11:04:00.009-11:00

Mónica Merentino me mandó esta información tan linda sobre Canelo. La transcribo.

Un homenaje a Canelo

Ciudad de Cádiz, España. La más vieja ciudad del Occidente Europeo. Fundada por los fenicios hace más de 3000 años. Allí se encuentra el Hospital Puerta del Mar, hospital de la Seguridad Social, conocido popularmente como “La Residencia” .
En la puerta de La Residencia vivió 12 años un perro, Canelo. ¿Qué hacía allí?. Esperaba a su dueño, un gaditano, que doce años atrás (desde que el perro esta allí) acudía al centro sanitario a practicarse la Diálisis a diario, y en la puerta del hospital lo dejaba y le decía a su fiel compañero: “Espérame aquí, amigo mío”.
Cuando su enfermedad le obligó a ser ingresado en dicho centro, Canelo lo esperó en la puerta, pero el dueño no salió nunca del centro pues falleció. Desde entonces, Canelo se convirtió en la encarnación de la fidelidad canina, pues esperó durante doce años la salida de su amo. El caso de Canelo tuvo revuelo internacional ya que apareció en muchos periódicos y reportajes, incluso la BBC.
Allí, en esa puerta, acabó sus días nuestro héroe. El fiel Canelo se quedó en la puerta y no hubo forma humana de moverlo de allí. Mirando fijamente a todas las personas que salían esperando ver a su compañero, a su amigo, pero en vano, así durante 12 años, escribiendo la historia de amor, de amistad, de las más bonitas que se conocen entre un animal y un ser humano. No volvió a oír más sus palabras, no volvió a sentir nunca más sus caricias. Pero en su memoria quedó para siempre el: “Espérame aquí, compañero”. Y allí permaneció fiel, sin desmayo durante 12 largos años, solitario, abandonado, esperando que se produjera un milagro y volviera su “amigo”.
Un día, se recibió en la perrera municipal una denuncia de un ciudadano sobre un perro abandonado en la puerta de un centro sanitario y del peligro que suponía para la salud pública. El perro fue cazado y llevado a la perrera, antesala de la muerte canina. Entonces se movilizaron los trabajadores de La Residencia, los amantes de los animales y medio Cádiz encabezados por AGADEN (Asociación Gaditana para la Defensa y Estudio de la Naturaleza) en defensa de la vida y la libertad de Canelo y consiguieron el indulto de Canelo ya que el teniente de Alcalde de Sanidad del Ayuntamiento de Cádiz firmó un decreto perdonándole la vida.
Probablemente sea el primer caso de indulto de un perro vagabundo conseguido por la presión popular. AGADEN lo adoptó, lo vacunó y le arregló los papeles para que dejara de ser un perro vagabundo, un indocumentado y aunque se le buscaron varias familias que lo acogieron, Canelo siempre escapaba una y otra vez y volvía a su lugar de espera, sin desmayo, vigilando día y noche la puerta del Hospital en espera de su amo y amigo.
La gente lo cuidó y le dio de comer como si Canelo fuera suyo durante 12 años. Este perro no fue un perro sin amo, fue el perro de todo Cádiz que lo quiso y lo cuidó como algo propio. Televisiones de varios países pasaron por Cádiz a contar la historia de este singular perro. De los Estados Unidos llegó una caseta de perro como donación para que fuera el hogar de Canelo pero las ordenanzas prohibían su instalación a la puerta del Hospital por lo que siguió siendo un “sin techo”.
El 9 de diciembre de 2002, el fiel Canelo dejó de esperar. Fue atropellado por un auto que se dio a la fuga.
Unos dos años después, por iniciativa de AGADEN, con el visto bueno del Ayuntamiento, la asociación protectora de animales y las federaciones de vecinos 5 de Abril y Cadice, se decidió darle su nombre a una calle peatonal que el animal frecuentaba. En el mismo callejón se colocó una placa de bronce con el torso en relieve del animal conmemorativa de este acto de fraternidad, fidelidad y amor entre hombre y animal.
¿Hasta donde puede llegar la fidelidad y la inspiración humana?... Simplemente hasta donde cada uno de nosotros queramos.
A continuación, os pongo un vídeo, el perro que sale en las imagenes es "Canelo", ojo con las personas sensibles.

HAY MÁS INFORMACIÓN SOBRE CANELO EN ESTE BLOG, MERECE LA PENA VISITARLO
http://jardinauta.blogspot.com/

De programas y acomodadores

2009-12-20T13:06:00.003-11:00

La cortesía se ha perdido en algunos teatros. Siempre es grato ser recibido con amabilidad cuando uno asiste a un espectáculo. Eso ocurre siempre en salas como El Nacional, el Astral, el Lola Membrives y el Liceo, por ejemplo. Boleteros pacientes y acomodadores amables. Pero últimamente esa cortesía se ha perdido en algunas de las grandes salas, como es el caso del Avenida, el Gran Rex o el Opera. Los acomodadores no sólo parece que estuvieran reagrupando ganado, a espera del valor de la propina, sino que a menudo se niegan a entregar programas de mano, elemento esencial para el espectador. En cada uno de esos teatros mencionados, quien esto escribe recibió la misma respuesta: "Se entrega uno cada dos personas, no alcanzan para todos". ¿Desde cuándo? Cada persona del público tiene derecho a tener su programa de mano. Lo hacen las salas más chicas, es hora de que las más grandes también sigan el ejemplo. En cuanto a modales, las acomodadoras de La Trastienda se llevaron esa materia a marzo.

Peligro: celulares y pochoclo

2009-12-20T10:35:00.002-11:00

Teatros: Apaguen los celulares... dejen de masticar

Por Pablo Gorlero

Hay un silencio abismal. Sollozos y llanto contenido en escena. Como cortina inoportuna, de pronto, suena no tan lejana "La vida es un carnaval". Es el celular de un espectador desubicado, que logra que los actores y toda una platea tengan que hacer esfuerzos supremos por no desconcentrarse. Esta escena se repite en los teatros de Buenos Aires, aunque siempre antes de comenzar la función alguien pida que se apaguen los celulares y todo chirimbolo electrónico que pueda hacer ruido. No obstante, siempre está aquel que lo enciende para ver algún mensajito de texto o para fijarse la hora si está aburrido. Por supuesto, en el momento de mayor oscuridad de la propuesta.
El colmo: en plena función intimista, en el teatro Anfitrión, sonó un celular y el espectador lo atendió. Lo peor de lo peor es que era periodista. Son muchas las anécdotas de actores que han interrumpido la función para pedir respeto.
A estos espectadores molestos se les sumó una nueva raza: la de las termitas. Hace algo más de una década hubo una gran polémica en Broadway en torno a la venta de comestibles y bebidas en algunos teatros. Esa modalidad se trasladó a varias salas del West End londinense y también generó repudio en muchos ámbitos que se quejaban de los ruidos molestos que generaba este tipo de consumo en plena función. Quien esto escribe conoce a muchas personas que detestan concurrir a cines donde se corre el riesgo de tener a un ávido masticador de pochoclos al lado, con un "crunchi crunchi" infernal.
Y como era previsible, el consumo dentro de las salas llegó a Buenos Aires. Hoy en día es bastante común escuchar, en plena función, el último sorbo con pajita en un vaso de plástico, el chistido que produce el abrir una lata de gaseosa, esa molesta sensación de que el consumidor de pochoclo y maní parece pretender encontrar una joya perdida en el fondo de la bolsa. En el Metropolitan, a un espectador hasta se le volcó la gaseosa en plena función. Las clásicas señoras que pelan caramelos a coro quedaron en el olvido en comparación con estas situaciones que atentan contra el resultado artístico y modifican al público.
Por fortuna no son todos los teatros. Pero los suficientes como para tener que rogar que a uno no le toque un tragaldabas al lado.